El cine en duda

Rapado, el primer largometraje del argentino Martín Rejtman, basado en un cuento homónimo de su libro homónimo, es en gran medida la génesis de su estilo único, inteligente y sumamente interesante, aunque en versión bastante amateur y sin el humor que marcaría sus siguientes films.

La característica quizás principal del cine de Rejtman es la creación de una diégesis no realista (pero tampoco tan lejana del realismo), con un código de actuación propio, para enmarcar historias pequeñas con personajes vaciados (no meramente vacíos: hay un vaciamiento como consecuencia de un contexto social que desmorona las relaciones sociales). Todo esto, a su vez, con un sentido del humor lacerante, construido con personajes tristemente graciosos y los diálogos (suerte de monólogos compartidos, donde se habla pero no se escucha) que sostienen.

En Rapado el humor no aparece. Los personajes no tienen nada que decir o que hacer, pero esto no se resuelve, como en sus films posteriores, con el humor que este patetismo genera a través de diálogos estúpidos y que no permiten la comunicación entre quienes los sostienen. La película es mucho más explícitamente triste, aunque nunca asuma el código del dramatismo.

La trama del film se mueve no por los personajes sino por los objetos que van pasando, sin valor alguno, de mano en mano, por todos ellos. Evidentemente elocuente sobre la patética sociedad de consumo en decadencia que era la Argentina de los 90 (los objetos que se mueven son un reloj, motocicletas robadas, billetes falsos, fichas de videojuegos que funcionan como dinero), la película habla también de una generación perdida -no en el sentido de que ya no sirve sino de que no encuentra un rumbo.

Con una muy buena fotografía y movimientos de cámara, enmarcando unos ambientes desolados (casas de familias de clase media venidas a menos, calles desoladas de Buenos Aires), la película es estéticamente escueta pero cuidada. Lo mismo que sucede con la trama.

En definitiva, un film pequeño, casi amateur, pero con una conciencia muy fuerte de sí mismo, inteligente y, si peca de demasiado simple, es interesante como preámbulo a lo que Rejtman hizo brillantemente después, en la misma línea, con Silvia Prieto y Los guantes mágicos.

Leer mi critica de Rapado en Muchocine.net

El presidente Sarkozy destaca la actividad multidisciplinar David Lynch

Cineasta, pintor y fotógrafo, el estadounidense David Lynch lleva casi cuatro décadas sorprendiendo al mundo con películas que cuestionan el estatuto mismo del cine y le conceden un importantísimo lugar en la historia del cine. “Al fin me encuentro con alguien que quiere abarcar más que yo”, bromeó Sarkozy al entregar la Legión de Honor de Francia al artista.

El político francés agregó que, siendo joven, reconoció el valor del cine viendo El hombre elefante, que Lynch dirigió en 1980. Por su parte, el cineasta respondió a las atenciones con un francés titubeante. “Mi francés es pobre, pero hoy mi corazón es rico gracias a usted”, se excusó.

Acompañaron a Lynch en la ceremonia su compañera, la actriz Emily Stofle, el director Roman Polanski y las actrices Fanny Ardant y Charlotte Rampling.  

Fuente: http://informativo.cine.com/noticia/236670

Finalmente, cuando sólo quedaba en Buenos Aires una sola (y horrible, y lejana) sala para ver Inland Empire, asistí a la función.

No voy a hacerme la tonta como suele pasar con las críticas de las películas de Lynch. Hablar de la cámara, de las actuaciones, del super flash para evitar el ‘no entendí nada, pero está bueno’.

No entendí nada, pero está bueno.

El film sigue la típica estructura lyncheana, en que dos o más niveles diegéticos entran en juego y se mezclan sin previo aviso. Otra película para que el espectador desentrañe con los elementos que se van repitiendo en los distintos ‘niveles’ (el que habla de caos o asociación libre o chamuyo en lynch no entiende nada: sus películas tienen más estructura que el más típico dramón yankee). Esta vez, sin embargo, creo que se juega un poco más y se sale del realismo de los filmes anteriores de esta línea (digamos Carretera perdida y Mulholland Drive), y ya no nos limitamos al biplano realidad-sueño sino que nos movemos en algo mucho más complejo que podría definirse como una tríada  (realidad-sueño-ficción) aunque tal vez sea más correcto pensar en dos biplanos: realidad-sueño, realidad-ficción. Si a esto se le suma el hecho de que la ficción es la de un film, se agrega entonces la complejidad implicada en el cine dentro del cine.

Lo que creo es que finalmente la película no se resuelve en el realismo de una esquizofrénica teniendo pesadillas, sino que la historia queda más abierta hacia un fantástico paranoide o algo así. Para asegurarlo, sin embargo, la vería dos veces más.

Por otra parte, la experimentación con la cámara digital le abre a Lynch muchas puertas, y si se pierde la prolijidad de un Mulholland Drive, queda la mayor variedad de movimientos de cámara, calidad de imagen, lentes e incluso foto, que aportan a la distinción de los planos que se están jugando. Ésta se sostiene también en gran medida en los códigos de actuación de los personajes, rasgo muy interesante para analizar (cosa que yo, por supuesto, no voy a hacer).

Otra cosa que quiero destacar del film es el genial uso de imágenes bastante violentas. Yo, que soy la primera voz ética en contra de la gratuidad de la violencia en el cine y antagonista principal de basuras del tipo Hostel, encontré en esta película una prueba empírica para sostener que no es la violencia per se la que me molesta en la pantalla. Lynch usa la violencia visual: el film tiene hasta un poco de goce masturbatorio frente al sufrimiento físico del otro, la sangre, la muerte inminente. Y funciona. Yo, al menos, como espectadora, sufrí esas escenas (y no por el asco sino por la angustia. La carne destrozada se hizo, en la cámara de lynch, la carne destrozada de un sujeto).

Quedan varias cosas por mencionar. La autoreferencia, incluso la autoparodia; las excelentes actuaciones; la fotografía de puta madre. Y seguro que otras cosas que se me fueron olvidando.

Lo mejor de todo, sin embargo, es que ver esta película constituye una experiencia en sí misma, y una experiencia individual. Se puede ver 4 veces y entender toda la trama, ese no es el quid de la cuestión. Lo mejor es entrar al cine sin que la trama importe, dejar de percibir las imágenes-tópico de las que hablaba Deleuze para encontrarte con imágenes puras, disfrutar de eso, pensar cosas en relación a la imagen y no necesariamente en relación al significado de las acciones que transcurren en esa imagen y en relación a (el resto de las acciones que transcurren en) el film entero.

Exactamente eso. Inland Empire es una experiencia visual, sonora e intelectual.

Leer mi critica de Inland empire en Muchocine.net

Javier Bardem, quien todavía no termina de ser felicitado por su excelente trabajo en No country for old men, de los hermanos Coen, ya confirmó su próximo papel: será Pablo escobar, legendario narcotraficante colombiano, en un film en el que también estará Christian Bale.

Kiling Pablo es el nombre de la película basada en la novela de Mark Borden, Killing Pablo: The Hunt for the World”s Greatest Outlaw, que gira alrededor de la vida del cabecilla del “Cártel de Medellín”, organización que movía millones de dólares en drogas que distribuía por todo el mundo.

El film sobre el traficante más buscado de la historia será dirigido por Joe Carnahan y su estreno está previsto para el 2009.

(buenísimo)

Fuente: http://informativo.cine.com/noticia/236554

Porque andan promocionándose por allá, y porque Leonor Watling cae tan bien y es tan bonita, y porque la banda, humildemente, promete, yo les hago publicidad (con una foto de la actriz, claro, no sea cosa que se me desvirtúe el blog).

Como a todo estadounidense que pisa nuestras hermosas tierras porque recorrerlas les resulta inverosímilmente barato, y en un acto, entonces, de justicia económica, a Francis Ford le robaron en la casita que se compró en el lujoso barrio de Palermo para producir su próxima película.

Lo gracioso es que en un acto de doble justicia económica, como no tenía plata (¡¿Cómo no vas a tener plata, Francis Ford?!) le robaron su computadora, con el guión del film (Según su enojado testimonio, tenía ese guión, fotos de su familia, y “el trabajo de 15 años” -sic-… vamos, no te creemos tan imbécil…).

Dos reflexiones al respecto.

1) Ojo mis justicieros económicos (y no ‘justicieros’ a secas, eh, ¡que no estoy haciendo apología del delito!), que Francis Ford es amigo de la mafia italo-norteamericana, cóctel pesado si los hay.

2) Así que, o Francis Ford se va a vengar a base de ametralladoras, o esto es una matufia porque se dio cuenta de que el cambio de peso a dólar (3 a 1) no le sirve de mucho, considerando que las cosas en Buenos Aires en plena inflación le salen el triple de lo que hace un año, o sea, le da lo mismo filmar acá que en su horrible país, y encima está rodeado de sudacas hispanohablantes. Y bueno, tal vez se arrepintió y quiere que alguien le remunere las pérdidas…

Zeitgeist parece ser (y la verdad es que no investigué mucho) un documental hecho sin fines de lucro que circula por internet. Y si hacés click acá podés verlo entero (1 h 56 m) o cada uno de sus tres capítulos por separado.

Si bien el asunto empieza flojo, con un discurso positivista anticuadísimo de ‘te vamos a decir LA VERDAD’, y sigue anunciándote como una tremenda revelación la obviedad de ‘Dios no existe, te lo vamos a probar’ (como si no fuera lo más fácil del mundo probarlo, alcance eso como arma contra la fe o no), y mete todo eso con imágenes ochentosas de una estética, por lo menos, cuestionable, si uno le tiene paciencia, Zeitgeist se pone de puta madre.

La primera parte hace una historización interesantísima del cristianismo; la segunda rearma los atentados a las Torres Gemelas con numerosas pruebas a favor de la hipótesis de que fueron los EEUU mismos los que organizaron el ataque, y la tercera y última parte es la que se proyecta hacia el futuro, sacando conclusiones (atroces) a partir, entre otras cosas, de este atentado y otros producidos en los EEUU y el sistema bancario mundial.

Si a este final, desolador y desesperante, se le suma la imaginación de la catástrofe como armazón general del film, la película genera un poco de paranoia, eso sí, hay que concederle, no sin considerables evidencias.

Buster Keaton es probablemente el tipo que menos se rió en la historia del cine y el que más (me) hace reír.

Asumiento el carácter dogmático de mi enunciación, digo sin embargo que hizo la mejor película del mundo: Sherlock Jr.

Y logró todo eso, también me parece, con sólo haber entendido el arte de abrir los ojos. Eso, o Buster Keaton tiene la mejor cara del mundo.

(sí, creo que es eso)

Creo que voy a pensar Flores Rotas como una película esencialmente expresionista; formalmente minimalista.

El film empieza con Bill Murray, ex Don Juan en decadencia, recibiendo una carta en la que una de sus viejas amantes le anuncia que tiene un hijo de 19 años que salió a buscarlo. Y así va, con el impulso de su vecino Wilson, que es un personaje extraordinario, en busca de sus amantes de esa época.

Minimalista, entonces, porque como todo el cine de Jarmusch (que vi, que no es tanto), se sostiene en planos silenciosos, largos -aunque no descriptivos. Es una narración muy lenta, pero siempre se está en la línea narrativa-.

Por otra parte, se destaca un humor un poco extravagante -en términos realistas, inverosímil- que se desprende de las acciones y caracteres de los personajes secundarios (siempre un poco ridículos) y de los diálogos (y la cara) del protagonista (un verdadero Donjuan, en algún punto. Con un sentido del humor inteligente y sutil, siempre entendiendo, a diferencia del otro, toda la situación… es un personaje bastante idealizado).

La parte expresionista de la película viene con este personaje que, como a ex Donjuan, solo y aburrido, la visita a estas mujeres (y también la suposición de que su hijo anda por ahí buscándolo) le sirve no tanto para recordarlas sino más bien para verse a sí mismo. Y así la película se llena de personajes decadentes y ridículos y en realidad lo que estamos viendo todo el tiempo es a Bill Murray viéndose a sí mismo en todos ellos. La película no es tanto una road movie como un viaje introspectivo: hay una ficha que va cayendo.

Y un aplauso para la puesta de cámara -que siempre es lo irreprochable de las películas de Jarmusch, por más horribles que sean- y también para la música. Y por supuesto, para el grandioso Bill Murray.

Me emociona mucho que Estados Unidos sea como es. Me gusta escarbar en la basura. Y de eso, EUA está bien llenito.

La semana pasada pasaron dos cosas -sumamente graciosas- que hablan de la hipocresía extrema de este país, de su banalidad y su patetismo, de sus patologías sociales.

Britney Spears volvió al espectáculo, después de dos hijos, un casamiento, un divorcio y problemas con las drogas, el acohol, la ley, el lesbianismo y, sobre todo, con los paparazzis. Y volvió en los MTV Awards, completamente ebria, rellenita pero sin por eso renunciar a la semidesnudez pública, con una coreografía tristemente fácil y muy mal ejecutada, y un playback que la rubia no pudo seguir en ningún momento. De las imágenes más amateurs que vi en mi vida, en uno de los shows más vistos del mundo.

Y por el otro lado, se armó el lío de la morocha de High School y sus fotitos desnuda (a las que se sumaron las fotitos lésbico-adolescentes). Y Disney que la echa, que no, que sí. En caso de hacerlo, ¿se imaginan a los padres de los televidentes tratando de explicarles a sus inmaculados hijos -recuerden que son padres estadounidenses- que la morocha se fue porque medio planeta la vio en pelotas? Grotesco.

La conclusión es que los yanquis tienen un problema, que empieza con una moral que supera hasta al más bueno, que nadie tolera y es físico-psíquicamente imposible de respetar. Y nosotros que vemos tan triste espectáculo desde afuera tenemos que tolerar la ridiculez de que después de salir en bolas la morocha esta pida perdón (como si hubiera hablado con Dios y éste le hubiera revelado que la estaba pifiando exponiendo todo su cuerpito al mundo entero, cosa que ella no se podía dar cuenta sola).

La juventud yanqui está descontrolada pero ni ellos pueden admitirlo como una liberación. Hay más arrepentimiento que en la Biblia.

Y todo es tan triste como esto:

(oh mother of god!)