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Publicado en 1969 y producido por Kit Lambert, Tommy es una ópera rock que trata sobre un niño ciego, sordomudo y autista y sobre las penurias que sufrió de niño, llegando a ser un héroe o un mesías y finalmente un loco. La calidad de las voces e instrumentos convierten a Tommy de los Who en una de las grandes obras musicales del siglo XX.
Tommy es la adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who homónima, realizada por el director inglés Ken Russel en 1975.
Además de la banda integrada por Pete Townshend, Roger Daltrey (que interpreta a Tommy) y Keith Moon, participan en algunos números musicales Tina Turner (La Reina del ácido), Elton John (Pinball Wizard) y Eric Clapton (el predicador). También actúan Jack Nicholson, Ann Margret, Oliver Reed y Robert Powell.
En el comienzo de cada disco podemos escuchar una apertura, en el primer cd Overture y en el segundo Underture, que separa la obra en lo que serían el primer y el segundo acto o desarrollo y final. En la primera parte se relatan los traumas que tuvo que pasar Tommy de pequeño y el la segunda parte el comienzo de la cura, la salud y la locura final.
Según la historia, el Capitán Walker se supone que muere en una guerra (la I Guerra Mundial) antes de conocer a su hijo. El nacimiento de Tommy se cuenta en Captain Walker, la muerte del padre, y en It’s A Boy, en donde se le dice a la Señora Walker que ha tenido un niño.
El álbum termina con Tommy loco (We’re Nor Gonna Take It) en el campamento, queriendo hacer de sus discípulos el niño que había sido él (sordomudo, ciego, autista y víctima de abusos), aunque él mismo dice que nadie puede llegar a ser como él. Los envitados al campamento se muestran desilusionados y deciden abandonar a Tommy, aunque él crea que no pueden oírle ni verle ni hablar, y que tío Ernie terminará la faena.
En el disco se puede escuchar una gran sobre-producción y muy buenas secciones de acústicas y eléctricas, y mucha calidad vocal. Aparte de la historia en las letras, también hay que tener en cuenta la importancia de los temas instrumentales como Sparks, Overture y Underture por ejemplo.
Tommy fue un gran paso para los Who, un disco que debe ser tomado aparte en la carrera de este grupo inglés, no por eso un mal disco, sino una obra maestra.

Si quereis bajaros esta obra maestra, aquí os dejo un enlace donde esta subtitulada en español. Suerte!

bajarlo de Rendermania.org aquí el enlace no va.

Lista de reproducción: brto71

Pink Floyd.
Pink Floyd es un grupo inglés de rock que inicialmente obtuvo el reconocimiento por su música rock psicodélica, y, a medida que evolucionó, se fue transformando en rock progresivo. Son conocidos por sus canciones filosóficas, la experimentación sónica, sus innovadores Cover art, y sus elaborados shows en vivo. Es una de las bandas más importantes de la escena rock con más de 200 millones de álbumes alrededor del mundo de los cuales 74.5 millones solo en los Estados Unidos. Su primera formación estaba conformada por Bob Klose en la guitarra, Nick Mason en la batería, Rick Wright en el teclado y las vocales, Roger Waters en el bajo y las vocales y Syd Barrett como vocalista principal y guitarrista rítmico, este último fue el primer líder de la banda. A lo largo de su carrera tuvieron diversas formaciones hasta llegar a la clásica formada por Gilmour, Mason, Wright y Waters.
Tenían un moderado éxito en la escena mainstream y fue una de las bandas más populares en la escena musical underground londinense a finales de los 1960s como una banda psicodélica lidereada por Syd Barrett; que más tarde, debido a su comportamiento errático, sus compañeros se vieron forzados a remplazarlo por el guitarrista y cantante David Gilmour. Después de la salida de Barrett, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los 1970s, hasta su eventual salida de la banda en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes, siendo grandes sucesos comerciales con éxito mundial tales como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977), y “The Wall” (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, demandaron a Waters por los derechos del nombre de la banda; ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd y disfrutaron del éxito comercial de “A Momentary Lapse of Reason” (1987) y “The Division Bell” (1994), eventualmente alcanzaron un acuerdo con Waters sobre el uso del nombre.
Waters hizo una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto de Live 8 en Londres.
Pink Floyd es una de las bandas más influyentes del rock, ha influenciado a diversos artistas de rock tanto de los 1970s como David Bowie, Genesis y Yes ; como contemporáneos entre los cuales se encuentran Dream Theater, Tool, Radiohead, Porcupine Tree, The Orb, Anathema y Nine Inch Nails.
Historia: El legendario grupo de rock británico Pink Floyd se forma en torno a un grupo de estudiantes universitarios de arquitectura. De hecho, Roger Waters, quien fue por mucho tiempo su voz principal y bajista, conoce a Nicholas Mason y a Richard Wright en el “Regent Street Polytechnic”. Por otro lado, uno de sus iniciales integrantes e inspiradores, Syd Barrett, tenía por compañeros de secundaria al mencionado Rogers Waters y también al actual líder y guitarrista de la banda David Gilmour.
El nombre “Pink Floyd” o “The Pink Floyd Sound”, como se llamaba originalmente, proviene de conjugar los nombres de pila de dos bluseros de Georgia, en los Estados Unidos de América, a quienes admiraban. Ellos eran Pink Anderson y Floyd Council. En el año 1967 editan su primer simple con los temas “Arnold Layne” de un lado y “Candy and a currant bun” del otro. Poco después aparece su primer disco de Pink Floyd llamado “The piper at the gates of dawn”, es decir, “El flautista a las puertas del alba” donde casi todos los temas eran autoría de Barrett. El disco recibió un rápido reconocimiento y trepó rápidamente en la lista de canciones mas escuchadas. Por esa época Syd Barrett tenía crisis recurrentes psiquiátricas y por drogas que lo alejarían del grupo.
En Junio de 1968 se edita el segundo disco de Pink Floyd: “Saucerful of secrets” con la mayoría de los temas compuestos por David Gilmour y solamente dos atribuidos a Syd Barrett. En noviembre de 1969 aparece “Ummagumma” el cual es un disco doble denominado de transición para el grupo. Al poco tiempo aparece un nuevo álbum llamado “Atom heart mother” el cual contenía una suite con el mismo nombre que ocupaba toda una cara del disco mientras que en la otra había temas individuales. Pronto después, Meddle hace su aparición.
En 1973 aparece su disco mas vendido: “El lado oscuro de la luna”. Este disco los lanza definitivamente a la fama mundial y es actualmente el disco mas vendido de todos los tiempos. En 1975 aparece “Shine on you crazy diamond”, cuyo tema principal estaba dedicado a Syd Barrett quien hacia años que no formaba parte de la banda. “Animals”, su siguiente disco, aparece en 1977.
Uno de sus discos mas emblemáticos “The Wall” o “La pared” hace su aparición a finales de 1979. Un disco doble cuya autoría completa pertenece a Roger Waters brinda una nueva vuelta de tuerca a la propuesta musical del grupo. En marzo de 1983 se edita “The final cut” el cual es el último antes de la definitiva partida de Waters. Luego de algunos años sin actividades, lograron reponerse de la ausencia de Waters y David Gilmour tomo el control y liderazgo definitivo de Pink Floyd. Pink Floyd han sido pródigos en producir espectáculos en directo, combinando las experiencias visuales con la música para crear obras que dejaran al grupo mismo en un segundo plano, en la penumbra del escenario.
Espectáculos en directo: Dark Side Of The Moon Tour: Fue el primer tour de Pink Floyd con nuevas tendencias tecnológicas: introdujeron una pantalla circular que proyectaba películas filmadas por Storm Torgherson. También aparecían torres que incluían focos de luces y un avión mecánico que se estrellaba durante la canción On the run.El espectaculo que ya había sido presentado en su anterior gira, pero con el nombre de “Eclipse(A Piece For Abssorted Lunatics)” incluía en el primer set algunos temas del álbum Obscured By The Clouds,Set The controls For The Hearts Of The Sun,Careful With That Axe Eugene y Echoes. Tras un resceso de algunos minutos la banda volvía al segundo set e interpretaba todo el Dark Side Of The Moon. El encore consistía en One Of these Days In The Flesh (Animals) Tour: El escenario fue igual al del tour del Dark Side solo que con nuevas cosas: un cerdo inflable aparecía en la canción Pigs (Three Different Ones). También en Dogs, aparecían muñecos inflables representando una familia (hombre, mujer, hijos, un televisor y un auto). También fue el primer espectáculo con lasers.
The Wall Tour: El espectáculo comenzaba con 4 personas (que no eran Floyd pero los representaban) con las caras tapadas por máscaras, consiguiendo que el público se creyera que eran Pink Floyd. Luego en la siguiente canción, los Floyd originales aparecerían y seguirían en el concierto tocando, pero con la banda falsa tocando con ellos. Luego van construyendo un enorme muro mientras aparecían proyecciones de animaciones y los títeres (todo acorde a lo que sucedía en el álbum) que les oculta de la audiencia hasta el final de la obra, en el que el muro es derribado.
The Division Bell World Tour: el cambio tecnológico fue enorme: incluían un arco idéntico al del Hollywood Bowl que largaba lasers y luces. La pantalla circular fue más grande (de 5 o 6 metros de diámetro) que la original. Contenían más juegos de luces y lásers, más potentes que otros, y de la misma salían luces controladas por una computadora. También aparecían dos jabalíes en la punta del escenario en la canción One Of These Days. En Comfortably Numb, aparecía una bola de espejos que se abría, imitando los pétalos de una flor que a su vez largaban centenares de luces blancas.
Desde 1969, en sus shows, Pink Floyd usa el sonido cuadrafónico, donde el sonido se desvía por 4 canales distintos de audio, en ciertos puntos ubicados en el escenario. Esto hacía que el sonido fuese envolvente y poderoso, y lograba llegar incluso a lugares alejados.
Sitio web www.pinkfloyd.co.uk

Roxy Music - Brian Ferry.

No fueron tan populares como los Beatles, ni tan experimentales como Genesis; tampoco gozaron de tanto prestigio como Pink Floyd o fueron tan vilipendiados como la ELO. Sólo se puede decir que fueron decadentes como ellos solos. Parisinos, grotescos, circenses, a ratos dulzones y creadores de extraños ambientes y texturas: Roxy Music.

Al frente del micrófono, estaba uno de los más grandes crooners de Inglaterra: Bryan Ferry (1945), cuyos modales afectados y voz un tanto metálica sacudieron a la escena glam de Inglaterra, secundado hábilmente por sus compinches Phil Manzanera en guitarra, Paul Thompson en batería y Brian Eno frente al teclado. Pasaron otros integrantes menores, que duraron lo que el despótico Ferry dictaba. Así, nos encontramos con sorpresas como John Wetton (después pasó a formar UK), Eddie Jobson (¡este trabajó con Frank Zappa!) y otros. Pero el que causó más problemas fue Eno. Detrás de sus sintetizadores y máquinas, enfundado con sus plumas, tacones, visos y rouges, el siniestro Eno vigilaba los parámetros sonoros de Roxy, entregando sonidos metamórficos, risas del oboe y zapadas del sintetizador tocado a escondidas de Ferry. Del barbudo Phil Manzanera podemos decir que, paralelo a su labor como guitarrista, es un gran productor. Ahí están los Paralamas y sus proyectos de Expression Records. Del resto de los miembros, sólo vió impreso su nombre en algún disco de oscuros grupos ingleses. Por ejemplo, Paul Thompson tocó alguna vez en ¡Concrete Blonde! Make me deal, it make it straight… así arrancaba su primer single “Virginia Plain”, editado en el ya lejano 1972.
Aunque hoy la música de Roxy parezca tan alternativa como la de la ELO, vale decir que en ese tiempo fue totalmente diferente a la música inglesa que se escuchaba: Bowie, T. Rex, Slade, Mott The Hoople. Sólo compartía con ellos el típico sentimiento glam de pérdida, de desamparo, no de estar en medio de la fiesta, sino de estar fumando un porro con el dueño de casa cuando todos se han ido, sentados en el living rodeados de botellas vacías, con el cuello desabrochado y la corbata desanudada.

Así me imagino a Roxy Music. Pero, volviendo a lo musical, era tan inglés como una banda de pop venusino. El éxito de este single les posibilitó grabar su primer elepé: Roxy Music, que apareció a fines del 72, que contaba con la producción de Pete Seinfield de King Crimson (Bryan Ferry trató, sin éxito, de ser su compañero de grupo). Este álbum es un tanto naif, el talento de los cinco chicos Roxy nunca volvería a estar tan desnudo como entonces. Encontramos canciones que deberían conocer los adictos a Internet (Ladytron), odas al cine de los ’40 (2 H.B.), y los ya clásicos ruiditos y exploraciones sónicas de Eno (Chance Meeting). No tardaría en llegar el segundo vinilo, For Your Pleasure, en 1973, con la típica-portada-Roxy de una modelo semidesnuda. Acá el sintetizador y el moog de Eno dominan todo el plástico. Se nota que Eno la lleva. Por eso se fue del grupo. Porque amenazaba el liderazgo de Ferry. Así, este LP merece estar en el sitial grande del rock. Surcos como el hipnótico The Bogus Man o el hiper poderoso In Every Dream Home A Heartache, con su extraña letra sobre sexo con muñecas inflables o esa invitación a bailar que es Do The Strand, marcaron el sendero que debían seguir Ferry y sus boys, apartándode del rock agreste de Génesis y de los problemas existenciales de Pink Floyd.

Aunque Roxy también tuvo problemas, en 1973 empieza a cojear con la salida del grupo de Brian Eno, a quien lo llamaba más lo electrónico y ambiental. En su reemplazo llega Eddie Jobson, un violinista insoportablemente pendejo e insoportablemente ducho en su instrumento. Así, llega a los estantes de las disquerías el luminoso álbum Stranded, con Marilyn Cole en la portada (Playmate 1973), que contaba con caballitos de batalla como Street Life, que narraba la historia de Bryan Ferry como pequeño burguesito, o el precioso Just Like You. Jagger podría dedicar canciones así. Roxy Music seguía sacando singles y elepés anualmente. Así era antes.

En 1974 era la hora de Country Life, con su portada mostrando a dos chicas semidesnudas prohibidas en medio mundo… también así era antes. Este pedazo de plástico obtuvo número 1º en Inglaterra, por el batallón de singles que traía. Estaba Out Of The Blue, con un increíble solo de Jobson abriendo el álbum, y el casi-autobiograáfico Casanova. Amables lectores, si alguna vez quieren escuhar rock mezclado con clavicoedio y oboe ahí está Triptych, o por el contrario, afiladas guitarras tipo Kiss pueden encontrar en Bitter-Sweet. Unos meses más y mientras en las fotos de las alegres revistas del jet set aparecía la sonrisa dentrífica de Bryan con su Jerry Hall, sale a la luz Siren, el que me parece que es uno de sus mejores trabajos.

Producido por Chris Thomas, Siren, de 1975, es una obra maestra, que marca también el paso a la adultez joven de Roxy Music. Desde el estado larvario y experimental de sus primeros trabajos, ahora pasa a un soul más amistoso al oído. Lejanos eran los días de Brian Eno detrás de su Roland M-1. Love Is The Drug abre el álbum y se transformaría en uno de sus más grandes éxitos. Cuando aún no se apagan sus sones, se viene el embrujo de Sentimental Fool, una canción en el más puro estilo Brian Eno ’73, que cuenta los amoríos y desventuras de Ferry. Siguiendo con el romance, End Of The Line es una de las baladas más maravillosas.

La violencia se hace presente con Whirlwind, un verdadero torbellino de afiladas guitarras, mientras que la ironía llega con She Sells, un tema que Blur debería escuchar más a menudo. Así, llegamos quizá al tema más imitado en la historia Both Ends Burning, que está inmerso en la vorágine del synth-pop. Millones de grupos de la new wawe, desde Visage a Kajagoogoo trataron de imitar este estilo: una base poderosa, trabajo de sintetizadores y saxo. Los resultados están a la vista. Patéticos.

Después de un álbum en vivo (Viva!) de 1976, Roxy Music se da un “descanso temporal” eufemismo designado para decir que los miembros de una banda no se soportan más… aunque duraría hasta 1979, año en que vuelven el ¿gloria y majestad? con Manifesto. Sí quieren escuchar esa etapa de Roxy Music, que gimotea hasta 1982, váyanse a cualquier radio adulto - joven - decadente - burgués, porque no conozco nada de esa época. Simplemente tanto como me gusta el antiguo Roxy Music, esta versión pasteurizada me repele.

Pero Roxy Music escribió un jalón importante en la historia de la música alternativa. Ahora es cuando aparecen grupos parecidos y no en los 70. No tuvieron continuadores de su propuesta, ni rivales ni competidores que van a la zaga. Roxy fueron viejas estrellas del celuloide en un mundo post nuclear. Se movían entre esos dos extremos: la decadencia absoluta y un futurismo que a Radiohead le daría envidia. Placebo, Suede, e incluso Marillion, denle gracias a San Roxy Music por influencia concedida. Olvídense de Pink Floyd. Olvídense de Syd Barret o de Genesis. Olvídense del blues rock inglés. Sin Roxy Music no existiría la actual música inglesa. El que no crea, que tome un disco de The Smiths o de Suede y otro de Roxy. Se va a confundir, se lo aseguramos, salvo por las benditas chicas cuasi desnudas que colocaba Bryan Ferry en las portadas, a sabiendas de la influencia que tendrían tiempo después esos cinco chicos que parecían chicas.

Grand Funk Railroad

 La banda fue formada en 1969 por Mark Farner (vocalista, guitarra) y Don Brewer (vocalista, bateria), de Terry Knight (Terry Knight and the Pack), y Mel Schacher (bajo de  the Mysterians) en Flint, Michigan.
Terry Knight miembro inicial de la banda pronto se convertiria en su manager y la nombraria a partir de la Grand Trunk Western Railroad,una bien conocida linea ferroviaria de Michigan. El primer reconocimiento que se tiene registrado fue en el Atlanta Pop Festival, la banda fue firmada por Capitol Records, estereotipada como la Cream, pero desarrollando su propio estilo musical, en 1970 vendieron mas albums que cualquier banda americana y se volvieron la mayor atraccion del concierto.
En ese mismo año ganaron su primer disco de oro por el album Grand Funk (tambien conocido como El Album Rojo) y un exito sencillo llamado Closer to home (Cerca de casa) del album del mismo nombre el cual fue estilisticamente parecido a el viejo Terry Knight and the Pack.
Un año despuès rompieron el record de asistencia implantado por los Beatles, en el Shea Stadium, al vender todas las localidades en 71 horas.
Ese record sigue vigente hoy en dia. A pesar de las numerosas criticas, y la poca cobertura que tuvo en radio, los primero 8 albums que la banda realizo en tres años fueron exitosos.
Knight lanzo una campaña publicitaria intensiva para promover Closer to Home, pagando supuestamente 100,000 dolares por los tiempos en las listas de popularidad de Nueva York Times Square.
Ese album fue certificado con categoria multiplatino a pesar de la criticada falta de exito. En 1972 Grand Funk despidio a Knight; Knight emprendio una demanda legal, por incumplimiento de contrato teniendo como resultado una contienda judicial prolongada, en 1972 Grand Funk Railroad realizo su decimo sexto album Phoenix y agrego a un cuarto miembro a la banda de nombre Craig Frost (teclados), y como resultado de la contenda legal que tenia en proceso, acorto su nombre a Grand Funk.
Esto tambien se reflejo en un cambio de estilo en sus raices originales en el Rock & Roll para perfilarse mas a la orientacion de estilo Pop que sus principales fans aclamaban.
Dos sencillos pop,exitosos fueron We’re an american band y The Locomotion (escrita por Carole King y Gerry Goffin y anterior exito de Little Eva), que fueron seguidos por un album de estilo Pop, All the girls in The World Beware, y el nombre regreso a Grand Funk Railroad, la popularidad del grupo decrecio.
Despues de finalizar Good Singin’,Good Playin’(1976) bajo la produccion de Frank Zappa, la banda se desintegro. farner comenzo una carrera de solista,mientras Brewer, Shacher y Frost formaron la banda Flint con la adicion de Billy Ellworthy. Grand Funk Railroad se reunifico en 1980 sin la presencia de Frost y con Dennis Bellinger remplazando a Schacher en el bajo, y realizando dos albums para el sello Full Moon filial de la Warner Bros Records.
A pesar del exito de los albums, el grupo se desintegro por segunda vez, farner se convertiria al cristianismo y continuaria con su carrera solista, convirtiendose en un cantante de Música cristiana, mientras que Brewer se integro a una nueva banda con su compañero de Grand Funk Frost en Bob Seger’s Silver Bullet Band. En 1996, Grand Funk Railroad (incluyendo a Schacher) se reunio una vez mas para actuar ante 260,000 personas en 14 shows con las localidades completamente agotadas, durante un periodo de tres meses.
En 1997, la banda daria tres conciertos mas, con localidades agotadas en Bosnian benefit concerts y realizo dos albums CD en vivo llamados Bosnia cuyas ventas tambien fueron en beneficio. Despues de tres años de giras Farner abandono a la banda para continuar su carrera de solitario. En el 2000, Brewer y Schacher decidieron reclutar al cantante lider Max Carl proveniente de “.38 Special” y al tecladista Timothy Cashion y continuaron como Grand Funk Railroad.
Viajando constantemente desde entonces, Grand Funk ha construido a nueva audiencia y recuperando fans de la banda original. La nueva encarnacion de Grand Funk toca alrededor de 30 conciertos por año, recientemente rompiendo records de audiencia en Buffalo, New York y Orlando Florida, al convocar a mas de 20,000 fans en ambos conciertos. La banda esta presuntamente escribiendo material nuevo con planes de efectuar un retorno proximo que incluiria el tema Who Took Down The Stars, una balada inspirada en los sucesos del 9/11, escrita por Carl y Kulick. En los Simpson’s Grand Funk Railroad es la banda favorita de Homero Simpson, Otto el chofer del omnibus escolar tambien es su seguidor.
El productor ejecutivo Bill Oakley tambien ha manifestado su simpatia por el grupo.
En el juego Grand Theft Auto:San Andrea, es usado de fondo la musica del sencillo de Grand Funk el tema. Some Kind of Wonderful.
Es que son muy americanos ya lo dicen ellos. Pues este es el Famoso y aclamado grupo  Grand Funk Raildroad, yo por cierto lo conoci en los años 70 cuando iba a un concierto que al final se anulo, y nos pasamos toda la noche poniendola en la Discoteca que habia en el lugar, ya que eramos una panda enorme de gente y la mayoria nos conociamos de los Festivales.
Pero eso ya se paso y ha llovido mucho por eso quiero que la oigais y veais que garra tiene para aquellos que les gusta sera un placer pero para los que la escuchen por primera vez quizas no lo vean tan claro. Pues salvo otros detalles por hoy se ha acabado con musica y con musica, que subire de este grupo, que tratare de que la tengais.

brto71

Jimi Hendrix

Jimi Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un músico basado en el rock estadounidense, considerado uno de los más grandes guitarristas de rock de todos los tiempos.
Poseía un particular talento en la guitarra eléctrica en la cual expresaba con una increíble destreza sus emociones.
En el año 2003, la revista Rolling Stones lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.

Biografía:
Nacido con el nombre de John Allen Hendrix, su padre le cambió el nombre por James Marshall “Jimi” Hendrix a los cuatro años le compró una guitarra acústica de segunda mano, con la que el pequeño James aprendió a tocar a los 11 años de edad. En 1959, le compró la primera guitarra eléctrica. Jamás estudió música, fue un artista autodidacta.
Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo King Casuals. Tuvo relativo éxito, y fue contratado por Little Richard, hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James and the Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos y el trabajo sin descanso, explotado por sus representantes musicales. Poco después, comenzó a consumir marihuana y LSD , como la gran mayoría de músicos y artistas de la época. Creó uno de los discos más influyentes en la música del rock, eso fue en 1968 bajo el título de Electric Ladyland con temas como All Along The WatchTower, versión de Bob Dylan uno de los ídolos de Hendrix, que aparece en la película Forrest Gump y Voodoo Child usada para la batalla campal de la película En el nombre del padre.
Chas Chandler, el bajista del grupo “The Animals”, se convirtió en su representante y le convenció en 1966 para ir a Londres, donde había entonces un gran movimiento musical. Juntos crearon el grupo The Jimi Hendrix Experience, con Mitch Mitchell a la batería y Noel Redding al bajo eléctrico.
Realizó una actuación estelar (quema de guitarra incluida, durante “Wild Thing”, el último tema de la noche) en 1967, en el Festival Pop de Monterrey. También actuó, en diversos Festivales durante 1969, en el de Newport y en el “Woodstock Music & Art Fair“, donde tocó una histórica versión eléctrica del himno estadounidense como protesta a la guerra del Vietnam, (en ese momento ya era todo uno de los Iconos Hippies del momento) y que aquellos que no aceptaban la actuación de su gobierno eran también ciudadanos estadounidenses. Fue un concierto épico y uno de los más fantásticos de su carrera. En 1969 se disolvió “The Jimi Hendrix Experience” y montó un nuevo grupo llamado “Band Of Gypsys” (”Banda de Gitanos̶ con Buddy Miles en la batería y Billy Cox en el bajo eléctrico.
Protagonizó el histórico concierto del Festival de la Isla de Wight en 1970. Mermado ya de fuerzas por la gira “Cry of Love”, debido a un “estresante ritmo de trabajo” mezcla de la vorágine creativa y la compleja transición hacia un bluesrock más sofisticado. A destacar también los recitales de Atlanta y Berkeley.
En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, “First Rays of The New Rising Sun” en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente. El legado musical de Hendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones.
Nació en Seattle, Washington, y su verdadero nombre era James Marshall Hendrix. Comenzó en 1961 colaborando en diversos espectáculos de Rhythm & Blues. En 1966 marchó al Reino Unido para fundar el Jimi Hendrix Experience, trío del que también formaban parte Mitch Mitchell y Noel Redding. El grupo debutó en París en 1966 y realizó giras por numerosos clubes del continente europeo, así como del Reino Unido (1966-1967). Tuvieron un éxito inmediato y canciones como “Hey, Joe”, “Purple Haze” y “The Wind Cries Mary” se situaron en los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.
A su regreso a Estados Unidos, Hendrix actuó en el Festival Internacional de Música Pop de Monterey (1967), donde interpretó “Wild Thing”. El largometraje Woodstock (1970) recoge su participación en el famoso festival de música de 1969. Su estilo, con sugerentes giros melódicos, ritmos enérgicos y sonido amplificado, así como su costumbre de romper las guitarras que utilizaba en los conciertos, convirtieron sus actuaciones en espectáculos polémicos y enormemente populares. Su versión de “The Star Spangled Banner” (himno nacional estadounidense), en la que tocaba la guitarra con los dientes, se convirtió en una leyenda. Hendrix es uno de los guitarristas más influyentes del siglo XX a pesar de que sólo contó con tres discos de estudio editados en vida: Are You Experienced? (1967), Axis: Bold As Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Murió en Londres y está enterrado en su ciudad natal.

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Janis Joplin.

Janis Joplin, una estrella. una musa, un genio, una artista del Pop del momento…..pero sobre todo una persona, con sus sueños e inquietudes, con su falta de amor, su desmedido trabajo hicieron que se olvidara de ella misma, y buscara la felicidad sin gloria ni razon, sin importarle las consecuencias, asi era JJ. Pero veamos un poco su Historia y quizas comprendamos mejor como era y lo que sentia, en la pelicula The Rose que es una imagen de su vida se refleja algo de lo que llebaba, Betty Midler interpreto a JJ muy bien y descubrio que no todo lo que le rodeaba era bueno o malo, simplemente era diferente.

Biografia:

Janis Joplin (19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970), su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
El 4 de octubre de 1970,fue el exceso de alcohol, barbituricos y heroina acabaron por llevarla a su muerte.
Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales. Rechazaba el racismo y se le acusaba de amiga de los negros. A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.
Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.
Luego de este suceso, volvió a la música.  Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company,  logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos. Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba a ser algo más que la reina de los hippies. Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado… A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: nada que siente tan bien puede ser malo,  Sólo quiero algo de paz.
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo. Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. Cosmic Blues Band sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la Judy Garland del rock.
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola... Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría “ojalá no hubieras nacido“.
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar “Pearl” con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco “Pearl“, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema “Mercedes Benz” a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción “Buried Alive in the Blues” sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.
La película La rosa (1979), protagonizada por Bette Midler, está inspirada en la vida real de Janis Joplin.
Una serie de coincidencias han conducido a calificar a las muertes de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison una especie de “maldición del Rock“:
Janis, Jimi y Jim tenían la misma edad (27 años) al momento de sus muertes.
Todos murieron de sobredosis de droga.
Sus nombres empiezan con “J“.

Discografía: Janis Joplin.

Pearl (Póstumo 1971, Columbia Records)
Big Brother & the Holding Company / Full Tilt Boogie