No quiero hacer una crítica de esta película. Sólo una acotación. Herzog es un tipo que explota irreverentemente la polisemia de la imagen. Al nivel de la carcajada, cuando no está pasando nada gracioso. Eso me emociona. En Fata Morgana llega al nivel de que uno no sabe si lo están jodiendo, si la voz en off se independizó de la imagen, si el que puso los subtítulos era un esquizofrénico, o si se supone que es un chiste lo que pasa. Y todo esto enmarcado en unas imágenes espectaculares. Vale definitivamente la pena.

Britney, como si nadie se diera cuenta de que está dopada, gorda y demacrada, se hizo labios nuevos para mejorar su apariencia. Como si esos 2 centímetros cuadrados disimularan el metro y medio cuadrado restante. Y encima se le fue la mano y, otra vez, se convirtió en el hazmereír de los flashes.

Pobre che. Déjenla en paz. Voy a empezar conmigo. Y no voy a poner ninguna foto de sus labios rimbombantes.

Así quedó la Fuente después del atentado, que me cayó bastante simpático como modo de protesta estética, aunque tengo mis reparos en la reivindicación de un Futurismo que festejó en su momento la violencia bélica y la técnica armamentística.

Nada de eso.

Lleno de clase media alta argentina pseudo progre con cara de tolerantes truchos haciendo larguísimas colas para ver cortos no amateurs sino directamente impresentables, video clips de mala calidad con estética entre mtv y los programas de chimentos de las 3 de la tarde.

Lo admito, yo fui a ver cortos nacionales, que siempre es la peor opción. Pero aún así. Digo. Quienes deben seleccionar… dónde están?!!

La casa de subastas Sotheby’s realizará este evento, y estipuló que la estatuilla podría alcanzar la cifra de entre 800 mil hasta 1.2 millones de dólares, dinero que será utilizado en su totalidad para fines benéficos y humanitarios.

Dicho Oscar habría sido extraviada por el propio director, pero reapareció en 1994 y, tras una larga disputa judicial, volvió a manos de los herederos de Welles. En 2003, finalmente,   la adquirió la Fundación Dax, organización caritativa con sede en Los Angeles, California.

Ciudadano Kane (1941) fue dirigida y protagonizada por el estadunidense Orson Welles, y aunque sólo ganó el Oscar al Mejor Guión Original, estuvo nominada a Mejor Película, Director, Actor Principal, Dirección Artística, Fotografía, Música, Sonido y Montaje.

Considerada la mejor película de la historia por los institutos Americano y Británico del Cine, el largometraje narra la vida de un magnate de la prensa (Charles Foster Kane), protagonizado por el propio Welles, que además de actor y director, era locutor de radio.

 ”Nunca entraría en un club que admitiera como socio a un tipo como yo.”

(la genialidad verbal -y verborrágica- como ícono del comienzo del cine sonoro)

 

Rapado, el primer largometraje del argentino Martín Rejtman, basado en un cuento homónimo de su libro homónimo, es en gran medida la génesis de su estilo único, inteligente y sumamente interesante, aunque en versión bastante amateur y sin el humor que marcaría sus siguientes films.

La característica quizás principal del cine de Rejtman es la creación de una diégesis no realista (pero tampoco tan lejana del realismo), con un código de actuación propio, para enmarcar historias pequeñas con personajes vaciados (no meramente vacíos: hay un vaciamiento como consecuencia de un contexto social que desmorona las relaciones sociales). Todo esto, a su vez, con un sentido del humor lacerante, construido con personajes tristemente graciosos y los diálogos (suerte de monólogos compartidos, donde se habla pero no se escucha) que sostienen.

En Rapado el humor no aparece. Los personajes no tienen nada que decir o que hacer, pero esto no se resuelve, como en sus films posteriores, con el humor que este patetismo genera a través de diálogos estúpidos y que no permiten la comunicación entre quienes los sostienen. La película es mucho más explícitamente triste, aunque nunca asuma el código del dramatismo.

La trama del film se mueve no por los personajes sino por los objetos que van pasando, sin valor alguno, de mano en mano, por todos ellos. Evidentemente elocuente sobre la patética sociedad de consumo en decadencia que era la Argentina de los 90 (los objetos que se mueven son un reloj, motocicletas robadas, billetes falsos, fichas de videojuegos que funcionan como dinero), la película habla también de una generación perdida -no en el sentido de que ya no sirve sino de que no encuentra un rumbo.

Con una muy buena fotografía y movimientos de cámara, enmarcando unos ambientes desolados (casas de familias de clase media venidas a menos, calles desoladas de Buenos Aires), la película es estéticamente escueta pero cuidada. Lo mismo que sucede con la trama.

En definitiva, un film pequeño, casi amateur, pero con una conciencia muy fuerte de sí mismo, inteligente y, si peca de demasiado simple, es interesante como preámbulo a lo que Rejtman hizo brillantemente después, en la misma línea, con Silvia Prieto y Los guantes mágicos.

Leer mi critica de Rapado en Muchocine.net

Cineasta, pintor y fotógrafo, el estadounidense David Lynch lleva casi cuatro décadas sorprendiendo al mundo con películas que cuestionan el estatuto mismo del cine y le conceden un importantísimo lugar en la historia del cine. “Al fin me encuentro con alguien que quiere abarcar más que yo”, bromeó Sarkozy al entregar la Legión de Honor de Francia al artista.

El político francés agregó que, siendo joven, reconoció el valor del cine viendo El hombre elefante, que Lynch dirigió en 1980. Por su parte, el cineasta respondió a las atenciones con un francés titubeante. “Mi francés es pobre, pero hoy mi corazón es rico gracias a usted”, se excusó.

Acompañaron a Lynch en la ceremonia su compañera, la actriz Emily Stofle, el director Roman Polanski y las actrices Fanny Ardant y Charlotte Rampling.  

Fuente: http://informativo.cine.com/noticia/236670

No voy a hacerme la tonta como suele pasar con las críticas de las películas de Lynch. Hablar de la cámara, de las actuaciones, del super flash para evitar el ‘no entendí nada, pero está bueno’.

No entendí nada, pero está bueno.

El film sigue la típica estructura lyncheana, en que dos o más niveles diegéticos entran en juego y se mezclan sin previo aviso. Otra película para que el espectador desentrañe con los elementos que se van repitiendo en los distintos ‘niveles’ (el que habla de caos o asociación libre o chamuyo en lynch no entiende nada: sus películas tienen más estructura que el más típico dramón yankee). Esta vez, sin embargo, creo que se juega un poco más y se sale del realismo de los filmes anteriores de esta línea (digamos Carretera perdida y Mulholland Drive), y ya no nos limitamos al biplano realidad-sueño sino que nos movemos en algo mucho más complejo que podría definirse como una tríada  (realidad-sueño-ficción) aunque tal vez sea más correcto pensar en dos biplanos: realidad-sueño, realidad-ficción. Si a esto se le suma el hecho de que la ficción es la de un film, se agrega entonces la complejidad implicada en el cine dentro del cine.

Lo que creo es que finalmente la película no se resuelve en el realismo de una esquizofrénica teniendo pesadillas, sino que la historia queda más abierta hacia un fantástico paranoide o algo así. Para asegurarlo, sin embargo, la vería dos veces más.

Por otra parte, la experimentación con la cámara digital le abre a Lynch muchas puertas, y si se pierde la prolijidad de un Mulholland Drive, queda la mayor variedad de movimientos de cámara, calidad de imagen, lentes e incluso foto, que aportan a la distinción de los planos que se están jugando. Ésta se sostiene también en gran medida en los códigos de actuación de los personajes, rasgo muy interesante para analizar (cosa que yo, por supuesto, no voy a hacer).

Otra cosa que quiero destacar del film es el genial uso de imágenes bastante violentas. Yo, que soy la primera voz ética en contra de la gratuidad de la violencia en el cine y antagonista principal de basuras del tipo Hostel, encontré en esta película una prueba empírica para sostener que no es la violencia per se la que me molesta en la pantalla. Lynch usa la violencia visual: el film tiene hasta un poco de goce masturbatorio frente al sufrimiento físico del otro, la sangre, la muerte inminente. Y funciona. Yo, al menos, como espectadora, sufrí esas escenas (y no por el asco sino por la angustia. La carne destrozada se hizo, en la cámara de lynch, la carne destrozada de un sujeto).

Quedan varias cosas por mencionar. La autoreferencia, incluso la autoparodia; las excelentes actuaciones; la fotografía de puta madre. Y seguro que otras cosas que se me fueron olvidando.

Lo mejor de todo, sin embargo, es que ver esta película constituye una experiencia en sí misma, y una experiencia individual. Se puede ver 4 veces y entender toda la trama, ese no es el quid de la cuestión. Lo mejor es entrar al cine sin que la trama importe, dejar de percibir las imágenes-tópico de las que hablaba Deleuze para encontrarte con imágenes puras, disfrutar de eso, pensar cosas en relación a la imagen y no necesariamente en relación al significado de las acciones que transcurren en esa imagen y en relación a (el resto de las acciones que transcurren en) el film entero.

Exactamente eso. Inland Empire es una experiencia visual, sonora e intelectual.

Leer mi critica de Inland empire en Muchocine.net