El cine en duda

No quiero hacer una crítica de esta película. Sólo una acotación. Herzog es un tipo que explota irreverentemente la polisemia de la imagen. Al nivel de la carcajada, cuando no está pasando nada gracioso. Eso me emociona. En Fata Morgana llega al nivel de que uno no sabe si lo están jodiendo, si la voz en off se independizó de la imagen, si el que puso los subtítulos era un esquizofrénico, o si se supone que es un chiste lo que pasa. Y todo esto enmarcado en unas imágenes espectaculares. Vale definitivamente la pena.

(yo quería poner el cartelito, pero wordpress no me está dejando)

y decir, nomás, que este post me sirva de imperativo, y yo vaya a verla hoy.

Black book, ‘inspirada en hechos reales’ (sic), sigue la historia de una holandesa judía (muy bonita, por cierto) en sus (interminables) peripecias sufridas durante la Segunda Guerra Mundial, and beyond.

En realidad, lo que se dice peripecias, no. Aristóteles define la peripecia como el cambio de suerte o situación de los personajes, que de la fortuna pasan a la desgracia o viceversa. En este caso, todo lo que le pasa a nuestra protagonista es pasar de la desgracia a la mismísima mierda, y de la mismísima mierda a una mierda peor. Y así muchas veces más de lo que el espectador está predispuesto a ver, en un film que no entiende qué es un golpe bajo ni cómo evitarlo (por momentos sentí la indignación que me acometió más o menos por la segunda hora de Contra viento y marea, cuando la pobre emily watson, que es la mujer más buena del universo, no sólo fue violada 6 veces, cree que su marido está muerto, la tratan de loca, le tiran piedras, el cura la acusa de puta, sino que además la matan segundos antes de que pudiera enterarse de que su marido estaba en verdad vivo y evitar así su propia muerte).

(Volviendo) Black Book evita sin dificultades el maniqueísmo implicado en muchos nazis con cara de asesinos seriales y una resistencia llena de santos caídos sobre la tierra. Pero en vez de llevar esa posibilidad a una interesante reflexión sobre la guerra, el populismo, los líderes carismáticos, el facismo, la biopolítica, la estetización de la política, el lugar de la mujer durante la guerra, o cualquier, pero cualquier cosa, transforma el film en una banal película de suspense y misterio, de esas que 10 minutos antes de que terminen te dicen quién era el verdadero asesino (obviamente, el que uno menos se imaginaba). Black book se construye como Nueve Reinas, o como Scream. Y los malos no son necesariamente nazis, pero tienen cara de malos en el momento que se develan como tales. En resumen, se evita la obviedad de que los nazis son malos para lograr un efecto sorpresa.

Por otra parte, el film es un claro ejemplo de la típica estructura yankeehollywood de películas históricas en que la trama depende de un grupete de protagonistas, y el final feliz o triste, de sus respectivos destinos. Y donde por supuesto, ese destino debe representar en alguna medida el destino del pueblo o grupo social al que el grupo pertenece en la ficción. Es decir, en una película sobre la Segunda Guerra Mundial (donde la doxa dice que los buenos son los Aliados) y los protagonistas son un grupo de judíos u opositores de Hitler, el protagonista muy probablemente se salve, pero tendrá que dejar muchos amigos y familiares muertos, porque todos sabemos que muchos judíos fueron asesinados en dicho conflicto. Vale decir, el final, aunque el protagonista se salve, no puede ser del todo feliz, porque sería poco ético. Como en toda película hollywood, aún sabiendo que efectivamente murieron miles y miles de personas, nuestro interés radica en que nuestros protagonistas se salven, y si eso ocurre nos quedamos tranquilos. Pero como nuestros protagonistan son los reemplazantes de un grupo social entero, su destino tiene que representar en alguna medida a éste. Y si representan a los judíos, ya sabemos que habrá sangre. Y de paso, nuestra preocupación social se transforma en una individual. Ya sé que se murieron todos éstos, pero la rubia linda se salva (o no) y eso es lo que importa.

Respecto a la parte más técnica, deberían haberle avisado al director que la música de Robocop está pasada de moda, y que además, no está bueno ponerla en todas las escenas de acción del film. Y que las inverosimilitudes a lo Duro de matar, donde la casualidad se convierte casi en magia, en una película histórica, no cierran del todo (la única reflexión que abre la película creo que es “¿Alguien puede tener tanta pero tanta mala suerte?”). Y que cuando alguien devela ser malo no tiene que poner cara de Hannibal Lecter. Y que poner cadáveres incinerados en primer plano para empezar una escena concluyente, relajada, de descenlace post clímax, no es necesario (ética ni estéticamente). Y que esta foto parece sacada de una comedia musical:

Que alguien le diga a Verhoeven que lo suyo son las pelis de policías robots.

Dos cosas me confirmó La aventura sobre Antonioni:

1- Que hace películas más bien aburridas.

2- Que tiene los planos finales más esplendorosos del cine.

La aventura es una película (demasiado larga) que gira alrededor de los temas típicos de Antonioni: la frivolidad de la clase alta, la incomunicación, las fallidas relaciones amorosas, y algún otro tema más que se me estará pasando. Poco importa. Antonioni nos dice casi siempre casi lo mismo.

Innegable por supuesto la maestría en el manejo de la cámara, los espectaculares planos y los hermosos travellings, destacándose en este film en particular la captación de la naturaleza muy à la Sartre: la naturaleza como amenaza del hombre (desde los planos digo, y más allá de la trama).

Y sin intentar obviar el aburrimiento, destaco otra característica que en cada película me hace admirar cada vez más a este hombre (y la única razón por la que termino de ver sus films, y no apago el aparato a los 45 minutos): la definición misma del film en una genialidad de la síntesis, la belleza absoluta en un plano perfecto, el acompañamiento ideal de la música, todo en el último plano de la película (del que no encontré ningún fotograma para pegar por acá). Y lo hace siempre y siempre perfectamente.

Así que, si tienen tiempo que perder en la contemplación de una serie de planos bellísimos, vean La aventura como dos horas y media de puro placer visual (y nada más. Pueden obviar los diálogos y la música -aunque es buena, no hay mucho acompañamiento musical- y escuchar Sigur Rós, o música electrónica, o Vivaldi, o lo más lisérgico de Miles Davis -o cualquier cosa, se entendió, ¿no?- mientras la miran).

Ayer encontré, por razones que aún desconozco, un dvd original de Piratas del Caribe - El cofre de la muerte en mi casa. Como no había visto ninguna, y como no había ningún “2″ cerca del título, me puse a verla. Claro, a los 10 minutos me di cuenta de que alguien me había estafado y los personajes ya se conocían, pero yo no los conocía a ellos. Sin embargo, el sonido (que se escuchaba como en las más nuevitas salas de cine en mis parlantes de la pc, que son esos que te regalan con la compu o que comprás por 10 dólares y te vienen en una caja medio abollada y llena de polvo) me convenció, y seguí viéndola.

Una crítica de un producto tan… producto creo que no vale la pena. La película está bien, claro, si la hacen entre 15 guionistas y publicistas y filman cada toma con 20 cámaras al mismo tiempo, y además si queda mal no importa porque la mitad de la película se hace en una compu. Y si hay diálogos que, a pesar de todo y de todos, siguen siendo muy malos, se los tiran a Johnny Depp que hará milagros con ellos.

No una crítica, entonces, sino un comentario. Como en toda película de Disney, los personajes se dividen básicamente en dos grupos (aunque en este film los grupos se arman y se desarman bastante, es como un todos contra todos sociológicamente muy interesante): por supuesto, los buenos y los malos. Entre ellos hay, también como siempre, analogías: dos barcos, dos capitanes-piratas, dos grupos de marineros idiotas que sólo saben cumplir órdenes.

Las analogías se repiten en el plano de la historia. Hay un plano -que se repite bastante- en el barco malo donde un grupo de monstruetes tiene que empujar unos troncos de madera que giran (suerte de puerta giratoria que no sé cómo se llama), creo que para izar las velas. Cuestión que en el plano se los incentiva para que lo hagan y rápido: a latigazos. Eso los malos.

En el barco de Jack Sparrow poco se ve de marineros haciendo el trabajo duro (si lo hacen lo hacen por placer, o para salvar el pellejo de su queridísimo capitán, porque lo que es el suyo, nada queda). Pero hay muy adelante un plano muy similar al del barco de los malos, en que los marineros tienen que hacer girar esa rueda, pero no incentivados por tormentos, por supuesto, sino por la voz del tonto ese fanático de Jack Sparrow, suerte de capataz de su mano de obra. El tipo les grita “Vamos, rápido, hágando como si les pagaran por eso”.

Los buenos, entonces, incentivan a su mano de obra esclava no con la promesa sino con la mera mención de un dinero que nunca se les otorgará (porque se van a morir todos minutos después, en una masacre colectiva que a ningún niñito cinéfilo le importará porque sus héroes continúan vivitos y coleando y sin un raspón).

The fountain, de Aronofsky, trata sobre el miedo a, la lucha contra y el concepto mismo de la muerte, en una película dividida en tres partes diegéticamente independientes, supeditadas sin embargo dos de ellas, desde el significado, a una principal.

He aquí las razones por las que esta película es radicalmente horrible, trillada, estúpida, cursi, insoportable:

1. Las dos líneas narrativas menores funcionan como una representación alegórica obvia e innecesaria que subestima la capacidad de entendimiento del espectador, que no sólo debe ver cómo se repiten en forma de alegoría (o sea, correspondencia uno a uno de los elementos principales de la trama central y estas dos) exactamente los mismos significados que en la principal, sino que, como si fuera poco, en esta misma parte debe escuchar, de boca de un supuesto científico, atrocidades (por su falta de verosimilitud lo digo) tales como “la muerte es una enfermedad como cualquiera y yo puedo curarla” (vamos… ya entendimos que al hombre la muerte no le sienta bien, pero no dejen de diga esas cosas).

2. La estética ochentoso-futurista en una de las historias menores causa náuseas. Parece que estamos viendo un video clip de bajo presupuesto de Daft Punk en vez de una película de Aronofsky.

3. La radical mezcla de conceptos, creencias, tendencias religioso-filosóficas que operan en la película como un “todo da igual”. Lo importante es oponer al cientificismo occidental (malo malo malo) cualquier cosa. Y entonces ponemos a los mayas y a un pelado meditando como los buenos, total… la posta es aceptar la muerte, lo demás son detalles sin importancia (lo cual me hace dudar de la seriedad del tratamiento de la kabalah, de la que nada conozco, en Pi).

4. La trillada temática romanticista-antipositivista (o sea, siglo XVIII, XIX a lo sumo, señores) anclada en una trillada tragedia amorosa, sin aportes de ningún tipo a ninguno de los dos clichés (Salvo, por supuesto, que en una de las tres historias el hombre se transforma en un pelado y la mujer en un arbolito).

5. Varios monitos parecen haber sido torturados durante el rodaje.

En definitiva, un bodrio para drogadictos con poca imaginación.

(pero como a pesar de dogmática, esta página no es intolerante, he aquí una opinión encontrada: la Crítica de Cine.com por Leo Aquiba Senderovsky)

Anoche vi The fountain, de la que venía leyendo buenas -aunque no excelentes, lo concedo- críticas. Y en realidad, posteo esto como manifestación de mi indignación por tan malas críticas existentes en el mundo.

Y mañana las razones y los improperios.

Acabo de ver esta película, después de recomendaciones varias.

Y hay algo que debe ser concedido. La cámara y la foto se merecen un aplauso. También la música (que creo que es de Jon Brion). Las actuaciones lo mismo. La película, en definitiva, es técnicamente impecable.

Ahora bien. La película presenta un hilo narrativo débil, que de por sí no es un defecto, pero que se transforma en tal en tanto intenta presentar un dramatismo que, bajo la máscara de cierto humor, trata de acercarnos a un personaje complejo y simpatizar con él. En tanto el hilo narrativo se diluye y al personaje no le pasa esencialmente nada, se complica la catarsis y uno no puede dejar de mirar al personaje desde una exterioridad considerable, recurso típico del humor, que esta película, quedándose entre el drama/romance y la comedia, no logra explotar del todo correctamente.

De esta forma, entre la simpatía y el humor, el espectador se desorienta y aparece el tedio (o como en mi caso, la atención a los recursos técnicos). No hay una sola escena que haga reír ni ninguna que haga llorar. Todo queda en un considerable pero en algún punto fracasado intento por diluir dos o tres géneros cinematográficos muy fuertes, sin explotar ninguno, pero sin tampoco poder generar nada desde otro lugar.

Rescato, sin embargo, la indagación en una psicología distorsionada y en el estado de enamoramiento, indagación un poco ingenua pero que se corre ligeramente de los tópicos de Hollywood de qué es estar enamorado y qué es la locura.

En definitiva, Embriagado de amor resulta una película más interesante y más inteligente que la comedia romántica y/o el drama romántico medios de Hollywood, sin llegar a constituirse como una realmente buena película.

Silvia Prieto (1999) - Martín Rejtman

Silvia Prieto va a cambiar de vida. Deja de fumar marihuana, se va de vacaciones, cambia de trabajo. Se alimenta a base de pollo trozado al horno. Empieza a salir con el ex marido de la novia de su ex marido. Un día se entera de que hay otra Silvia Prieto en la guía telefónica. Se obsesiona. No pasa nada.

Pocos objetos, casualidades, unen a los personajes de este film que, por lo demás, están siempre solos. Y en ese movimiento a través de lazos débiles, que se cortan constantemente, y que tienen que ver en general con el dinero, se hace la película.

Comedia desopilante y lenta a la vez. Humor inteligente y un código de verosimilitud más que interesante. Diálogos geniales. Personajes menemistas.

De eso se trata Silvia Prieto.