En los palcos, mientras se sucede el drama de una ópera, se sucede la vida social, las intrigas políticas, la diferencia de clases sociales, los chismes, las historias de amor.

De pronto, acaba uno de los actos y desde los palcos más altos empiezan a gritar que Viva Italia y se empiezan a lanzar una lluvia de papeles con los colores de la bandera italiana y ramilletes de flores.

Un joven oficial austriaco se ríe de la ofensa. Un noble que le escucha se enfrenta a él y le reta a duelo.

De todo esto es testigo la bella y madura condesa Livia Serpieri quien se preocupa por el noble, su primo. Así que decide llevar al palco al oficial Franz Mahler, un joven altivo que tiene fama de conquistar corazones, para evitar que luchen. Éste le dice que no se preocupe, que todo lo puede frenar un arrestro.

A la dama le da un fuerte dolor de cabeza y le pide a su esposo, un hombre mayor que simpatiza y trabaja con los austriacos, que salgan de la ópera. Que no se encuentra bien.

Éste es el arranque de Senso que ya muestra el amor de Visconti hacia la ópera y su gusto por la reconstrucción exquisita de una época, la importancia de las escenografías y ambientaciones y las artes que empleará para ir contando la decadencia de una clase social y el resurgimiento de otra época histórica. Así emplea el melodrama histórico con notas de Ópera trágica para contar el obsesivo y humillante amor que sufre la condesa Serpiere —que abraza la causa italiana por admiración hacia su primo y por lleva la contraria al esposo anciano (listo personaje que se coloca al lado de aquel que detentará el poder y le permitirá seguir con su acomodada vida)— hacia el joven oficial Franz Mahler.

Visconti no emplea sólo su vasta cultura en la recreación de un periodo a ritmo de melodrama y ópera sino que también en sus encuadres y composiciones se inspira en los grandes pintores del siglo XIX que también le sirven como fuente para la recreación de vestuarios.

Así vamos viajando a través de la condesa Sarpiere por su torbellino de sentimientos y por la transformación del joven oficial (sin duda lo más interesante de la película). Porque Senso se cuenta a través de las emociones y sentimientos de la condesa. Así vamos desde una condesa con afán de ser heroína que queda cautivada por la belleza y gallardía del oficial enemigo. Un joven que le parece héroe romántico. Al principio le rechaza como enemigo, después en un paseo nocturno por la bella Venecia queda cautivada por el joven galán, entonces se entrega y en la intimidad de un cuarto le ama, le mira, le toca…, y le entrega un mechón de sus cabellos. Después viene el abandono y la condesa no entiende y trata de buscarle obsesivamente. Más tarde llega el reencuentro, y ya vemos algo más allá que la condesa sobre la verdadera alma del joven oficial. De nuevo la separación y algo más tarde ella corre a sus brazos a pesar de una carta de advertencia. La humillación más dolorosa donde la condesa se quita la venda de los ojos y ve al verdadero hombre del que se ha enamorado (él nunca se ha ocultado y así lo dice con una sinceridad que desarma…, con una crueldad que rompe) y, por último, la venganza más cruel.

Franz Mahler no es un héroe romántico, Mahler es un vividor que quiere sobrevivir, que utiliza a las personas, que disfruta de la vagancia, el poder y el placer, que no le interesa la guerra ni se traga el morir por la patria (es todo lo contrario al primo de la condesa)…, que sabe que está viviendo el fin de su clase, de la aristocracia, y trata de alargarlo…, trata de sobrevivir. Y para él la condesa Sarpieri sólo es una pieza más a la que manipular porque sabe que ella se va a dejar…, en el fondo, ya se lo dice en el último encuentro, son más iguales de lo que piensa ella.

La condesa Sarpieri se obsesiona de amor. Primero se obsesiona con la causa de su primo, al que admira y le hace huir de su insatisfecha vida junto al marido mayor. Después, se obsesiona con Mahler de tal manera que no tiene reparo en darle el dinero para la causa rebelde que le ha dejado su primo para que la resguarde. Porque ella ahora es una mujer que ama ciegamente. Y cuando se ve en el espejo, en esa escena humillante donde Mahler, sucio y alcoholizado, le hace compartir mesa con una joven prostituta (que muestra más compasión por la situación que ninguno de los dos), se deja arrastrar por las calles, ajena a la guerra y a la situación que vive en esos momentos Italia o el ejército austríaco, y se venga extirpando su obsesión, eliminando al objeto de su deseo…

Así Visconti, que abandona su etapa más contemporánea y neorrealista, reconstruye un tema que le obsesiona hasta el final de su carrera como director cinematográfico, la decadencia del ser humano. Y lo reviste de melodrama romántico entre dos seres decadentes. Una hermosa y sensual Alida Valli con aires de soprano trágica de ópera clásica y un apuesto y decadente Farley Granger que con su apostura esconde su verdadero espíritu.

Senso es la adaptación de una novela corta de Camillo Boito donde en el guión trabajaron la guionista Suso Cecchi D’Amico, que ya había colaborado con Visconti en Bellisima o Rocco y sus hermanos y que le acompañaría hasta el final en El inocente; el propio director y los escritoresTennessee Williams y Paul Bowles (geniales en historias opresivas, amores obsesivos, decadencias y tragedias varias).

Como siempre Visconti regala escenas de una fuerza visual que envuelve. No sólo la escena del teatro. Sino la de los encuentros entre los amantes: el paseo nocturno, en la intimidad del cuarto, en la casa de campo donde se ha retirado la condesa junto al esposo durante la guerra, la escena maravillosa del granero vacío, la dura escena final clímax de una ópera trágica…

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

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Más poderoso que la vida es un mecanismo de muñecas rusas. Dentro de cada una de ellas se esconde otra hasta el infinito. Así podemos obtener varias lecturas y significados.

Esta película no es ni la más conocida ni la más recordada de Ray pero, sin embargo, esconde todas las claves que hicieron que su director fuera un realizador especial y a tener en cuenta. El director atormentado y frágil que se expresaba a través de una cámara y escribía películas.

En un primer visionado podemos descubrir un melodrama de los años cincuenta con familia de clase media americana como protagonista. Con un uso excelente del color, también lleno de significados ocultos pero que ubican la película en una decada determinada. También basta con mirar el vestuario de los protagonistas o la casa familiar.

Una segunda mirada nos hace descubrir que Ray toca un tema siempre tratado como un suspiro en las películas de Hollywood sobre todo por la imposición del código Hays y es la dependencia a las drogas y la existencia de drogodependientes de distintas sustancias. Por aquellos años cada vez eran más los directores que querían reflejar un tema candente y real, un año antes Preminger había reflejado la adicción de la heroína en El hombre del brazo de oro. Aquí es James Mason quien ingiere una droga debido a una enfermedad incurable y los efectos de esa droga convierten su vida en un infierno. Su mente se resquebraja. Su mente se rompe en pedazos.

Pero aún nos quedan más lecturas y quizá las más interesantes. Podríamos quedarnos con una visión sencilla: una idílica y típica familia de clase media con sus problemas y alegrías habituales en un ambiente idílico y natural para su desarrollo ve cómo su vida se transforma en una película de terror y horror ante la presencia de una sustancia extraña que transforma al hombre recto y entrañable que es el señor padre, sustento moral y económico de la familia.

Podríamos también sentir como esa droga transforma a Mason en una especie de Doctor Jekyll y Mister Hyde que asusta a la señora esposa, al pequeño hijo y al amigo cercano y que genera sentimientos contradictorios porque sus comportamientos opuestos los alberga la misma persona, y esa persona es amada por aquellos que también se convierten en víctimas.

Pero vayamos más al fondo, más allá de la metáfora, y Más poderoso que la vida advierte sobre los sentimientos ocultos sepultados pero latentes en la sociedad de la clase media norteamericana de los años cincuenta (o del siglo XXI y de las clases medias de muchos pero muchos países). Una sociedad que puede desembocar en comportamientos enfermizos…, ¿y no se torna todo aún más interesante? Una sociedad capaz de generar intolerancia, crueldad, fanatismo religioso y dureza con aquel que es distinto o que no sigue los mismos cánones, con aquél que supone una amenaza para la seguridad económica y social de esa clase…, ¿y entonces no es evidente que Más poderoso que la vida desvela muchas claves y muchas historias?

No importa el nombre de la droga (cortisona, en aquellos momentos en fase de experimentación) sino lo que subyace bajo la mente de un buen hombre que ve que su mente es perturbada por un elemento extraño. Y James Mason da todos los matices necesarios a un personaje que se transforma en cada secuencia.

Y si seguimos leyendo descubrimos horrorizados que nos vamos sumergiendo más y más en el terror porque la película rompe en pedazos el concepto de familia idílica de principio a fin y convierte el núcleo familiar en un infierno y un mundo angustioso. Y muestra cómo un sistema educativo puede saltar en mil pedazos para transformarse en un mundo represivo. O cómo la religión puede crear mentalidades tan fanáticas que protagonicen una historia de miedo y horror cuando un hombre trastornado grita a los cuatro vientos que Dios se equivocó. Que tendría que haber obligado a Abraham a asesinar a su hijo Isaac.

Y Nicholas Ray parecía que sólo había empleado los mecanismos correctos para crear otro melodrama más de los años cincuenta. Con un James Mason como profesor acuciado por problemas económicos al que pronostican una grave enfermedad. Un hombre que además arrastra problemas en su familia porque ve cómo sus sueños intelectuales se han frustrado y la vida con su mujer (Barbara Rush) y su pequeño hijo se ha convertido en pura rutina…

El director juega además con los espacios y convierte una idílica casa en un ambiente opresivo. Juega también con los colores y sus significados. Un espejo roto quiere decir muchas más cosas. El lanzamiento de una pelota tiene muchos significados y un vaso de leche puede ser el desencadenante del terror o el sonido de un teléfono puede ser una llamada de auxilio. El equipo de doctores y el propio hospital se transforma en un laboratorio de experimentación no de una droga sino del interior de un ser humano.

Más poderoso que la vida es un libro de varias capas que revela infinitos significados. Nicholas Ray demuestra, de nuevo, que sabía contar sus historias a través de puro cine.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

Me he quedado absolutamente noqueada ante El gran cuchillo. Sin palabras. Después de verla ha tenido que pasar un tiempo de reposo antes de ponerme a escribir. Sabía de su existencia entre otras cosas por un libro del crítico Marc Cousins, Escena por escena, donde Rod Steiger (uno de los actores) describe una de las escenas más impactantes.

La película es absolutamente despiadada y presenta de una manera dura la otra cara de Hollywood. La cara que no es agradable ver. Ese Hollywood (pero que no hace falta que sea esta industria dorada del cine, se puede trasladar a otros ambientes laborables) corrompido hasta la médula capaz de atrocidades humanas y situaciones inmorales por conservar el poder, conseguir beneficios, conservar la fama o mantener el estatus. Un mundo tan corrupto que destruye a los seres humanos que ya no son personas sino productos sin sentimientos que se pueden encumbrar o destruir, manipular o machacar. Un mundo capaz de romper a pedazos a hombres y mujeres con ideales y con actitudes artísticas e intelectuales que son abocados a un tobogán sin fondo.

Varios son los elementos que hacen de esta película una obra imprescindible. Primero la labor de un Aldrich —con una carrera tan interesante como irregular e independiente— que se sirve de un plantel de actores que se salen en sus papeles, segundo por el material que maneja que es una adaptación de la obra teatral de Clifford Odets, tercero por ese dinamismo y fuerza brutal que imprime a una obra que transcurre prácticamente en una habitación y, por último, un guión plagado de frases que son tiros de gracia.

Si me dijeran escribe sólo un adjetivo para definirla diría: BRUTAL con letras mayúsculas. El texto de Odets es potente y despiadado (y cercano a lo real por eso es una película quizá muy poco mimada por Hollywood porque el retrato que realiza de la ‘fábrica de sueños’ es más tremendo que El crepúsculo de los dioses, Cautivos del mal, Ha nacido una estrella o La condesa descalza), desnudo y sin caretas. Y no es de extrañar, la pluma de Odets —que fue dramaturgo pero también sufrido guionista— es incisiva, daña, tanto como ese otro guión que escribió junto a Lehman para dejar otra película fascinante y dolorosa Chantaje en Broadway (1957) de Alexander MacKendrick.

La historia es un volcán de sentimientos. Contarla de manera simple es un reto pero lo intentaré. Charles Castle es la máxima estrella de los estudios del productor Stanley Hoff. Está a punto de firmar otro contrato eterno de siete años con el productor-tirano. Este contrato supone renegar de nuevo de sus sueños e ideales, sabe que sólo es una estrella pero no un buen actor con buenos papeles. Sabe que si firma su mujer Marion le abandonará, cansada de ver que su marido ya no es un tigre que sueña y lucha sino un sumiso gato a las órdenes del estudio que sobrevive. Cansada de las mentiras y del ambiente que les rodea. Él sabe que ese contrato supondrá más máscaras, apariencias, hipocresías, más litros de alcohol, más dolores de espalda… para mantener su estatus, su fama y seguir siendo una importante fuente de ingresos para la productora. No puede mostrarse rebelde porque en el momento que empieza la historia corre el peligro de que vuelva otra vez a la palestra una turbia historia de la que fue protagonista (cada vez más alcoholizado, un día atropelló a una persona causando su muerte y el estudio le ‘protegió’ culpando a un amigo-publicista de Castle para que cargara con la condena. Ese día en el coche no iba acompañado de su mujer sino de una prometedora actriz ahora en declive. Y lo peor es que él ‘admitió’ ese encubrimiento). Charles Castle es consciente de que no sólo no es feliz, que es como un payaso trágico, sino que además se hunde cada vez más y con él a las personas que más ama.

Es una película de personajes que se entrecruzan con fuerza y crean una trama que te atrapa.

Sin duda mi mayor sorpresa ha sido los infinitos matices que prodiga para su personaje y la interpretación maravillosa que realiza el protagonista en un papel muy alejado al rol que acostumbraba a mostrar. Me refiero a un Jack Palance magistral que es capaz de plasmar la tragedia de este hombre, de Charles Castle, capaz de plasmar su derrota vital, sus esperanzas de ser amado, sus ganas de rebelarse y vencer, su horror e ingenuidad –a pesar de la experiencia— ante la maldad por poder y beneficios, su furia, su cariño, su dolor y pena, su angustia ante la única salida que se le ocurre para volver a ser un hombre digno y devolver la felicidad a la mujer que ama… Jack Palance sube automáticamente al Olimpo de los grandes por este papel (ya le tenía un pequeño sitio reservado pero ahora crece y se impone).  

Los demás personajes reflejan el mundo que rodea al protagonista. Todos por algún motivo pasan por el salón de su casa. Primero, una columnista de lengua viperina (Ilka Chase) que ya supone la primera amenaza a Castle sobre que se pueden airear cosas no gratas sobre su persona si no le ofrece la exclusiva de su divorcio.

Después, el cobarde, poderoso, paranoico y enfermo productor con sus gafas de sol que trata a sus empleados y actores como si fueran marionetas sin sentimientos que ensalza o hunde carreras sin un atisbo de arrepentimiento que tiene el rostro de Rod Steiger (actor secundario al que reivindico con fervor).

Por otra parte, el cerebro, el hombre sin escrúpulos que sólo mira por el negocio y sigue a todas partes al gran productor, el hombre que arregla los trapos sucios sin importar los medios… con el rostro de Wendell Corey, otro secundario ofreciendo un buen papel.

Más alla el agente que es un hombre desencantado y en el fondo bueno (Everett Sloane, otro secundario de oro), que quiere a su representado, y traga y traga y traga hasta que estalla y llora ante un mundo en el que ya no puede ser conciliador ni diplomático.

El buen amigo escritor (Wesley Addy) que ya abrumado por un mundo que no aguanta y el alcohol decide no renunciar a sus sueños y abandonar la industria que tritura… y muy enamorado de Marion, la esposa de Charles.

La increíble Shelley Winters vuelve a romper el corazón con una interpretación estremecedora de una actriz que se sabe carne de usar y tirar contra la que van los poderosos porque no saben como quitársela de encima cuando se vuelve persona incómoda. Ella será el motivo por el que por fin Charles despierte y estalle, luche y viva, decida salvar su dignidad como ser humano.

Otra secundaria de lujo es Jean Hagen como mujer frívola que sólo persigue la fama empleando todo lo que esté a su alcance para conseguir sus objetivos. Sin importarle el daño que pueda causar en el camino.

Y por último una interpretación buena, muy buena, como mujer amada y que ama, también con infinitos matices, mujer que sufre porque se metió en el mismo tobogan que su esposo-estrella pero que ya hace tiempo que quiere huir porque se da cuenta de cómo está destruyéndolos todo el mundo laboral que les rodea…, quiere huir pero no puede porque ama demasiado. Quiere empezar una nueva vida pero no puede, siempre regresa junto a Charles… No podía ser otra que Ida Lupino. Otra gran actriz y directora de cine que reivindico su recuerdo.

The big knife es un volcán de sentimientos que estalla y se desparrama por el patio de butacas. Con escenas inolvidables por su dureza, con frases que se clavan en los oidos e interpretaciones que te rompen de dolor…, con una escena final BRUTAL.

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Estas tres reinas son sólo un aperitivo de cómo han sido reflejadas en la gran pantalla.

Guerras de religiones, guerras de poder, guerras políticas y mujeres atrapadas por esos ambientes. Que luchan feroces o son movidas como piezas de ajedrez. Que se revelan o se quedan en su papel. Que tienen tentaciones pero finalmente se quedan en el trono. Que son verdaderas maestras del juego del poder y manipulan como nadie. Son retratos fuertes e inolvidables. María, Reina de Escocia, la Reina Margot, Juana La Loca,  alguna de las Isabeles de Inglaterra (recuerdan el rostro de Cate Blanchett o esa tremenda Bette Davis con frente afeitada)… Inolvidable como maestra y jugadora experta que mueve las fichas y manipula una Leonor de Aquitania con rostro de una Hepburn fantástica.

Muchas son las reinas trágicas, esas que pasaron por sus reinados y por circunstancias históricas, políticas y manipulaciones varias…, acabaron sin cabeza. Las más fámosas: la frívola y trágica a la vez encerrada en palacio de cristal Maria Antonieta (¿recuerdan la última versión de Sofia Coppola?). Otra decapitada inolvidable es sin duda Ana Bolena y esas tremendas vidas privadas de un polémico Enrique VIII.

Otras reinas y princesas reales pero protagonistas de biopic de cuentos de hadas. Alguna luego fue de nuevo rescatada en un retrato más real. El ejemplo que primero se nos viene a la cabeza, sin duda, alguna es ese edulcorado y cursi retrato de la emperatriz Elizabeth conocida popularmente como Sissi. Esa fue la leyenda que cimentó la carrera de una primeriza y bella Romy Schneider que luego sería una de las mujeres más trágicas como la propia emperatriz. Romy se quitó la espinita de esa Sissi de cuento para volverla más real y humana en el retrato que ofreció años más tarde Visconti en Ludwig. Claro, la España franquista también quiso crear a su particular Sissi. Así también en los 50 se recrea en forma de biopic romántico la triste historia de amor entre Alfonso XII y María de las Mercedes.

Luego están las reinas y princesas de mundos fantásticos o imaginarios que lucen palmito en distintas comedias, historias fantásticas, de aventuras o películas de ciencia ficción. Alguna de estas princesas es absolutamente mítica por su ternura, elegancia y protagonista de historia linda del mejor cine romántico. En primer lugar recuerdo y nunca olvido a una Audrey Hepburn recién descubierta como princesa que huye de su condición durante un día mágico acompañada del periodista con cara de Gregory Peck. Vacaciones en Roma, uno de los más bonitos cuentos de princesa desgraciada. Todavía nadie olvida, y ya se encarga la televisión para emitirla una y otra vez, a la princesa prometida. Otra princesa mítica, reina de la ciencia ficción, con sus ensaimadas como dama de Elche, es la inolvidable Leia de la saga La guerra de las Galaxias o su más moderna madre la reina Amidala. Imposible no nombrar a Camelot y los amores desgraciados y aventureros de la reina Ginebra en sus infinitas versiones.

Y por último un recuerdo a las reinas y princesas animadas con la recreación mítica de una malvada reina pero sensual entre las sensuales: ¿alguien olvida a la terrible madrasta de Blancanieves? O quién no se enternece ante la princesa Aurora o esa bella durmiente que sólo resucitará por un beso de hombre enamorado. Y como no el cuento de hadas más mágico esa cenicienta desgraciada que llegará a convertirse en princesa gracias a un zapatito de cristal…

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Bienvenidos a la historia de un hombre cansado de cincuenta y siete años con más pena que gloria, que tras una vida alcoholizado y entregado a su guitarra y a todo tipo de escenarios, se da cuenta de que es un hombre cada vez más mayor, más enfermo de la mala vida, y más consciente de su soledad de tejano. Sus canciones cobran más auténtica realidad. El tejano, el cantante de country, reflexiona sobre el costo de su vida, sobre su soledad arrastrada y elegida… Tras el dolor que arrastra y los daños que sabe que ha hecho, sólo tiene algo claro…, su amor a la voz cascada, a sus letras que surgen tras la inspiración y la puta dura vida, a esos escenarios cutres o no donde arrastra sus canciones, a esos músicos que le acompañan, a ese público cada vez más anciano que aún siente ante sus baladas…

Corazón rebelde no es una película ambiciosa, ni innovadora, ni complicada…, puede que sin la increíble interpretación y carisma de Jeff Bridges no pasara de película de sobremesa. La película es Bad Blake, es Jeff Bridges. Desde este post le nombro mejor perdedor entre los perdedores, mejor tirado entre los tirados, porque siempre logra ser creíble, convencer y conmover. Y después está que la película refleja ese mundo de la música country (que casi es otro género cinematográfico musical genuinamente americano, claro) que nos queda lejano pero envuelven esos temas del tipo duro que se le rompe el alma en pedazos después de siempre llevar una vida agitada. Y Jeff convence con su guitarra, con su forma de cantar, con sus movimientos en todo tipo de escenarios… caer es igual que volar, dice una de sus letras.

Jeff es la encarnación del perdedor cansado al límite de sus fuerzas pero que siempre resurge por su pasión, por su espíritu de superviviente. A lo largo de su carrera ha sido ese tirado en busca de segunda oportunidad con litros de alcohol en sus venas. A veces, esa segunda oportunidad se le ha concedido, otras veces no la ha alcanzado y en Corazón rebelde se queda a medias. No podía ser de otra manera para un Bad cansado de serlo. Jeff es ese perdedor que nos rompe el corazón bien sea en Corazón roto (interpretación de Bridges que reivindico), El rey pescador, Los fabulosos Baker Boys…, o ese personaje que es El Nota, tirado por vocación.

Y es que los retratos de perdedores que quieren enmendar errores cuando ya es demasiado tarde dejan historias conmovedoras (yo no olvido cómo el año pasado me deje llevar por El Luchador con cara de Mike Rourke) sobre sus intentos de recuperar lazos del pasado o tratar de construir sólidas historias presentes a pesar de los obstáculos.

Corazón rebelde nos deja además una galería de secundarios con personajes humanos, muy humanos, que tratan de dar una segunda oportunidad o no abandonarle nunca a ese cantante country que aguanta y aguanta con sus tragos de whisky y su cigarro tras otro. La mujer periodista con niño de cuatro años que hace soñar al solitario Bad con una posibilidad de relación de futuro (Maggie Gyllenhaal), aquel joven cantante (especial Colin Farrell) que le tuvo de maestro y ahora llena estadios ahogado por la nostalgia y los recuerdos de etapas pasadas junto a un Bad en tiempos de gloria y abrumado por la caída del que fue su mentor (él sabe que es poeta, algo que a él le falta) o ese anciano fiel que no le deja ni a sol y sombra que le quiere tal y como es (Robert Duvall).

Sólo pongo peros a una cuestión: no hay química entre el niño de cuatro años y Jeff. El niño (pobrecito mío no tiene la culpa) no me enternece o conmueve. No puedo evitar recordar a Edward Furlog —cuando era un niño, ¿dónde te has metido?— (que trabajó con Bridges en Corazón roto como adolescente y me emocionó la relación en cada segundo de proyección) u otros niños (como ese gran niño vestido de Casper junto Kevin Costner en Un mundo perfecto) que consiguen establecer una química especial con los personajes maduros.

Me quito el sombrero ante ese perdedor con cara de Bridges que me hace reír y sufrir por partes iguales. Que me hace que quiera escuchar otra triste canción en un solitario escenario… Caer es igual que volar…, un corazón rebelde que se pide una segunda oportunidad a sí mismo.

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Desde la primera vez que le vi aparecer en pantalla he sido espectadora fiel. Ya le he dedicado un post en la sección Un rostro en la oscuridad pero da igual. Le quiero escribir unas líneas.

Porque recuerdo que siendo niña le vi en Starman (1984) y me enamoré del personaje y el actor que lo encarnaba. Ya subió a mis altares. Desde ese momento no he dejado de visitarle cuando he tenido oportunidad en la sala oscura y en la gran pantalla blanca.

Todavía no he visto Corazón rebelde pero sí el trailer y he leido el argumento y algunas informaciones más. Y sé que me gustará. Que será de esos personajes que me emocionen. Esos perdedores en busca de segunda oportunidad y encima con guitarra y tristes canciones del mundo country. Trataré de visitarle sin falta esta semana.

Bridges era de esos actores con varias nominaciones en su carrera pero ninguna estatuilla. Le habían nominado por sus apariciones en La última película,  Un botín de 500.000 dólares, Starman y Candidata al poder. Y nunca se había alzado con el premio y le olvidaron en varias ocasiones.

Su carrera discurre entre perdedores, galanes, héroes de acción, malvados…, tiene personajes de culto como El Nota (que todo hay que decirlo, no es de mis favoritos) y Gilliam le ha querido para su Universo particular en dos de sus películas. Esa película-medicina que es El rey pescador (me encanta) y Tideland (que no he visto aún). Su carrera está llena de altibajos como su vida de luces y sombras. Como todos los que pasamos por este mundo. Altibajos, luces y sombras.

Dicen que en su discurso se le ha visto hombre emocionado y agradecido. Agradecido a sus padres, a su esposa, a sus compañeros…., agradecido por amar el cine y su profesión.

Y entonces pasan metros de celuloide por mi mente y le veo como el muchacho de la última película que luego es hombre desencantado en Texasville. Al profesor tímido que quiere estar con una mujer pero sin sexo de por medio en ese intento de regresar a la comedia romántica pura y dura de la mano de Barbra Streisand.  A sus tres míticos Jack a los que amo: el pianista solitario y desencantado que luce su cara gris junto a su hermano (también en la vida real, Beau), un hombre lleno de energía; el locutor de radio que de lo más alto cae y cae por el tobogán de la culpabilidad y desesperación o ese Jack con ukalele que siempre, siempre anda corriendo por la vida intentando alcanzar su sueño, una Alaska helada, y evitando que le rompan el corazón.

Recuerdo a ese malo malísimo que se pasea por Iron Man, calvo y con barba. A El Nota, ese hippy trasnochado, rey del porro y la vagancia, con chaqueta de lana y cara de alucinado… pero que nos enamora. O a ese hombre aterrorizado por unos vecinos peores de lo que él piensa en la temible Arlington Road. O ese otro que trata de vivir sin miedo a la vida después de haber sobrevivido a un terrible accidente. O a ese hombre marcado por una tragedia familiar, roto de dolor y enamorado que ve cómo su mujer se rompe en pedazos sin que él pueda o quiera hacer nada…

Y todos los papeles que me quedan aún por ver y recordar.

Felicito a Bridges. El único premio que me ha alegrado realmente.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

Mike, con sus ataques de sueños cuando el mundo le pesa.

Scott, el niño rico con vocación de rebeldía.

Chaperos de Portland.

Oyen las campanadas de medianoche con su maestro sin techo, Bob.

Uno vende su cuerpo por necesidad.

El otro porque le toca ser rebelde y libre antes de encorsetarse en las normas sociales y convertirse en rico heredero.

Juntos, siempre, recorriendo carretera con cara jodida en una moto.

Scott avisa desde el principio que olvidará su pasado. Cerrará los ojos.

Mike, siempre desnudo, desnuda hasta su alma.

Mike sueña con una madre vestida de blanco que le acaricia la cabeza y le dice al oído que todo irá bien.

Mike y Scott viajan.

Amigos con fecha de caducidad. Scott ya lo ha avisado. Mike camina en presente.

Una pequeña hoguera.

Mike se confiesa y desnuda. Ama a Scott. Se moriría por darle un beso. Porque ambos se amaran… Scott no ama. Mike sabe que siempre estará solo en una carretera con cara jodida.

A Bob, el enorme sin techo, se le rompe el corazón cuando su joven amante y amigo Scott le da la espalda. Scott pasa a la otra línea. Con cara fría e inmutable.

Bob se apaga. Mike sigue adelante con sus ataques de sueño cuando el mundo se derrumba a sus pies.

Sigue adelante.

En la carretera con cara jodida.

Esperando, siempre, pasar un buen día.

Mike amaba a Scott.

Y quería una vida normal, con una familia normal, una casa blanca y un perro.

Scott, frío, se vuelve el heredero que no rebasará la otra línea.

Mike se queda solo.

Ya lo sabía.

Una madre que crea en su mente le acaricia la cabeza: todo irá bien, todo irá bien.

Que pasen un buen día.

 Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.

Celine coge su guitarra y canta a Jesse. Él sólo escucha y mira. Quizá en la letra de la canción esté la clave.

“Déjame cantarte un vals fuera de ningún sitio, fuera de mis pensamientos.

Déjame cantarte un vals acerca de esa única noche.

Tú fuiste para mí esa noche todo lo que siempre soñé en mi vida.

Pero ahora te has ido, te has ido lejos hasta tu isla de lluvias.

Para ti fue sólo cosa de una noche pero para mí fuiste mucho más.

Si tan sólo supieras… No me importa lo que digan, sé lo que significaste para mí.

Ese día yo sólo quería otra oportunidad, yo sólo quería otra noche.

Aún si no parece ser lo más correcto, tú fuiste para mí mucho más que cualquier otro que conocí antes.

Tan sólo una noche contigo, Jesse, vale más la pena que mil con cualquier otro.

No tengo amargura, mi amor.

Nunca olvidaré lo de esa única noche.

Aún mañana en otros brazos, mi corazón seguirá siendo tuyo hasta el día que muera.

Déjame cantarte un vals fuera de ningún sitio, fuera de la nada.

Déjame cantarte un vals acerca de esa adorable y única noche”.

Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons.