El cine en duda

No es difícil saber cuál será un buen film y cuál nunca podrá ser concebido así ya desde el momento mismo de la concepción del equipo técnico. Hay la afección entre distintos artistas. Y allí, donde ella emana, es que uno debe conceptualizar o expectar, quizás, por un nuevo film.
En un mes y medio se estrenará la última película terminada de Francis Ford Coppola, en La Festa del Cinema en Roma.
Entre ególatras declaraciones, dijo el director abiertamente a los medios italianos: “Todos los festivales querían mi nueva película, pero yo no quería ir porque creo que los festivales son algo superado”. El evento romano despierta sin embargo todo tipo de expectación tanto en medios nacionales como internacionales.
Pese a la soberbia adquirida merecidamente por el Sr Coppola, se siente una mayor intriga por el nuevo film debido a la calidad plasmada en él. En una reciente conferencia sobre Urbanismo y Arte, en la ciudad de Buenos Aires, se presentó en una ponencia como invitado el compositor argentino Osvaldo Golijov, el mismo en quien confió Coppola para que se haga cargo de la música de sus dos últimas películas a estrenar. Allí, el arraigado estilo contemporáneo de este artista se vio plasmado libremente en el film, aunque bajo la consulta del director, obviamente erudito también en el arte de la música. En dicha conferencia Golijov habló del intercambio entre las áreas lograda en el esperado film, destacando al participación intrínseca entre el director, el compositor y el editor, Elater Murch (el mismo de Apocalypse Now).

En fin, expectación por algo que se lo merece, tanto como para no necesitar de ella.

Dos cosas me confirmó La aventura sobre Antonioni:

1- Que hace películas más bien aburridas.

2- Que tiene los planos finales más esplendorosos del cine.

La aventura es una película (demasiado larga) que gira alrededor de los temas típicos de Antonioni: la frivolidad de la clase alta, la incomunicación, las fallidas relaciones amorosas, y algún otro tema más que se me estará pasando. Poco importa. Antonioni nos dice casi siempre casi lo mismo.

Innegable por supuesto la maestría en el manejo de la cámara, los espectaculares planos y los hermosos travellings, destacándose en este film en particular la captación de la naturaleza muy à la Sartre: la naturaleza como amenaza del hombre (desde los planos digo, y más allá de la trama).

Y sin intentar obviar el aburrimiento, destaco otra característica que en cada película me hace admirar cada vez más a este hombre (y la única razón por la que termino de ver sus films, y no apago el aparato a los 45 minutos): la definición misma del film en una genialidad de la síntesis, la belleza absoluta en un plano perfecto, el acompañamiento ideal de la música, todo en el último plano de la película (del que no encontré ningún fotograma para pegar por acá). Y lo hace siempre y siempre perfectamente.

Así que, si tienen tiempo que perder en la contemplación de una serie de planos bellísimos, vean La aventura como dos horas y media de puro placer visual (y nada más. Pueden obviar los diálogos y la música -aunque es buena, no hay mucho acompañamiento musical- y escuchar Sigur Rós, o música electrónica, o Vivaldi, o lo más lisérgico de Miles Davis -o cualquier cosa, se entendió, ¿no?- mientras la miran).

Excelente comedia española de fines de los noventas, El milagro de P. Tinto cuenta con

1. un humor simple, otro más bien violento, visual, sorpresivo, y un tercero un tanto más lacerante, que incluye una crítica social para nada naïf, aunque sin llegar al cinismo.

2. una producción envidiable y, sobre todo, un cuidado estético absoluto, donde arte y fotografía desulmbran por su belleza, prolijidad y sorpresa en el contexto de una comedia de esta calaña (digo, comedia comedia, de las que hacen reír a carcajadas, y no comedia dramática o comedia romántica, con las que se esbozan sonrisas).

3. Las mejores caras que vi en mucho tiempo en el cine, y además excelentes actuaciones. En otras palabras, un casting de puta madre.

En definitiva, un film más, mucho más que recomendable.

Daniel Brühl protagonizará la adaptación de “La metamorfosis”

Este es uno de esos proyectos ambiciosos, cuyo resultado puede ser excelente o decepcionante. Se trata de la adaptación al cine de “La metamorfosis”, del escritor Franz Kafka.

En estas últimas semanas, se está formando el staff de la película. El protagonista, según se informó, será Daniel Brühl. El encargado de la dirección y del guión será Limor Diamant, quien produjo filmes como The Body.

Otros de los actores que formarán parte de la película son: Stephen Rea (V de Vendetta) y Anna Paquin (X-Men).

Fuente: http://www.actualidadcine.com/2007/08/26/daniel-bruhl-protagonizara-la-adaptacion-de-la-metamorfosis/

Los periodistas tiene un criterio de selección de noticias, por lo menos, cuestionable. Que me cuenten que la Lohan anda haciendo orgías lésbicas, por lo menos. Pero que me digan que hace 6 meses Leonardo DiCaprio tuvo que salir de una casa sin que nadie lo viera… y lo peor, que justifiquen esa noticia abusando de la palabra ‘gatear’, como si fuera extraordinario que una estrella tenga que apoyar sus rodillitas sobre el terreno, eso ya no lo tolero. O sí, pero sólo si otros tienen que tolerarlo conmigo. 

Leonardo Dicaprio tuvo que escapar gateando de la casa de sus suegros

Leonardo DiCaprio tuvo que “escapar en cuatro patas” de la casa de su novia Bar Rafaeli. El actor de 32 años, quien se habría comprometió con su novia modelo de 22, visitó el rancho de la familia de la israelí en marzo.

“Su visita fue una pesadilla”, dijo la madre de Bar, Tsipi, a Hello!. “Ellos quisieron ser discretos pero 13 periodistas que volvían de una conferencia de prensa estaban en el mismo avión y le contaron a todos.”

“Cuando aterrizaron había paparazzi por todos lados. Dos helicópteros de canales de televisión volaban constantemente sobre la casa. No podíamos ni escucharnos, la casa estaba rodeada por cientos de fotógrafos”, continuó.

“Tuvimos que escapar en cuatro patas y cortar los alambrados de unos vecinos. No creo que Leo vuelva”, explicó la suegra del actor.

Fuente: http://www.adnmundo.com/contenidos/adncool/leonardo_dicaprio_

visita_suegros_gateando_co240807.html

Excelente película de Pedro Almodóvar, con personajes in-cre-í-bles, desopilantes, actuaciones maravillosas, una ambientación que se cae de kistch y una serie de peripecias aptas para estallarla de risa.

Pero además, la película, protagonizada por una Carmen Maura de 10, indaga, como siempre o casi siempre, ciertos rasgos de la constitución femenina que, si en otras películas se hace muy psicoanalista y en algún punto machista, en tanto define casi tajantemente qué es ser mujer, y la mujer es casi un payaso (siempre con buenas intenciones, claro, pero eso no es excusa), en este film la indagación es de orden más bien sociológico y no hay una búsqueda de qué es ser una mujer sino de qué hizo la sociedad (ergo el orden patriarcal, ergo el hombre) de ella.

La respuesta, en un final que se cae de perfecto. A su marido lo mató -aunque accidentalmente-, a su hijo menor lo vendió a un dentista pederasta para comprarse una plancha para el pelo, el lagarto mascota fue asesinado por un policía y su hijo mayor acaba de irse con su abuela (la suegra de ella) al pueblo natal de esta última. La casa está sola. Por fin, ella ya no es esposa, ni madre ni ama de casa. Se va a tirar del balcón.

Pero entonces llega su hijo menor (que se da cuenta de que es muy joven para sentar cabeza con el dentista. Nota: el nene tiene como 11 años) y la salva. Maura ya no cae por el balcón porque tiene quien la sostenga. Vuelve a ser madre.

La mujer se define, en Qué he hecho…, por negatividad. Ser mujer es ser madre, nuera (ni siquiera hija, que es algo demasiado propio), ama de casa, sirvienta en casas ajenas, esposa (si miramos a los otros personajes agregamos: o puta o mala madre soltera).

Almodóvar expone la imposibilidad de la mujer de constituirse como tal: es una pura determinación externa.

Ayer encontré, por razones que aún desconozco, un dvd original de Piratas del Caribe - El cofre de la muerte en mi casa. Como no había visto ninguna, y como no había ningún “2″ cerca del título, me puse a verla. Claro, a los 10 minutos me di cuenta de que alguien me había estafado y los personajes ya se conocían, pero yo no los conocía a ellos. Sin embargo, el sonido (que se escuchaba como en las más nuevitas salas de cine en mis parlantes de la pc, que son esos que te regalan con la compu o que comprás por 10 dólares y te vienen en una caja medio abollada y llena de polvo) me convenció, y seguí viéndola.

Una crítica de un producto tan… producto creo que no vale la pena. La película está bien, claro, si la hacen entre 15 guionistas y publicistas y filman cada toma con 20 cámaras al mismo tiempo, y además si queda mal no importa porque la mitad de la película se hace en una compu. Y si hay diálogos que, a pesar de todo y de todos, siguen siendo muy malos, se los tiran a Johnny Depp que hará milagros con ellos.

No una crítica, entonces, sino un comentario. Como en toda película de Disney, los personajes se dividen básicamente en dos grupos (aunque en este film los grupos se arman y se desarman bastante, es como un todos contra todos sociológicamente muy interesante): por supuesto, los buenos y los malos. Entre ellos hay, también como siempre, analogías: dos barcos, dos capitanes-piratas, dos grupos de marineros idiotas que sólo saben cumplir órdenes.

Las analogías se repiten en el plano de la historia. Hay un plano -que se repite bastante- en el barco malo donde un grupo de monstruetes tiene que empujar unos troncos de madera que giran (suerte de puerta giratoria que no sé cómo se llama), creo que para izar las velas. Cuestión que en el plano se los incentiva para que lo hagan y rápido: a latigazos. Eso los malos.

En el barco de Jack Sparrow poco se ve de marineros haciendo el trabajo duro (si lo hacen lo hacen por placer, o para salvar el pellejo de su queridísimo capitán, porque lo que es el suyo, nada queda). Pero hay muy adelante un plano muy similar al del barco de los malos, en que los marineros tienen que hacer girar esa rueda, pero no incentivados por tormentos, por supuesto, sino por la voz del tonto ese fanático de Jack Sparrow, suerte de capataz de su mano de obra. El tipo les grita “Vamos, rápido, hágando como si les pagaran por eso”.

Los buenos, entonces, incentivan a su mano de obra esclava no con la promesa sino con la mera mención de un dinero que nunca se les otorgará (porque se van a morir todos minutos después, en una masacre colectiva que a ningún niñito cinéfilo le importará porque sus héroes continúan vivitos y coleando y sin un raspón).

Esta película, o Jodorowsky haciendo esta película (post rituales chamánicos, y una semana sin dormir, y viviendo con el equipo del filmación como una gran comunidad, se dice, y todos drogados, dice él) es como una fórmula perfecta, que sería algo así: Federico Fellini+Tod Browning+Luis Buñuel+David Lynch+muchos animalitos torturados, todo eso multiplicado por un cuidado estético extremo (pictórico a lo Greenaway pero distinto) y una cantidad de plata enorme que no sé de dónde sacó. 

Una delicia.

Si El perfume, de Tom Twykwer, no llega a ser, a mi gusto, una película genial (por la falta de excentricidades, exabruptos, algo que realmente llame la atención en el plano narrativo y la caída en algún que otro cliché en el guión -que no aparecía en la novela-; por ciertos errores de ambientación que de vez en cuando molestaban), sería ponerme molesta y quisquillosa si no asumiera que es una película 1-muy bien lograda, sin ser -ni intentar serlo- rvolucionaria y ni siquiera rupturista, 2-excelente en el cuidado estético, sobre todo en lo que hace a  a) cámara, b) elección y caracterización de actores y c) elección / creación de locaciones -aunque en este plano haya, como decía, algún que otro error.

1- El film adapta muy bien la novela de Süskind en varios sentidos. En primer lugar, la voz en off aporta, avanza y profundiza la historia sin hacerse insoportablemente recurrente y abusiva. El narrador, por otra parte, hace un gran trabajo. En segundo lugar, están muy bien medidos los tiempos, y la película, que abarca un período de tiempo y una serie de peripecias muy amplios, nunca aburre, nunca se apura, nunca le falta ni le sobra información. En tercer lugar, hay un gran respeto pero no ciego y dogmático por la novela, que es fielmente seguida, con los cambios necesarios para su óptima adaptación a la pantalla (Y la fidelidad me interesa sólo en el plano ético y no en la reproducción de todo lo que pasa, claro. Lo importante, creo, es no traicionar lo que dice la obra, o, de hacerlo, hacerlo explícitamente. La novela, en este sentido, no apela a una evaluación moral negativa del asesino, y esto me parece que es respetado en la adaptación).

2-a) Más allá de la belleza de ciertos planos y, sobre todo, de ciertos movimientos de cámara, hay una utilización muy interesante de la misma (paralela a la utilización de ciertos recursos literarios en la novela, lo que es elocuente respecto al éxito de la adaptación): la cámara como subjetiva pero, en este caso, no reproduciendo lo que el personaje ve sino transformando, como en un delirio sinestésico, lo que éste huele en imágenes.

b) Otro éxito en una adaptación no estúpidamente atada al original: el protagonista de Süskind es feo, horrible, deforme, repugnante. El del film, sin ser una belleza, resulta un tipo normal -hasta con algún atractivo-, salvo por una leve cojera al andar. Es cierto que esto es un paso atrás en la indagación que hace el texto acerca de la belleza, pero, sin embargo, parece decir la película que de todos modos Grenouille es feo porque es pobre. Y eso también es interesante. Por otro lado, la belleza de las chicas también está muy bien lograda: sin ser perfectas, tienen una belleza particular, hipnótica.

c) La casa del perfumista en el medio del puente y los planos del mercado popular son fa-bu-lo-sos (De los errores, hoy que estamos buenos, mejor no hablar).

Y agrego otro punto, tal vez no a la película pero sí como prueba del excelente cuidado estético del film: los pósters. Muy distintos unos de otros, todos bellísimos, son también una genial -y loable, porque nada tienen que ver con la hegemonía ideológica o el dominio económico- táctica de marketing. Aquí uno más:

The fountain, de Aronofsky, trata sobre el miedo a, la lucha contra y el concepto mismo de la muerte, en una película dividida en tres partes diegéticamente independientes, supeditadas sin embargo dos de ellas, desde el significado, a una principal.

He aquí las razones por las que esta película es radicalmente horrible, trillada, estúpida, cursi, insoportable:

1. Las dos líneas narrativas menores funcionan como una representación alegórica obvia e innecesaria que subestima la capacidad de entendimiento del espectador, que no sólo debe ver cómo se repiten en forma de alegoría (o sea, correspondencia uno a uno de los elementos principales de la trama central y estas dos) exactamente los mismos significados que en la principal, sino que, como si fuera poco, en esta misma parte debe escuchar, de boca de un supuesto científico, atrocidades (por su falta de verosimilitud lo digo) tales como “la muerte es una enfermedad como cualquiera y yo puedo curarla” (vamos… ya entendimos que al hombre la muerte no le sienta bien, pero no dejen de diga esas cosas).

2. La estética ochentoso-futurista en una de las historias menores causa náuseas. Parece que estamos viendo un video clip de bajo presupuesto de Daft Punk en vez de una película de Aronofsky.

3. La radical mezcla de conceptos, creencias, tendencias religioso-filosóficas que operan en la película como un “todo da igual”. Lo importante es oponer al cientificismo occidental (malo malo malo) cualquier cosa. Y entonces ponemos a los mayas y a un pelado meditando como los buenos, total… la posta es aceptar la muerte, lo demás son detalles sin importancia (lo cual me hace dudar de la seriedad del tratamiento de la kabalah, de la que nada conozco, en Pi).

4. La trillada temática romanticista-antipositivista (o sea, siglo XVIII, XIX a lo sumo, señores) anclada en una trillada tragedia amorosa, sin aportes de ningún tipo a ninguno de los dos clichés (Salvo, por supuesto, que en una de las tres historias el hombre se transforma en un pelado y la mujer en un arbolito).

5. Varios monitos parecen haber sido torturados durante el rodaje.

En definitiva, un bodrio para drogadictos con poca imaginación.

(pero como a pesar de dogmática, esta página no es intolerante, he aquí una opinión encontrada: la Crítica de Cine.com por Leo Aquiba Senderovsky)