Puntuación:

Sinopsis

Una ciudad entera se ha quedado sin voz y vive bajo un largo y crudo invierno. Un hombre malvado y sin escrúpulos, el Sr. T.V., dueño absoluto de las imágenes que animan esta ciudad y de una extensa cadena de productos bajo su sello personal, lleva adelante un siniestro plan secreto para someter eternamente a cada una de las almas que habitan este lugar. Para construir este monopolio ha financiado la creación de una peligrosa máquina que transmite hipnóticas imágenes por la pantalla del televisor para inducir al consumo compulsivo de los productos con su sello. Esta extraña máquina funciona con el cantar de una voz, por lo que ordena secuestrar a una hermosa y cautivadora mujer, la única persona que misteriosamente ha conservado el don del habla.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

Esteban Sapir comenzó su recorrido cinematográfico como director de fotografía en los dos cortos dirigidos por mujeres (Rey muerto, de Lucrecia Martel, y Noches áticas, de Sandra Gugliotta) que formaron parte de la primera edición del vehículo Historias breves, piedra inaugural del denominado Nuevo Cine Argentino. Posteriormente estrenó su ópera prima, Picado Fino (realizada en 1993, estrenada cinco años más tarde), que constituyó una de los primeros acercamientos del cine argentino al género experimental, con enormes resultados. Comenzaba a iluminarse una de las voces más audaces de la nueva generación de cineastas. A esta película le seguiría una vasta y versátil carrera como director de fotografía en numerosas y disímiles propuestas visuales, como El nadador inmóvil, de Fernán Rudnik (con un blanco y negro contrastado), Cohen vs. Rosi, de Daniel Barone (con su predominancia del azul como consigna estética principal, algo poco común en este tipo de grotescos), y Tesoro mío, de Sergio Bellotti, (con sus colores saturados). Esta amplia trayectoria de diez años en el mundo del cine, más su trabajo como director publicitario, decantó en La antena, la apuesta visual más ambiciosa e imaginativa del cine argentino en muchos años. Construida a base de una multiplicidad de referencias, desde el cine mudo en general, y el expresionismo alemán y Georges Mélies en particular, hasta el cómic (ejemplos de esto son la abstracción en los contrastes blanco y negro de figura/fondo alla Sin City, y la desbordada caracterización de Urdapilleta, que recuerda a Al Pacino/Big Boy Caprice en Dick Tracy), pasando por imágenes particulares como el “plano Rosebud” de Citizen Kane. Pura referencia que, lejos de quedarse en la cita celebratoria, logra integrar todos estos elementos en un texto único, con identidad y voz propias. La antena, desde su planteo futurista, desarrolla una contundente alegoría política con ciertas aristas de orden religioso. Respecto a esto último, cabe destacar que la referencia al judaísmo aparecía con mayor naturalidad en Picado Fino, aquí se reduce al mero esquematismo simbólico, con la cruz esvástica como forma de la maquinaria del mal, y el Maguen David (el escudo de David), como forma que contiene la salvación. La alegoría política, en cambio, se impone con mucha más fuerza, y en este aspecto, podemos asociarla con Filmatron, primera gran apuesta de Farsa Producciones. Ambas fueron exhibidas por primera vez en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires de 2007, y ambas se destacan tanto por sus similitudes como por sus diferencias. Si bien La antena y Filmatron son relatos de ciencia ficción, con un trasfondo netamente orwelliano, y con una fuerte crítica al poder hipnótico y opresivo de la televisión, el desparpajo de Filmatron contrasta claramente con la minuciosa planificación visual de La antena, logrando ambas destacarse como propuestas cinematográficas de avanzada. A mi gusto, ambas constituyen, por lejos, lo mejor del cine argentino estrenado durante 2007. El fuerte contenido político/ideológico que se traduce del discurso alegórico de ambas películas, convirtiéndolas en dos caras de una misma moneda, no parece casualidad (da para pensar qué es lo que sucede en Argentina hoy por hoy, que provoca la gestación de estos discursos), y el complejo espesor ideológico demuestra que la alegoría como texto no es propiedad exclusiva de épocas de dictadura. La antena, narrada como un cuento de hadas (la secuencia inicial y final, con la máquina de escribir como piano y la imagen troquelada de la ciudad, son sencillamente fabulosas), trazadas por una inventiva visual que se plasma hasta en la forma en que los subtítulos interactúan con las imágenes, y en la hermosa partitura compuesta por Leo Sujatovich, conforma en todos sus aspectos una de las películas argentinas más originales surgidas en los últimos años. La prueba fehaciente que, si hay ingenio e inventiva, los recursos económicos pueden fácilmente adaptarse al imaginario que uno pretende plasmar en pantalla. Y a Sapir, ingenio e inventiva son cosas que le sobran.

Dirección y guión: Esteban Sapir.
País: Argentina.
Año: 2007.
Duración: 90 min.
Género: Drama, fantástico.
Elenco: Valeria Bertuccelli, Alejandro Urdapilleta, Julieta Cardinali, Rafael Ferro, Sol Moreno, Florencia Raggi, Ricardo Merkin, Raúl Hochman.
Producción: José Arnal y Gonzalo Agulla.
Música: Leo Sujatovich.
Fotografía: Cristian Cottet.
Montaje: Pablo Barbieri Carrera.
Dirección artística: Daniel Himelberg.
Vestuario: Andrea Mattio.
Estreno en Argentina: 19 Abril 2007.

Biofilmografía de Esteban Sapir

Estudió en el Instituto Nacional de Cine de la Argentina. Tuvo una exitosa carrera como director de Fotografía (”La vida según Muriel”, mejor director de fotografía, Cóndor de Plata 1998; “Un crisantemo estalla en Cincoesquinas”, “Tesoro mío”, “El nadador inmóvil”, etc. y durante 3 años trabajó con los mejores directores de cine publicitario como Pucho Mentasti, Lucho Bender, Marcelo Schejtman, etc).

Dirigió su primer largometraje, “Picado Fino”, en 1994 (Mención especial en el Festival Internacional de Berlín en 1997-Mención especial FRIPESCI en el Festival Internacional de La Habana 1998-Premio de la crítica en el Festival Internacional Nuevo Cine de Montreal 1997-Mejor film experimental en el Festival Internacional de Montevideo 1998). En 1999 se asocia con los productores Gonzalo Agulla y José Arnal y fundan la Productora ladobleA, que ya lleva realizados más de 150 comerciales, video clips y cortometrajes tanto para agencias de publicidad y compañías nacionales y extranjeras.

Durante 2003 dirigió un proyecto de la cantante Shakira para SONY Music Internacional que consta de dos shows del Tour de la Mangosta filmados a 13 cámaras de 35 mm. en Rotterdam y Buenos Aires y el seguimiento de la artista alrededor de 25 ciudades de América Latina, Estados Unidos y Europa, cuyo resultado es un documental de 50 minutos.

Durante 2004 dirigió su segundo largometraje “La Antena”. El rodaje se realizó en 11 semanas y fue estrenada en Argentina en abril de 2007.

Filmografía como director

* Picado fino (1996) aka Fine Powder

* Shakira: Live and Off the Record (2004) (Video)

* La Antena (2005) aka The Aerial

Filmografía como director de fotografía

* Noches áticas (1995)

* Rey muerto (1995)

* Picado fino (1996) aka Fine Powder

* La Vida según Muriel (1997) aka Life According to Muriel

* Prohibido (1997)

* Aluap (1997)

* Cohen vs. Rosi (1998)

* Un Crisantemo Estalla en Cinco Esquinas (1998) aka A Crysanthemum Bursts in Cincoesquinas

* Río escondido (1999) aka Hidden River

* Buenos Aires plateada (2000)

* El Nadador inmóvil (2000)

* Tesoro mío (2000)

* La T.V. y yo (2002)

* La Antena (2007)

Puntuación:

Sinopsis

Will es un padre de treinta y pico años, residente en Manhattan, a punto de divorciarse. Maya, su hija de diez años, empieza a preguntarle sobre su vida antes de casarse. Maya quiere saberlo todo, cómo se conocieron sus padres y cómo se enamoraron. La historia de Will empieza en 1992, cuando todavía era un joven e ingenuo aspirante a político que se mudó de Wisconsin a Nueva York para trabajar en la campaña presidencial. Para satisfacer la curiosidad de Maya, Will rememora el pasado de un joven idealista que aprende los tejemanejes de la política en una gran urbe, y le cuenta que conoció a tres mujeres muy diferentes. Se esfuerza en construir una versión apta para su hija y cambia los nombres de las protagonistas. Maya tendrá que adivinar con cuál de las tres acabó casándose. ¿Será con Emily, la novia de universidad de Will? ¿O quizá sea con su amiga de siempre, su confidente, la apolítica April? Pero también puede ser con una ambiciosa e inconformista periodista llamada Summer. Maya empieza a unir las piezas del rompecabezas romántico de su padre y entiende que el amor no es fácil ni simple. Mientras Will le cuenta su historia, Maya le ayuda a ver que nunca es demasiado tarde para buscar un final feliz.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

Esta comedia romántica posee un par de puntos que la alejan definitivamente del resto de las comedias románticas. En primer lugar, la reconstrucción del pasado amoroso de Will se da a partir de la forma en la que este decide narrárselo a su hija. Si bien, en este aspecto, la película por momentos se corre de este eje, haciéndonos olvidar por completo de esta premisa, tiende siempre a volver a ese presente, con una niña dispuesta a repreguntar sobre cada elemento que Will pone en escena a la hora de describir las mujeres que amó en su vida. Mujeres cuyas historias se van entrelazando, historias que se terminan para volver a aparecer en escena años después. En segundo lugar, el trasfondo político actúa como una subtrama de peso propio, no sólo cuestionando los años de presidencia de Clinton (desde su primera elección y sus primeros escándalos sexuales, hasta el affaire con Monica Lewinsky), sino también ubicándonos en esos años a figuras trascendentales de la política norteamericana actual (en una escena se muestra en un televisor, de una manera un tanto patética, a un joven George W. Bush). Si bien quizás esa subtrama no le agrega nada a los encuentros y desencuentros amorosos de Will, sirven, sin embargo, para describir el desencanto que conlleva la pérdida de ideales en un joven que decidió mudarse a la gran ciudad para participar en la primera campaña de Clinton, y con el sueño de verse convertido algún día en el presidente de los Estados Unidos, para terminar fracasando en muchas de sus aspiraciones personales. La forma en que se tejen las tres historias románticas, logra, sin querer, que se nos vuelva previsible adivinar con cuál de ellas terminará casándose, lo que derivará en una escena del presente, con su mujer y su hija frente al sector de los pingüinos en un zoológico y, moraleja mediante (la asociación con la monogamia de los pingüinos se vuelve más que explícita), inclinar la balanza hacia la reconciliación familiar. Sin embargo, la película simplemente amaga con este final, y este elemento, que podría haber derribado completamente todo interés en el planteo inicial de la película, termina formando parte sólo del punto de vista de la niña. La realidad, como se la intenta explicar su padre, es mucho más compleja y difícil que vista bajo la mirada de un niño, y finalmente, la propuesta sale airosa de su conservador intento de encorsetarse cuando el protagonista, empujado por su propia hija, vuelve sobre sus pasos para encontrarse con su verdadero amor. En estas idas y venidas, aparentemente ajenas a cualquier disposición ideológica y absolutamente convencionales si las comparamos con cualquier comedia romántica, es donde más se observa el perfil de sus realizadores a la hora de establecer las coordenadas del texto. Y en tiempos ¿republicanos? en los que toda narración de este estilo deriva en una suerte de apología de la familia inquebrantable, no es poco que una película donde además se establece un paralelismo entre el protagonista y el recorrido político-ideológico de su país, se atreva a mostrar que la idea de familia no es tan sencilla como lo es para un niño, aunque muchas otras películas intenten probar lo contrario.

Dirección y guión: Adam Brooks.
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2008.
Duración: 112 min.
Género: Comedia romántica.
Elenco: Ryan Reynolds (Will Hayes), Elizabeth Banks (Emily), Isla Fisher (April), Rachel Weisz (Summer Hartley), Derek Luke (Russell McCormack), Abigail Breslin (Maya Hayes).
Producción: Eric Fellner y Tim Bevan.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Florian Ballhaus.
Montaje: Peter Teschner.
Diseño de producción: Stephanie Carroll.
Vestuario: Gary Jones.
Estreno en Reino Unido: 8 Febrero 2008.

Filmografía de Adam Brooks

* Definitivamente, quizás (2008) Director, Guionista

* Wimbledon-El amor está en juego (2005) Guionista

* Bridget Jones: Sobreviviré (2004) Guionista

* The invisible circus (El circo invisible) (2001) Guionista, Director

* French Kiss (1995) Guionista

CÓMO SE HIZO “DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS”

1. El proyecto

  DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS nació hace unos años, cuando el director y guionista Adam Brooks decidió escribir una historia de amor que transcurría durante más de una década. “Recuerdo que antes se estilaban películas cuya historia se desarrollaba durante varios años”, dice el realizador. “Me gustaban mucho porque permitían al guionista profundizar en los personajes”. Adam Brooks pensó en una comedia romántica basada, para cambiar, en un protagonista masculino y, para complicarla aún más, ambientada en el mundo de la política. “Me gustan las comedias románticas con un telón de fondo más amplío que la propia historia de amor, películas como Al filo de la noticia, por ejemplo”, añade el guionista y director. “Siempre había querido escribir una historia acerca de un joven que llega a la gran ciudad lleno de esperanzas y de sueños”. El protagonista del guión, Will Hayes, está a punto de divorciarse y revive su pasado, cuando era un aspirante a político, mientras intenta explicarle a su hija de diez años por qué se casó con la mujer de la que se separa, su madre.

  Como guionista, Adam Brooks había trabajado en varias ocasiones con Working Title Films, entre las que destacaremos Bridget Jones: sobreviviré, Wimbledon y French Kiss. Esta vez, la productora no sólo le pidió que fuera el guionista, sino el director de la película. Todos estaban de acuerdo en que no seguiría las reglas y las fórmulas del género. “Son mi hogar cinematográfico”, dice el realizador. “Me dan rienda suelta a la hora de escribir, confían en mí. Además, cuando se empieza a desarrollar una película con Working Title hay grandes probabilidades de que se acabe produciendo”. La productora, dirigida por Eric Fellner y Tim Bevan, tiene en su haber películas de la talla de Expiación – Más allá de la pasión, United 93, Las vacaciones de Mr. Bean, Love Actually, La intérprete, Notting Hill y O Brother, y colabora habitualmente con talentos como Richard Curtis, Hugh Grant, Cate Blanchett, Keira Knightley, los hermanos Coen, Colin Firth, Rowan Atkinson y Emma Thompson, entre otros. Los dos productores siempre han considerado que es importante ofrecer a los cineastas, tal como lo resume Eric Fellner, “los recursos de un estudio con la actitud de una productora independiente”. El último proyecto de Adam Brooks no ha sido una excepción. “Cuando se encuentra a guionistas, directores y actores de talento, y se trabaja con ellos regularmente”, explica el productor, “es como escribir taquigrafía, gracias a la confianza mutua que acaba existiendo”.

  Los personajes de DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS gustaron a los productores, así como la idea de que no trataba simplemente de dos personas que se enamoran y deben superar los obstáculos que les impiden estar juntos. “Me gustó la idea de construir una película alrededor de varias relaciones en vez de una”, reconoce Eric Fellner.

  Liza Chasin, de Working Title, que se ha ocupado de la producción ejecutiva de películas como Orgullo y prejuicio y Bridget Jones: sobreviviré, ya había coincidido en ocho proyectos con Adam Brooks. Explica que la decisión de que Adam Brooks dirigiera la película vino casi sola: “Es una progresión natural, debía dirigir su próximo guión con nosotros”.

  Eric Fellner está de acuerdo en que Adam Brooks era el candidato ideal para dirigir DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS, después de dos trabajos anteriores como director: Almost You, con Griffin Dunne y Brooke Adams, y El circo invisible/The Invisible Circus, con Cameron Diaz. “Tuvo la idea, escribió la historia, conoce la película”, dice el productor. “Nos gustó la idea de darle esta oportunidad”.

  El papel más crítico era el del protagonista, el aspirante a político Will Hayes. Sin embargo, el actor Ryan Reynolds había dejado impresionados a los productores con su encarnación del agente del FBI Richard Messner en el thriller de acción Ases calientes/Smokin’Aces, también producida por Working Title. Hablaron con Adam Brooks para que le hiciera una prueba. “Ryan no tiene problemas con la comedia o con el drama”, dice Eric Fellner. “Acabábamos de terminar Ases calientes/Smokin’ Aces, y todos pensábamos que era una auténtica estrella”.

  Cuando Adam Brooks conoció al actor, le sorprendió la forma en que veía el papel. “Una de las primeras cosas que me dijo fue: ‘Es como un papel para Jimmy Stewart’”, recuerda el director. “Era exactamente lo que yo pensaba. También me di cuenta de que cae bien a todo el mundo, una cualidad que pocas personas poseen”.

  La versatilidad de Ryan Reynolds también tuvo mucho que ver para que consiguiera el papel. “Creo que Ryan tiene la rara habilidad de ser totalmente convincente en el mundo que crea como actor, y no pierde su impecable vena cómica”, dice el director.

  Mientras cuenta la historia de su complicada vida sentimental a su hija, Will cambia los nombres de los tres grandes amores de su vida para que la precoz Maya no sepa con quién se casó, ni de quién está a punto de divorciarse, hasta que termine la historia. En opinión del actor, su papel en DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS estaba muy alejado de lo que había hecho en Marchando y Sólo amigos. “Siempre me pareció una película romántica de misterio”, dice. “En la mayoría de comedias románticas, ya se sabe el final a partir de la segunda página. En esta, no tenía ni idea de cómo se resolvería hasta que llegué a la última página”.

  Ryan Reynolds ve a Will como un hombre que ha tenido múltiples influencias: su hija, los tres grandes amores de su vida y, cómo no, Nueva York. Después de que el candidato demócrata al que apoya gana las elecciones, Will abre una asesoría política con su mejor amigo Russell (Derek Luke).

  Otra influencia crucial para Will fue Bill Clinton, al que consideraba un auténtico héroe, explica el actor: “Era su JFK, su presidente, estaba convencido de que haría algo”.

  Pero cuando estalla el escándalo en 1998, Will ya está muy desilusionado con la política y con la trayectoria de su vida. Se hace preguntas como: “¿Quién es realmente el hombre al que apoyo?” “¿Por qué escogí este campo?”. El actor Ryan Reynolds dice: “Cuando vemos a alguien como a un salvador, y esa persona se derrumba, descubrimos que es un ser humano… como nosotros”.

Puntuación:

Sinopsis

Neil (Gerard Butler) y Abby Warner (Maria Bello) son el matrimonio perfecto; se quieren, tienen una hija maravillosa y éxito en el trabajo. Pero esta plácida existencia se desmorona cuando su hija es secuestrada por un frío y calculador psicópata (Pierce Brosnan) que controlará las próximas horas de sus vidas con la brutal eficacia de alguien que no tiene nada que perder.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

No hay mucho para decir de esta película. Por un lado, el guión está correctamente elaborado, el suspenso está trazado con solvencia, y las actuaciones le aportan la carga dramática necesaria, revelando el talento de Gerard Butler luego de la fama que le supuso su corpulenta personificación del Rey Leonidas en 300, y un interesante villano a cargo de Pierce Brosnan (quien, sin embargo, logra sus mejores momentos hacia el final, cuando se descubre el verdadero propósito de su tortuoso accionar). Algunas vueltas de tuerca son más previsibles que otras, pero todas se acoplan coherentemente a la narración, sin saturar con vuelcos narrativos inútiles, junto a una dirección que aprovecha los momentos de mayor tensión de la trama. En la vereda opuesta, una historia efectiva aunque poco original, y un desenlace quizás más previsible que su desarrollo (Maria Bello expone inteligentemente las diferentes aristas de su personaje desde el inicio de la película), que desemboca en el elemento central, y el más irrelevante, de este producto de género: su crítica a la permeable moral de ciertos hombres de familia de buena posición. ¿Película con mensaje aleccionador? Lamentablemente, así es. De no existir la escena final, cuyo único interés radica en el significado que se le da al título original “Butterfly on a wheel” (”Mariposa en una rueda”), otro sería el resultado. Seguramente el mismo discurso ideológico, con un poco menos de énfasis en él, lo que hubiera privilegiado el desarrollo del thriller por sobre su pobre “mensaje”.

Dirección: Mike Barker.
Países: Reino Unido y Canadá.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Pierce Brosnan (Tom Ryan), Gerard Butler (Neil Warner), Maria Bello (Abby Warner), Claudette Mink (July), Samantha Ferris (Diane), Callum Keith Rennie (McGill), Malcolm Stewart (Dave Carver), Peter Keleghan (Karl).
Guión: William Morrissey.
Producción: Pierce Brosnan, William Morrissey y William Vince.
Música: Robert Duncan.
Fotografía: Ashley Rowe.
Montaje: Guy Bensley y Bill Sheppard.
Diseño de producción: Rob Gray.
Vestuario: John Bloomfield.

Filmografía de Mike Barker

* Chantaje (2008) Director

* A good woman (2005) Director

* Matar a un rey (2003) Director

* Un plan perfecto (1999) Director

* La banda de los James (1997) Director

CÓMO SE HIZO “CHANTAJE”

  ‘Who breaks a butterfly on a Wheel?’ [¿Quién somete a tortura a una mariposa?], escrito por el poeta Alexander Pope por vez primera en “Epístola a Arbuthnot”, es una expresión que significa la destrucción brutal de una criatura delicada. El dicho ha evolucionado para referirse a un esfuerzo excesivo para un resultado nimio. Aquí, la mariposa es Neil Randall, encarnado por Gerard Butler, un hombre que lo tiene todo: buen aspecto, encanto, éxito, bien orientado hacia la cumbre… Se ha casado con Abby (Maria Bello), la perfecta compañera; ambos son bellos y compasivos; ella es una buena esposa y una buena madre para la única hija del matrimonio, Sophie, de cinco años de edad. Si bien es cierto que la vida de esta familia es la viva imagen de la buena fortuna, Abby soporta en silencio la desesperación típica de las esposas de hombres ambiciosos. Sus pequeñas decepciones personales, a menudo eclipsadas antes los grandes triunfos de Neil, quedan en nada a la luz de la prosperidad compartida. Y así están las cosas hasta que un hombre llamado Ryan aparece de ninguna parte. Igual que un ángel vengador, se lleva la única cosa que ambos adoran, la pequeña Sophie, y pagan un precio terrible por su salvación: 24 horas en que sus vidas quedan sujetas a un estricto control. Con precisión inhumana, Ryan desmonta todas y cada una de las cosas que el matrimonio ha ido bastiendo. Es evidente que quiere vengarse, pero, ¿quién es y por qué ha apuntado hacia esta familia? Para cuando el tormento ha finalizado, el alivio se ve puntuado por un autoinflingido tormento en la herida abierta. CHANTAJE es el resultado de una idea de William Morrissey, guionista y productor británico, quien ha formado equipo con el director Mike Barker [Un plan perfecto (Best Laid Plans, 1999)], ambos de CAA (Creative Artists Agency). Cuando CAA solicitó la atención sobre el proyecto de Irish DreamTime, el sello de producción que Pierce Brosnan comparte con su viejo socio Beau St. Clair, ambos intuyeron inmediatamente el potencial de CHANTAJE, tanto en su calidad de thriller inusual que opta por desafiar al público mediante el uso de la tensión sicológica en lugar de emplear una violencia desmesurada, como en su condición de vehículo para que Brosnan efectúe un giro innovador en su exitosa y extensa carrera como actor. El package logró incrementarse con la participación del productor William Vince y del productor ejecutivo Dave Valleau de Infinity Features, el par de grandes profesionales tras el oscarizado biopic, Truman Capote (Capote, 2005), quienes previamente ya habían trabajado con Brosnan y St. Clair en el drama de época Evelyn (Evelyn, 2002). Más tarde, los productores incorporaron Icon Entertainment International como socio, lo que cerró una coproducción británicocanadiense. “De modo semejante al que ciertos actores recurren para interpretar contra corriente, así producimos nosotros” —comenta el productor William Vince, haciendo comparación entre CHANTAJE y Capote. Sin embargo, fue este último título, Capote, el que mostró a Infinity lo alto que puede situarse el listón, y ello era precisamente lo que pretendían para CHANTAJE.

  “El singular reclamo de esta película estriba en que se trata de un thriller aleccionador, concebido para provocar sin necesidad de sermonear; escrito de este modo se evita ser demasiado explicativo, lo que haría que el argumento perdiera marcha; en lugar de ello, se arremeta hacia delante sin aliento, cobrando vigor por instantes”. Tanto para Vince como para el productor ejecutivo Dave Valleau, en la elección de un proyecto a menudo cuenta tanto la gente implicada como el guión en sí mismo.

  Ambos hombres convienen que Bill Morrissey había vertido tanta pasión en su guión y empleaba tal nivel de energía que se hacía contagioso. “Se trata de un thriller enérgico, que no ofrece tregua. Nunca antes se había hecho nada exactamente igual” —observa el productor ejecutivo Dave Valleau—. “Tras la primera lectura del guión, sabiendo ya el desenlace, se hace inevitable volver a leerlo para dilucidar todas y cada una de las claves. La mecánica y logística de la historia resultan herméticas, y Bill Morrissey ha realizado un trabajo asombroso puliendo la narración e incrementando el suspense. Estoy convencido de que esta película va a suscitar muchas discusiones entre el público que la haya visto. Los temas de fondo son plenamente contemporáneos y todo el mundo los afronta, pero pocos los encaran abiertamente. Con Mike Barker ejerciendo como director, un profesional que sobresale por sus sorpresas y giros narrativos, combinado con este reparto, CHANTAJE condensa una energía muy poderosa.” En 1996, Pierce Brosnan y Beau St. Clair unieron esfuerzos para bastir un sello de producción sito en Los Ángeles, Irish DreamTime. CHANTAJE ya es el sexto proyecto que emprenden juntos. “Bill Morrissey se incorporó con el guión, y Mike Barker se unió como director cinematográfico, y funcionamos con ellos espléndidamente” —informa St. Clair—. “Se trata en verdad de una historia enormemente rica en contenidos, un thriller movido con resortes hitchcockianos. El personaje de Ryan, tan enigmático y carente de humor, no se parece a nada de lo que Pierce ha asumido anteriormente, lo que no era sino la primera condición para hacer que esto sucediera.” Para St. Clair, ese contrapunto del personaje es positivo por cuanto equilibra el “efecto Bond” en la carrera del actor. “Cuando Pierce (como Ryan) se apodera de las vidas de esa gente, manteniéndolos como rehenes al amenazar la seguridad de la hija de ambos, resulta escalofriante” —sigue St. Clair—. “La idea de tener a esos tres actores de gran solidez, Pierce, Maria y Gerard, atrapados dentro de un vehículo es un material imponente. Sus interpretaciones crean un equilibrio de tensiones donde un movimiento en falso tendría unas repercusiones catastróficas. No funcionaría en modo alguno si Ryan estuviera aterrorizando a dos personas frágiles. En un thriller, el público quiere verse emocionalmente entre la espada y la pared; están mirando bajo la superficie y tratando de avanzarse a los acontecimientos. La emoción que surge a lo largo del trayecto proviene de la fuerza que emana cada personaje al quedar en una situación insostenible cuya resolución se presenta del todo impredecible”.

  “Quería ofrecer al público algo que no estuvieran esperando” —explica el guionista William Morrissey. Y en verdad que ha logrado una narración cargada con el tipo de tensión propio del caminar por la cuerda floja, calibrado con sutileza pero sin premeditación. El personaje que hace que la acción no cese es Ryan, un antagonista que parece que siempre gana el ‘juego del gallina’ porque da la sensación de que disfrutaría con un choque frontal. “Quería crear algo que a primera impresión ya tuviera todos los elementos de un thriller sólido, realmente bueno” —explica Morrissey—, “pero que al llegar al final se evidenciara que se ha ido mucho más allá. De tal modo que a medida que la historia alcanza el clímax, salta a otro nivel más poderoso”.

  Para Morrissey, la clave está en crear una situación en la que el público esté preguntándose permanentemente qué es lo que ellos harían si se hallaran en una circunstancia tan horrible. “Neil y Abby pasan 24 horas con un secuestrador que tiene en sus manos la vida de su hija. Tienen que hacer todo cuanto aquél les dice. Es muy fácil decir que uno haría lo que fuera por un hijo, pues probablemente nunca nos veremos en tamaña situación. Sin embargo, ¿qué pasaría si nos halláramos ante el dilema? ¿Hasta dónde seríamos capaces de llegar realmente?”

  El director Mike Barker ha trabajado en este proyecto con Morrissey abundantemente y esta labor en común ha sido exitosa porque, de acuerdo con el pensar de Barker, aunque el argumento provenga del guionista, las interpretaciones y el ritmo dependen del director. El suspense resulta de un equilibrio de ambos extremos: el diálogo y lo visual, lo que deviene un saludo a Hitchcock; combinándolo así, logramos que el público se pregunte ‘Y ahora, ¿qué va a pasar?’ “Tuvimos que disponer una serie de desvíos argumentales con el objetivo de mantener al público absorbido por el rompecabezas resultante, pero Bill, el guionista, es un tipo de gran inteligencia y ha logrado que todo converja, pues de otro modo sería un fraude. Y el público no toleraría eso”.

  En los thrillers, todo gira en torno al timing preciso; Barker, al iniciarse CHANTAJE, opta por un tono doméstico y calmo para establecer cómo tendría que ser la vida, pero luego, “cuando la película toma envergadura, los planos se hacen más cerrados, nerviosos y oscuros, con predominio de la cámara al hombro, más desesperados. El reto estribaba en asegurarse de que todas las líneas de interrelación quedaran ligadas y todos los dobles sentidos permanecieran genuinos.” Para lograr eso, Barker trabajó estrechamente con el director de fotografía, Ashley Rowe. “La cámara está estática al principio de la película, y los actores evolucionan dentro del encuadre” —informa Rowe—. “A medida que el argumento avanza, la cámara cobra velocidad, primero sobre la dolly, y finalmente al hombro. El ritmo se hace más frenético, y se incrementa el número de cortes; de este modo aumenta la sensación de confusión. Hacia el desenlace de la historia, regresamos a los planos estáticos captados con granangular”.

  Los granangulares permiten que el personaje destaque en primer término sin que se pierda el contexto del entorno. “De este modo” —explica Rowe—, “el espectador se siente muy presente, casi como si estuviera en la cabeza del personaje, viajando con esa persona.” La iluminación, un sutil componente de la realización, se mantiene al mínimo, apoyándose ampliamente en el vidrio, las superficies reflectantes, el agua, los espejos y el cromo. “La poesía que esto alberga está en que si Neil mirara su reflejo decididamente, quizá alcanzara a verse tal y como realmente es”.

  Además de encarnar el papel protagonista, Pierce Brosnan también ejerce como uno de los productores de CHANTAJE. Refiriéndose a la dinámica de la historia, comenta: “Aquí hay tres personas desesperadas, tres personas apasionadas, tres personas que la vida ha herido. Al principio, todo cuanto sabemos de Ryan es que se trata de un loco, probablemente un terrorista, sin dudarlo alguien peligroso, pero definitivamente portador de un dolor inmenso. En esta historia, el juego de poder es amplio; pronto, ‘quién es Ryan’ se hace secundario ante ‘qué quiere Ryan.’ Esto es así hasta que inesperadamente su hijo hace acto de aparición. Ello humaniza el raptor siquiera por un momento, pero no explica la razón por la que está destruyendo la vida de los Randall”.

  Aunque Brosnan ha cubierto hábilmente el género de acción y aventuras, éste es su primer thriller genuino. “Me hallo en un punto de mi carrera en que ciertamente ya no existen límites ni normas. He abandonado la seguridad de encarnar a uno de los más legendarios iconos del cine, Bond, y a partir de ahora resulta de lo más estimulante estar preguntándome hacia dónde voy. CHANTAJE me va como anillo al dedo porque siempre estoy buscando papeles que sean el equivalente de un giro brusco a la izquierda. Hay que hacer el esfuerzo de recordar cómo comenzó uno en el negocio y la esencia de la que está constituido un buen actor.” ´Mencionando su primer aprendizaje como intérprete teatral, Brosnan hace hincapié en que el guión evoluciona como una pieza teatral de un único acto con largas páginas de diálogos repartidos en muchas escenas, una sensación que muchos de los otros actores protagonistas refrendan. Pero el contenido emocional de la historia es traicionero. “Esta pieza no ha sido precisamente lo más cómodo que haya hecho. Exigía adentrarse en un terreno muy áspero. Me las tenía con un personaje marcado por problemas profundamente graves que pone en escena su propia fantasía de venganza. Pero me he metido en esto junto a Maria, quien en estos últimos años ha alcanzado la madurez como actriz profesional. Esta historia la ha apasionado desde un buen principio. Y Gerry es una excelente garantía para mi personaje. Ello es bueno; hay un irlandés y un escocés en el reparto. Eso me gusta. Afronta su papel con gran fuerza. Tan pronto como ambos actores se incorporaron, el plan de acción estaba trazado; teníamos una película sólida”.

  Desde todo punto de vista, Maria Bello era la elección más lógica para el papel de Abby Randall. Según Dave Valleau y William Vince, su trabajo para Una historia de violencia (History of Violence, 2005) y para The Cooler (The Cooler, 2003) fue lo que fijó su capacidad.

  “Se halla en la cumbre del oficio” —asegura Vince. Brosnan y St. Clair afirman que la actriz está en plena forma. Para Mike Barker, Bello es una intérprete en el sentido más auténtico, toda una obrera del arte dramático. Para la propia Bello, Abby es un personaje que le habla desde distintos niveles. “Me es imposible saber la razón por la que asumo un papel; leí este guión hace año y medio, y resultaba electrizante. Llamé inmediatamente a mi agente y le comuniqué que estaba interesada. A mi personaje, Abby, le resulta imposible encajar en la caja que su marido, Neil, ha hecho hacer para ella. Ha abandonado su carrera como fotógrafo para dedicarse a criar a la niña de cinco años, pero algo no va bien. No es más que un instrumento con un corazón que late, lo que genera cierta rabia en ella”.

  “Puedo identificarme con esa rabia, y hasta resulta divertido liberar el animal que llevamos dentro” —comenta Bello—. “En ciertos aspectos, esta película es un thriller sencillo y, en otros, posee una profunda dimensión sicológica. En todos nosotros hay un gran vacío; a lo largo de toda nuestra vida no hacemos sino procurar llenarlo con lo que sea que se nos dijo que tenía que lograrlo; y cuando no puede llenarse, todavía lo intentamos con todas nuestras fuerzas, pero ese vacío siempre está.” La motivación de Abby es subyacente. “Lo que yo encarno es lo que hay en su yo más profundo” —continua la actriz—, “pero afortunadamente trabajo con dos actores brillantes que lo ponen todo en la sartén. Ambos se dan por completo al modo de ser de sus personajes, y desde ese lugar reaccionan con tal intensidad que me es posible encontrar profundidad y sentido a todo cuanto estamos haciendo”.

  Bello estaba encantada ante la oportunidad de trabajar con Brosnan. “Tiene una personalidad muy intensa. Me inspira como actor y como ser humano. Está absolutamente abierto a todo: crece, cambia, se transforma, experimenta… Cuando todo esto acabe, le añoraré mucho”.

  Si bien el guión ha unido a Butler y Bello en calidad de marido y esposa, ambos actores se hicieron amigos muy rápidamente. “Adoro a Gerry. Hemos sido auténticos compañeros en todo esto. Realmente, tuvimos que ponernos a prueba mutuamente de un modo tremendo. Jamás había trabajado con alguien que se de tanto como él. Se entrega por completo y en todo instante”.

  Encontrar el Neil Randall idóneo para la película era tan determinante como imprevisible y arriesgado. Y resultó ser el actor escocés Gerard Butler, cuyo trabajo en Mi querido Frankie (Dear Frankie, 2004) inclinó la balanza hacia él. El productor ejecutivo Dave Valleau considera que Butler aporta una química intrigante a su papel porque su buen aspecto hace que la arrogancia de su papel parezca la apropiada. Al mismo tiempo, Butler posee un encanto arrollador que hace que sintamos simpatía por Neil Randall, y justo aquí está la precaria contradicción de su personaje.

  “Me encanta Gerry” —comenta Barker—. “Es un 110%, un tipo increíblemente apuesto, y sacamos provecho yendo decididamente en contra de eso”.

  Butler, feliz de sacarse la cota de malla [300 (300, 2006)] y regresar al siglo XXI, llevaba tiempo rabiando por interpretar a un “tipo americano normal. Últimamente, he estado dando vida a personajes con poder y autoridad; así que esto ha sido un cambio total. Aquí no sólo es Ryan quien tiene a Neil bajo control, sino que realmente le fractura. Y ello me dejó hecho trizas, emocional y físicamente; todo el proceso del secuestro hace que Neil experimente un vuelco completo, con un punto de partida en el tipo encantador, confiado en sí mismo y triunfador del principio, y un punto final en el naufragio físico y mental que sufre en el espacio de tan sólo 24 horas. Jamás había visto nada parecido en un guión. Ese miedo absoluto, esa frustración y demencia que impregna toda la historia fue suficiente para que me apuntara”.

  Lo que asimismo hizo que Butler acceptara fue sus coprotagonistas. “Pierce es mi chico” —proclama con orgullo—. “Ha sido un auténtico honor trabajar con él. Desde el mismo instante en que nos cruzamos percibí que poseía esa increíble energía. Se trata de alguien bueno, amable, una persona con valores morales, pero también es un hombre rebelde, y eso me encanta. Allá donde quiera que hiciésemos escenas juntos, siendo los dos unos chicos celtas, era la locura. Parecíamos dos chicos grandes, unos colegas. Y Maria hizo que mi trabajo subiera de nivel: es una actriz increíble de verdad y un ser humano maravilloso, y creo que tenemos el mismo espíritu. Compartimos la misma pasión, amor, locura, y miedo… lo invertimos en nuestro trabajo y comprendemos de verdad lo que hay de bello en ello”.

  La admiración mutua entre Brosnan, Bello y Butler es mucho más profunda de lo que pueden sugerir los respectivos apodos para cada uno: PB, MB y GB. Dos meses de estrecha reclusión y un guión empaquetado con intensa lucha emocional dejaron a los tres actores agotados aunque llegaron a confiar entre si profundamente para mantenerse creativos. “El desafío residía en sobrevivir a la constante ansiedad de esta historia; pero al final de la jornada, la satisfacción siempre era plena” —comenta Bello, quien nutrió a sus coprotagonistas y equipo técnico con sopas y cassoulets caseras que traía a los platós.

  “Nos hemos estado pegando durante ocho semanas, y depositábamos tanta confianza mutua que permitíamos que la rabia fluyera libre de nuestro interior. Debido a ello, todos tenemos nuestros golpes y cardenales, incluso costillas rotas. He alcanzado profundidades emocionales que nunca antes había logrado en cualquiera de mis películas. Y no hubiera podido hacer esto sin Pierce y Gerry”.

  El diseño de producción en un thriller es una labor subliminal que debe reseguir, palmo a palmo, el ritmo emocional de la película. “Hubo una preproducción fantástica respecto a esto” —informa el diseñador de producción Rob Gray—. “Mike Barker, el director de fotografía Ashley Rowe, y yo mismo mantuvimos un excelente grado de entendimiento acerca de adónde queríamos dirigirnos con todo esto; qué aspecto queríamos que tuviera; y cómo queríamos que se moviera.” En el primer encuentro entre Gray y Barker, contrastaron notas, y particularmente estuvieron proyectando unas diapositivas que Gray había preparado y que substancialmente coincidían con el libro de estilo que Barker había estado montando. Eran imágenes realizadas en particular por el director de fotografía Philip-Lorca di Corcia, quien se ha hecho un nombre rodando con gran meticulosidad escenas coreografiadas procedentes de la vida cotidiana. Significativamente, su labor proyectaba una sensación de soledad e introspección inmersas dentro del bullicio de la ciudad, lo cual iba como anillo al dedo para el film.

  “Dado que hay tantas escenas en las que los tres actores se hallan atrapados en el interior de un coche, gran parte del diseño está en ese mundo exterior en torno a ellos, un mundo inadvertido de la pesadilla que esa gente está sufriendo” —explica Gray. Ese contraste es un extremo generador de una ansiedad elevada. Estar tan dolorosamente cerca de la liberación y sin embargo estar separado de todo simplemente por el vidrio de un automóvil crea una diabólica sensación de desamparo. “Es como estar en una pecera, y todos los diseños enfatizan el tipo de ventanas que permiten tanto mirar afuera como adentro. Creo que esto es también una metáfora para Neil, quien ciertamente no entiende que es transparente”.

  Elaborando en una escala de mayor matiz, el motivo de la pecera se recrea repetidamente con una acentuación de las superficies reflectantes que se han construido en cada escenario, incluso con las calles humedecidas de arriba abajo para las tomas nocturnas. Una porción de la historia se narra con un espejo, luego sacamos el espejo y captamos el encuadre inverso. En otra ocasión, la cámara mira a través de cuatro capas de vidrio. La historia tiene lugar en Chicago, una ciudad célebre por su arquitectura y escultura sublimes. Los edificios destacados de la ciudad se incorporan al film para contribuir al mundo embriagador y absorbente que configura la realidad de Neil Randall antes de la aparición de Ryan. “Se trata de una ciudad muy fuerte y masculina” —afirma Gray—. Los impresionantes edificios Corn Cob, el Millennium Park, el edificio Wrigley, y los clásicos edificios de Mies van der Rohe, incluso el set construido para la oficina de Neil… todo es representativo del éxito dinámico.

Puntuación:

Sinopsis

Es el año 1988 y el Papa Juan Pablo II visitará Melo. Se calcula que 50.000 personas asistirán a verlo. Los pobladores más humildes creen que vendiéndole comida y bebida a esa multitud se harán casi ricos. Beto, un contrabandista en bicicleta, decide en cambio construir un excusado en el frente de su casa y alquilar el servicio. Para lograr su objetivo debe atravesar una serie de dificultades tragicómicas. Finalmente, sólo unos 8.000 fieles concurren. Nadie vende nada y únicamente una anciana hace uso del retrete. El sueño de Beto se hace trizas pero a lo largo de la historia su hija ha llegado a comprenderlo mejor. Quizás incluso a quererlo.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

El baño del papa formó parte de la Sección Oficial del Festival de Cannes 2007, y obtuvo el Premio Horizontes Latinos en el Festival de San Sebastián. Muchas películas latinoamericanas triunfan en los principales festivales internacionales, inclusive algunos films uruguayos, como Whisky, la última película de la dupla Rebella – Stoll luego de 25 watts, primera sorpresa del cine uruguayo. La diferencia entre aquellas y esta es abismal. La malograda dupla (Rebella se quitó la vida tres años después de la realización de Whisky) nunca hizo foco en la clase baja uruguaya. La película dirigida por la reciente dupla de Enrique Fernández y César Charlone, en cambio, apela a un cine emparentado con el neorrealismo italiano, puntualmente en lo que hace a las situaciones absurdas y trágicas de la vida cotidiana, en este caso representadas en el esfuerzo de Beto por construir un baño para aprovechar económicamente la supuesta afluencia de público que acarreará la visita del Papa. Esta idea desembocará en numerosas escenas narradas a trazo grueso, ejemplo de esto es el final, con una hija emocionada por ver a su padre lejos del descarrilamiento en el que ha caído por un trabajo esclavizante y su recurrencia al alcohol. Los elementos más destacados de esta propuesta se encuentran en las solventes actuaciones del elenco, principalmente de César Troncoso y Virginia Méndez, y la manera en que se describe la miserable situación de los contrabandistas que viven en Melo. Sin embargo, El baño del papa es una de las películas que menos consiguen ocultar la falta de ingenuidad de sus realizadores a la hora de planificar este proyecto. César Charlone viene trabajar en Hollywood luego de consagrarse internacionalmente como director de fotografía de Ciudad de Dios, película que guarda no pocas similitudes con esta. Si bien el virtuosismo visual y la tendencia al cine de género de aquella contrastan con el humor uruguayo y el costumbrismo de ésta, ambas insisten en hacer hincapié en las clases bajas de sus respectivos países de origen, algo que, se ha analizado muchas veces y desde distintas perspectivas, suele ser el plato preferido de los festivales de cine del Primer Mundo. Los realizadores de El baño del papa conocen perfectamente esta preferencia, y a este plato, por si fuera poco, le adosan un elemento foráneo y a la vez universal, como es la figura del Papa. “El Papa no sabe lo que pasó en Melo”, dice Beto, mientras discute con las imágenes del noticiero, en un gesto que remarca la falta de sutileza a la hora de exponer el discurso demagógico del film, corolario de una suma de imágenes que reflejan la desilusión del pueblo tras la visita del Papa, imágenes más cercanas a la forma que adopta la publicidad para mostrar la pobreza, y que se cuentan entre las pocas secuencias realizadas bajo un criterio estético definido.

Dirección: Enrique Fernández y César Charlone.
Países: Uruguay, Brasil y Francia.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Drama.
Elenco: César Troncoso (Beto), Virginia Méndez (Carmen), Virginia Ruiz (Silvia), Mario Silva (Valvulina), Henry de León (Tica), José Arce (Nacente), Nelson Lence (Meleyo), Rosario Dos Santos (Teresa), Hugo Blandamuro (Tarta), Alex Silva (Gordo Luna), Baltasar Burgos (capitán Álvarez).
Guión: Enrique Fernández.
Producción: Elena Roux.
Música: Luciano Supervielle y Gabriel Casacuberta.
Fotografía: César Charlone.
Montaje: Gustavo Giani.
Dirección artística: Inés Olmedo.
Vestuario: Alejandra Rosasco.
Estreno en Uruguay: 3 Agosto 2007.

Biofilmografía de los directores

Enrique Fernández / Guionista - Director
Desde principios de la década del 80 su actividad está ligada al cine. Se ha desempeñado como guionista, asistente de dirección y camarógrafo en algunos cortos de ficción y documentales, en Uruguay y en Alemania, donde trabajó cerca de cinco años. En 1997 fue guionista de Otario, largometraje de ficción dirigido por Diego Arsuaga que fuera seleccionado en el Festival de San Sebastián. Es Profesor de Guión Cinematográfico en la Escuela de Cine del Uruguay.
El baño del Papa es su primer largometraje como director.

César Charlone / Director - Director de Fotografía
Nació en Uruguay pero reside en Brasil desde hace más de 30 años. Es egresado de la Escuela de Cine de Sao Paulo. Comenzó en 1975 trabajando como fotógrafo en documentales, cortos publicitarios y largometrajes, con directores como Murillo Salles, Sergio Resende, Roberto Gervitz y Renato Tapajos.
En 1997 empezó su carrera de director en cortos publicitarios, video clips y episodios para la televisión de la serie Cidade do Homens, para los cuales también escribió el guión. Tiene una vasta experiencia en el campo de la publicidad, habiendo dirigido más de 700 comerciales para las marcas más importantes del mundo.
En 2001 se desempeñó como Director de Fotografía de la película “Ciudad de Dios”, dirigida por Fernando Meirelles, rol por el cual obtuvo una nominación al premio Oscar y que lo convirtió en el primer uruguayo que alcanzó tal distinción. En 2003 trabajó bajo las órdenes de Tony Scott en la película Man on fire, también junto al director neoyorquino Spike Lee en Suker Free City y nuevamente con Meirelles, en El Jardinero Fiel, labor que le valió una nominación a mejor fotografía en los premios Bafta (Inglaterra). El baño del Papa es su primer largometraje como director.

Notas de los directores

Génesis

Enrique Fernández: En la época, yo debía tener diez años, Beto era un amable vecino que pasaba cada mañana a saludarnos. Siempre llevaba la camisa por fuera de los pantalones, y sus delgadas piernas parecían palillos cuando se montaba en una vieja bicicleta que daba la impresión de caerse a trozos. Beto vivía con su suegra, doña Leocadia, una piadosa anciana que quería mucho a mi madre. Para demostrar su afecto, le ofreció su dentadura postiza, que ella ya no usaba. Dos días después, mi madre se la devolvió con mil disculpas. Más tarde me confesó que la había probado, pero que no le valía. Durante 36 años, mi padre, que falleció en 1964, escribió letras de canciones para una orquesta de carnaval. Esas canciones me ayudaron a familiarizarme con todos esos personajes. Fueron parte de mi infancia y ahora son parte de la película. Conozco sus alegrías y sus tristezas. Los veo cada vez que voy a mi pueblo. Los conozco muy bien y los quiero.

César Charlone: En mi calidad de uruguayo que vive en Brasil, todos los temas que me vienen a la mente cuando pienso en cine tienen que ver con mi país natal. El primer documental que dirigí y produje en 1978 contaba con un presupuesto muy reducido y se rodó en Uruguay, Brasil, Argentina y Chile. Después de pasarme diez años dirigiendo anuncios, videoclips y series de televisión, tenía ganas de dirigir un largometraje. Había apuntado un par de ideas en el papel relacionadas con mi pasado uruguayo, pero no era fácil encontrar financiación en Brasil. Cuando óun buen comienzo. Leí el guión y descubrí que no solo la historia era maravillosa con personajes conmovedores, sino que podría hacer realidad el viejo sueño de rodar en mi país. Melo tiene algo muy especial. Es una ciudad uruguaya muy influida por Brasil. La mayoría de los habitantes de Melo hablan portugués.

Un trabajo a cuatro manos

César Charlone: Trabajamos mucho juntos antes del rodaje. Reescribimos la versión final, buscamos decorados… Me encantaba la historia de Enrique y estaba decidido a plasmarla en la gran pantalla con la mayor fidelidad posible. Por eso preparé un plan de rodaje muy detallado que revisamos juntos antes de dárselo al resto del equipo. Así, durante el rodaje, todos sabían qué debían hacer y por qué. Fue un rodaje simple y agradable. Además, Fernando Meirelles, el realizador de Ciudad de Dios y El jardinero fiel, con el que estaba trabajando, leyó el guión y se entusiasmó con el proyecto.

Enrique Fernández: Preparamos un plan de rodaje muy preciso y ensayamos antes de rodar. Hablamos mucho de los personajes, de las situaciones, de las dificultades de la película, de cómo debía ser filmada. El rodaje fue muy bien. Los dos nos ocupamos de la dirección de los actores. César se encargó sobre todo del aspecto visual, mientras yo me aseguraba de seguir fieles al guión.

Un reparto original

Enrique Fernández: El reparto está compuesto por actores profesionales y no profesionales. Los intérpretes profesionales son César Troncoso (Beto), Virginia Méndez (Carmen, la madre) y Nelson Lence (Meleyo, el aduanero). También están Hugo Blandamuro (el camarero) y Carlos Lissardy (Ches el loco). Los demás son habitantes de Melo. Ensayamos durante varias semanas para que se sintieran seguros y obtuvieran la agilidad y la concentración requeridas ante la cámara. Trabajamos con estupendos profesionales y actores no profesionales que demostraron ser grandes intérpretes, pero que nunca habían visto una cámara. Fue maravilloso.

César Charlone: Enrique siempre había pensado en César Troncoso y en Virginia Méndez, dos conocidos actores uruguayos, pero el reparto era muy amplio y no estábamos seguros de que mezclarlos con actores no profesionales diera los resultados deseados. Sobre todo si tenemos en cuenta que trabajan mayormente en el teatro. Era la segunda vez que trabajaba con Chris Duurvoort, el supervisor de ensayos. Es capaz de convertir un reparto dispar en homogéneo. Christian se desplazó varias veces a Melo para trabajar los personajes con los actores y enseñarles detalles, por ejemplo, cómo parecer un verdadero ciclista. Si vemos a Beto y a Valvulina, o a Carmen y a Silvia, cuesta decir cuál es el actor o actriz profesional.

Epílogo

César Charlone: Lo que más me gusta de EL BAÑO DEL PAPA son las diferentes dimensiones de la historia. Tiene una dimensión social, muy suramericana. Lo demuestra el hecho de que el héroe sea un contrabandista y que el malo sea la autoridad, el poder. Los códigos morales y sociales tienen poco que ver con los de Occidente. La historia trata de la necesidad de tener un sueño, de esperar algo mejor. También hay una historia de amor, una auténtica historia de amor, pero es una historia silenciosa, casi escondida. La de un padre que quiere ser querido, aceptado e incluso admirado por su hija.

Enrique Fernández: La historia acaba con un sueño roto, pero el espíritu no muere. Debe ser así porque la batalla de Beto, como probablemente la de todos los pobres del mundo, se libra día a día con convicción y valor. Algún día, como en todos los lugares de la tierra, la cultura y las tradiciones de los habitantes de Melo dejarán de existir, cambiarán o desaparecerán. Nuestro deseo ha sido plasmar sus retratos antes de que eso ocurra.

Puntuación:

Sinopsis

Jack Gramm (Al Pacino), un profesor universitario que trabaja también de psiquiatra forense para el FBI, recibe una amenaza de muerte que le avisa que le quedan 88 minutos de vida. Para salvarse, Jack debe usar todas sus habilidades y entrenamiento para acercarse cada vez más a los posibles sospechosos, entre los que figura un alumno disgustado, una antigua amante a quien abandonó y un asesino en serie que ya se encuentra en el corredor de la muerte.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

Ciertos thrillers poseen una imagen de “máquina imparable” y, protegidos bajo esta fachada, suelen mostrarse esquivos al análisis de la crítica. En estas películas la premisa inicial lo es todo. Al profesor Jack Gramm le anuncian que le quedan 88 minutos de vida (para darle crédito a la perfección de la máquina, este anuncio debería haberse dado al comienzo de la película, y no perder el tiempo inicial en la presentación del personaje), y a partir de allí, debe comenzar a correr, convencido que detrás de esa amenaza y de los asesinatos que se cometen a su alrededor, se encuentra un recluso que, gracias a su pericia psiquiátrica, ha sido condenado a muerte. Detrás de esa cuenta regresiva se encuentra un dispositivo que no reniega del absurdo propio de esta clase de productos de entretenimiento, y ahí está Al Pacino, el héroe de acción de turno, quien, sin desentonar con el resto del elenco, parece haberse tomado a broma toda la película, agregándole constantemente a su personaje una cuota de sarcasmo acorde a la inverosimilitud de las situaciones que lo rodean. Podría decirse que ha adoptado todas las características de Bruce Willis en la última de la saga Die Hard, exceptuando, claro, su rudeza y su tosquedad. Sin embargo, como vimos con el inicio del planteo de la trama, no todo intento de dispositivo imparable sale airoso de las críticas, especialmente cuando ciertos elementos giran en desmedro de esa máquina narrativa. Por empezar, nada peor para complejizar una trama, que agregar un elemento del pasado del personaje (en este caso, la pequeña hermana que perdió el profesor a manos de un asesino) para interactuar con el suspenso del presente. Cuando esto sucede, es inevitable caer en las “escenas explicativas”, que indefectiblemente le darán marcha atrás a la máquina, y pertenecerán al grupo de escenas peor resueltas de la película. Si hacemos un relevamiento de los thrillers últimos, observamos que, desde el punto de vista narrativo, los ejemplos más interesantes suelen aparecer en las películas que prefieren cerrar la película en el final del clímax, sin épilogos innecesarios (ejemplo de esto es el contundente final de Rastro oculto). Aquí, la máquina se esfuma en un pequeño e insignificante monólogo final del profesor a su alumnado referente a la posición moral sobre la pena de muerte. La máquina, representada como en este caso en una cuenta regresiva que asegura la velocidad del tiempo real, es un mecanismo absolutamente válido y sumamente entretenido en esta clase de exponentes del género, aún más interesante cuando la autoconsciencia de realizadores y elenco la abordan desde el humor por lo inverosímil. Esta máquina, sin embargo, se muestra más agitada y cansada que Pacino corriendo de un lado a otro.

Dirección: Jon Avnet.
Países: USA y Alemania.
Año: 2007.
Duración: 108 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Al Pacino (Jack Gramm), Alicia Witt (Kim Cummings), Amy Brenneman (Shelly Barnes), Leelee Sobieski (Lauren Douglas), William Forsythe (agente Frank Parks), Deborah Kara Unger (Carol Lynn Johnson), Benjamin McKenzie (Mike Stempt), Neal McDonough (Jon Forster).
Guión: Gary Scott Thompson.
Producción: Gary Scott Thompson, Randall Emmett y Jon Avnet.
Música: Edward Shearmur.
Fotografía: Denis Lenoir.
Montaje: Peter Berger.
Diseño de producción: Tracey Gallacher.
Vestuario: Mary McLeod y Debra McGuire.
Estreno en USA: 18 Abril 2008.

Biofilmografía de Jon Avnet

Ha dirigido y producido más de 50 películas y telefilmes en los últimos 25 años, desde éxitos taquilleros como Risky business y Tomates verdes fritos hasta los telefilmes elogiados por la crítica Rebelión en Polonia, The Burning Bed y Heat Wave. Su trabajo ha sido reconocido con múltiples nominaciones y galardones en los Oscar, en los Emmy, en los Globos de Oro y en los premios del Sindicato de Directores y también en el de Guionistas, en los Peabody, en los Humanitas y en los CableACE.

Avnet es presidente de la junta directiva del Instituto del Cine Norteamericano y del consejo de administración del Centro de Estudios Cinematográficos Avanzados, perteneciente al mismo instituto. También forma parte de la junta de supervisores del Colegio de las Artes y las Ciencias de la Universidad de Pensilvania. Además, participa en el taller de directores de Sundance y en su programa hermanado en Francia, Emergence.

Avnet reside en Topanga Canyon, California, con su esposa, la actriz Barbara Brody. Tienen tres hijos: Alexandra, Jacob y Lily.

Filmografía

# 88 Minutes (2007)

# Sixty Minute Man (2006) (TV)

# Conviction (2005) (TV)

# “Boomtown” (6 episodios, 2002-2003)

# Uprising (2001) (TV)

# Red Corner (1997)

# Up Close & Personal (1996)

# The War (1994)

# Fried Green Tomatoes (1991)

CÓMO SE HIZO “88 MINUTOS”

  El director/productor/guionista Jon Avnet ha reunido un sólido equipo de actores, incluyendo la leyenda viva y ganador de un Oscar Al Pacino, para la película 88 minutos, rodada en la región de Great Vancouver, un área del Canadá cuyas secuencias principales comenzaron a filmarse el 15 de octubre de 2005. Toda la acción de la cinta tiene lugar en un único día, en menos de dos horas. El productor Michael P Flannigan acababa de regresar a casa después de rodar otro proyecto en Bulgaria cuando recibió la llamada de viajar a Vancouver para el rodaje de 88 minutos. “Es casi una película en tiempo real. No es como 24, donde ves como corre un cronómetro, pero se acerca mucho, y en total acaban siendo unas dos horas, así que no es una película de 88 minutos, porque se muestran momentos anteriores y posteriores al tiempo cronometrado. Pero no voy a revelar ninguna sorpresa, que hay unas cuantas”, explica el productor. El elemento tiempo presentó un sorprendente reto para los realizadores. Flannigan prosigue: “Toda la acción transcurre en un día, pero naturalmente rodar tan al norte, en Vancouver, supone perder la luz del día enseguida, así que pensamos ‘¡qué bien, días cortos!’ Pero lo que realmente significaba eran montones de focos, generadores y cables”. La actriz Alicia Witt, quien encarna a Kim Whitely, la sexy e inteligente ayudante del profesor que interpreta Al Pacino (el Dr. Jack Gramm), está de acuerdo en que el elemento tiempo también supuso un desafío desde el punto de vista interpretativo. “Es un reto, porque los personajes no tienen tiempo de asimilar lo que está sucediendo y lo que les ha pasado, de modo que resulta divertido imaginar la breve oportunidad que tiene Kim de tomar consciencia incluso de dónde está, antes de forzarse a tomar una decisión que le salvará la vida. En la mayoría de historias hay una escena en que se ve a alguien procesando algo que le ha sucedido, y en ésta pasa demasiado rápido, con lo que al personaje le acontecen muchas cosas a la vez. De algún modo, creo que este ritmo frenético lo hace más realista, no hay que pararse a pensar cómo se siente uno en cada momento, sino que es algo inmediato”. Naturalmente, en el transcurso de dos horas, el vestuario, el peinado y el maquillaje de un personaje son virtualmente los mismos. Witt explica: “Es un gran reto hacer algo que transcurre casi por completo en el mismo día. Hace unas 10 semanas que llevo las mismas uñas, el mismo peinado y del mismo color. Es divertido, siempre llevo la misma ropa, excepto en un par de flashbacks. Para conservar el realismo, me cortaban el pelo cada cuatro días, un retoque por aquí, otro por allí… todo tiene que coincidir a la perfección”.

  Algo que no supuso ningún reto para los realizadores ni para el equipo artístico fue la decisión de trabajar en una película con el gigante de la pantalla Al Pacino. “Creo que cualquier persona en su sano juicio reconocería que trabajar con Al Pacino es un momento cumbre en su carrera”, admite Deborah Kara Unger, quien da vida da a Carol Lynn Johnson, decana de Ciencias de la Salud. Witt añade: “Siempre había querido trabajar con Al, pues es uno de los actores que más me ha inspirado como actriz. Me encanta su trabajo desde que comencé en la profesión, y siempre ha sido un referente para mí”.

  El actor Benjamin McKenzie, más conocido por su papel en The O.C. da vida a Mike Stemp, uno de los alumnos más listillos de Jack. “Mi agente me dijo que Al Pacino protagonizaría la película y que si me gustaría participar”, recuerda McKenzie. “Y obviamente es una oportunidad que solamente tiene una respuesta posible, especialmente si te encuentras en el principio de tu carrera. Fue una ocasión perfecta para ampliar mis horizontes profesionales y de aprender de un maestro”, añade. “Trabajar con Al Pacino es realizar una de mis ambiciones profesionales y también sueño personal. Ha sido genial. Al es un profesional increíble. Cada día llegaba al plató preparado al 100%. El primer día de rodaje fue escuchar aquella voz y pensar, ¡Uau, salgo en una película de Al Pacino!”

  Para uno de los miembros del reparto, trabajar de nuevo con Al Pacino fue algo más que una decisión. William Forsythe, quien interpreta al agente especial Frank Parks, viejo amijo y socio de Jack Gramm, ya trabajó con Pacino en Dick Tracy. “Quería volver a trabajar con Al. Hacía 15 años que no coincidíamos, y cuando tuve la oportunidad de participar en este filme, no me lo pensé dos veces”.

  El Dr. Jack Gramm (Al Pacino), psiquiatra forense y profesor universitario, ha basado toda su carrera en sus “observaciones” de la gente y de sus factores de riesgo. Utilizando sus habilidades únicas, ha conseguido encarcelar a Jon Forster, quien ahora aguarda su ejecución en el corredor de la muerte. Jack, un hombre dotado de una gran autoconfianza, se vuelve cada vez más paranoico cuando arranca la cuenta atrás para la ejecución y comienzan a producirse una serie de asesinatos iguales a los que cometía el preso. Además, también es víctima de una serie de amenazas que van contando los minutos que le quedan para su propia muerte.

  “88 Minutos se estructura de tal forma que se acompasa con tu ritmo cardíaco y con tu adrenalina. Esto es lo más estimulante y raro del proyecto”, explica Unger. “También, por descontado, está el difícil reto de transferir el texto escrito a la pantalla, porque al ser Jon (Avnet) es el creador, en ambos casos hay datos que sólo están en su cabeza y que hay que ir averiguando. El guión contiene un mundo complicado y frenético que requiere una gran precisión, algo que no le falta a Jon. El tema de la confianza es semejante al de películas como Sospechosos habituales, donde algo que se revela puede percibirse en cuestión de segundos. El público no sabrá de qué detalles fiarse”. Flannigan añade: “Dado que el asesino usa principalmente el teléfono móvil para comunicarle la cuenta atrás a Jack Gramm, cuando éste mira a su alrededor al recibir las llamadas, todo el mundo tiene un móvil, todos están hablando. Incluso en su clase, los teléfonos suenan, los alumnos consultan los resultados deportivos y todo se vuelve un mundo de paranoia para el protagonista. Sólo dispone de dos horas y todos los que le rodean se convierten en sospechosos en cuanto se le acercan.

  Benjamin McKenzie comenta que “éste es uno de los aspectos más divertidos de una película como ésta, que logras contagiar las sospechas en el espectador con el más mínimo gesto… siempre me ha gustado jugar con el público un poco y llevarles por varios caminos”.

  “No creo que nadie se salve de la sospecha en esta historia. Me gusta la forma en que Jon la filma, porque consigue hallar más momentos clave de los que figuran en el guión”, comenta Witt. “Cada día de rodaje supone un gran esfuerzo, pero Jon siempre se muestra muy receptivo a ideas y propuestas. Es un hombre maravilloso que escucha a los demás y que no entromete su ego cuando acepta la idea de alguien. Lo más grande que he aprendido en este trabajo es que hay que dejar ganar a la mejor idea, y Jon Avnet no solamente es un increíble director sino que además se porta estupendamente con los actores. Se da cuenta de muchas cosas y sabe cómo hablarle a un actor para obtener el resultado deseado sin hacerle creer que le está juzgando o que se pone en su contra. Esto genera confianza y motivación para sacar lo mejor de cada uno. Cuando él dice ‘bueno, vamos allá’, sabes que no pararemos hasta obtener lo que él busca”.

  Otros miembros del reparto comparten el entusiasmo de Witt por trabajar con Jon Avnet. “Ciertamente, lo primero que me atrajo del guión fue el director, el punto de vista del director. Jon Avnet es, además de un extraordinario director, un gran productor y guionista”, expresa Unger enfáticamente. “Me encanta el género de esta historia, es un guión inteligente y rápido, muy rápido. El director es quien me sumerge en la historia. Es esencial confiar en quien ha escrito e ideado el texto. Jon Avnet es una mente brillante, un productor, director y guionista brillante. Y, por supuesto, el gran tótem de la película es uno de los actores vivos más impresionantes que existen: Al Pacino”.

  Trabajar con Al Pacino ha sido enormemente inspirador para todos y algo intimidante para algunos. “Hace cuatro años estudié las películas y las interpretaciones de Al Pacino en la universidad”, cuenta McKenzie. “Siempre me ha asombrado la capacidad que tiene de meterse en la piel de sus personajes. Ahora, cuando le tengo a medio metro en una escena gritándome veo lo difícil que es mantenerse en el papel. Tengo que recordarme a mí mismo que soy otra persona y que él es otra persona, y que estamos haciendo un largometraje y no una peliculilla de estudiantes. Estoy viviendo una experiencia real, estoy trabajando con él. Es un hombre presto a colaborar y un gran profesional, y eso es muy inspirador”.

  Witt destaca: “He aprendido mucho trabajando con Al. Es tan bueno que todos alucinamos. Pero, es que además es mucho mejor conocerle en persona y al trabajar con él te das cuenta de lo accesible que es y la confianza que transmite con su forma de ser abierta y próxima. Él sólo desea lo mejor para nosotros y es apasionado y dedicado en procurar que salga siempre el mejor resultado. Esta verdadera generosidad de espíritu hace que sea todo un placer trabajar con él”. El actor William Forsythe añade: “Siempre resulta excitante entrar en plató acompañado de un actor del calibre de Al. De algún modo sientes todo lo que ha hecho en su carrera, los sitios donde ha estado y te das cuenta de que su grandeza tiene fundamento”.

  Junto a Al Pacino, 88 minutos ostenta un reparto de actrices de talento. McKenzie bromea: “Si vas a hacer una película, mejor que sea con Al Pacino y con un montón de chicas preciosas, divertidas y talentosas”. Witt comenta: “Creo que Jon realizó un gran trabajo de selección al encontrar a cuatro actrices tan distintas que encajaran en los personajes. Además de mi papel de Kim Whitely, Amy Brenneman interpreta a Shelly Barnes, Leelee Sobieski es Lauren Douglas y Deborah Kara Unger es Carol Lynn Johnson”.

  “Leelee Sobieski es brillante. Es una actriz que me encantó conocer. Metafóricamente, trabajar con ella te permite entender que es una especie única. Y de nuevo, todo esto se lo debemos a la gran visión del director en el casting”, dice Unger. Leelee interpreta el papel de Lauren Douglas, un de las alumnas más coquetas de Jack Gramm. “Leelee aporta una naturalidad y una calidad interpretativa que muchas actrices de su edad no tienen. Es una de las actrices jóvenes más espectaculares actualmente”.

  “Y Alicia Witt es otra actriz de impresionante talento”, prosigue Unger. “Y posee una sensibilidad muy distinta a la de Amy Brenneman, quien da un color muy especial al personaje de Shelley Barnes. Es decir, que unas son el contrapunto de las otras, lo que hace que el casting sea perfecto. Estoy entusiasmada de participar en este proyecto con estas mujeres; ha sido una experiencia genial”.

  La carrera de la joven e inteligente Alicia Witt comenzó cuando ella tenía cinco años y recitó escenas de Romeo y Julieta en el programa de televisión ¡Esto es increíble! Un director de casting la vio y la convocó para una prueba de selección de la película Dune que le proporcionaría su primer papel. “Si todo aquello no me hubiese sucedido, ahora mismo no sé si habría sido actor. Vengo de una familia de maestros de escuela de Worcester, Massachusetts, y el arte dramático no es algo que tenga en los genes. Sin embargo, desde el momento en que puse el pie en el plató de Dune supe que aquello era lo que querría hacer toda la vida”.

  Para Witt, el proceso de incorporación a 88 minutos fue largo. Después de leer el guión, seguido de varias reuniones con Jon Avnet, finalmente se encontró con Al Pacino para una lectura en común. “Casi fue suficiente con leer una vez el guión con Al Pacino. Pero entonces tuve que hacerlo una y otra vez hasta que el director llamó para decirme que el papel era mío. Lo siguiente fue volar hacia Vancouver para hacer la película llena de entusiasmo e ilusión. Nada puede describir lo feliz que fui”.

  Witt explica su papel en 88 minutos. “Yo interpreto a Kim, la profesora asistente del personaje de Al, quien además siente atracción por ella. Es una chica independiente y decidida, llena de energía y deseosa de probar que sabe lo que hace. Es plenamente consciente de la situación con Jack y no quiere que haya confusiones respecto al futuro de ellos dos como pareja. Kim solo quiere vivir el día a día. Ella sabe que es un mujeriego, y aun así hay algo en él que la atrae. Quizá es algún tipo de conexión extraña, pero no creo que ninguno de los dos pueda tocarle un pelo al otro”.

  Uno de los grandes retos de Alicia Witt fue la investigación en la profesión de su personaje. “Ella ya estuvo en la clase de Jack Gramm como alumna y ahora es profesora auxiliar. Kim hace todo lo posible por adentrarse en el mismo terreno que Jack”, explica Witt. “Pero ella sabe que la ciencia forense no es una elección sencilla. Es un mundo muy oscuro lleno de sospecha y desconfianza, donde tienes que tratar con gente mala. Para alcanzar el alto nivel de Jack Gramm, Kim necesita estudiar y aprender todo lo necesario para evaluar a alguien que está totalmente psicótico. Debe analizar sus caracteres e intentar predecir cuál es su factor de riesgo, lo cual es una de las grandes habilidades que necesita un psiquiatra forense para confeccionar perfiles de pacientes, y entonces emitir una opinión sobre si alguien debe pasar el resto de su vida en la cárcel o se le puede rehabilitar. Las variables que determinan los resultados son casi infinitas. Así pues, leí todo lo que pude e intenté entrar en las mentes de esos asesinos. Es una ciencia muy interesante, y es lo que Kim quiere hacer realmente Al final acaba adquiriendo un cierto nivel, pero cuando el mundo de Jack comienza a desenmarañarse todo va tan rápido que Jack y Kim corren literalmente para salvar sus vidas durante toda la película”.

  El papel de Shelly Barnes interpretado por Amy Brenneman es muy distinto al de la Juez Amy. En lugar de ser la jefa, como lo es en la serie, Shelly es asistenta de Jack Gramm. Selly es una mujer brillante, amable y eficiente, y muy resolutiva en la compañía de gestión de riesgo de Gramm. Dado que Shelly está en contacto permanente con Jack a través del móvil, su papel es importante durante todo el transcurso de la película. Shelly ejecuta todas las órdenes del Dr. Gramm, incluso aquellas que la incomodan. “Nunca he interpretado el papel de una mujer lesbiana”, confiesa Brenneman. “Y como actriz, son muy importantes los retos. Además, ¡quién podría resistirse a la oportunidad de trabajar con Al Pacino!”

  Otro personaje femenino significativo en la vida del Dr. Jack Gramm es Carol Lynn Johnson, Decana de Ciencias de la Salud en la Universidad donde Jack imparte clases. Carol Lynn es una de las numerosas conquistas sexuales de Jack. Ella le respeta profesionalmente, pero cree que debería dejar de dar consejos a la gente y cuidarse de sus propios asuntos y de sus relaciones. “Yo interpreto a Carol Lynn Johnson, quien participa en este engranaje de varias formas. En el pasado, mi personaje tuvo una relación con Jack. El público no sabe hasta qué punto llegó la relación, ni tampoco por qué se le acosa y atormenta durante esos 88 minutos”.

  Completan el reparto los actores masculinos: el veterano William Forsythe y el relativamente recién llegado Benjamin McKenzie. En el papel de Frank Parks, Forsythe es un tipo grosero que las ha visto de todos los colores. Frank es un agente del FBI que trabaja con Jack en el departamento especial de asesinos en serie e investiga el caso de Forster y los asesinatos que se están cometiendo con la misma metodología. Cuando dos agentes más se ocupan del caso, Frank deja claro que él apoya los informes de Jack que aseguran que los nuevos crímenes son obra de un seguidor de Forster, quien ha sido correctamente procesado por sus asesinatos.

  “Yo interpreto al agente especial Frank Parks, un viejo amigo de Jack Gramm, con quien trabaja desde hace muchos años. Ambos trabajan en este caso para encerrar a Fortser, quien ya se encuentra en el Corredor de la Muerte. Su relación da un giro en un momento. Frank intenta apoyar el trabajo de Jack pero al producirse los acontecimientos, él comienza a pensar que está apostando por el caballo equivocado”, explica Forsythe.
Unger comenta de Forsythe que “es un hombre con un gran poder ante la cámara. Posee una voz profunda y sabia, por no mencionar su presencia. En cambio, detrás de la cámara es como un osito de peluche que no intimida ni a una mosca”.

  Benjamin McKenzie es Mike Stemp, el alumno gallito que discute una de las teorías de Jack y se siente humillado cuando el profesor le acalla elegantemente. “Yo interpreto a Mike, uno de los alumnos del Dr. Gramm, aunque también trabajo en su consulta privada. Estoy muy interesado en el caso del asesino, aunque mi carácter es algo agresivo y me gusta discutir con el Dr. Gram sobre detalles del caso”, apunta McKenzie. Para preparar su papel, McKenzie tuvo que documentarse por su cuenta. “Cuando leí el guión creí que sería divertido encarnar a un cínico que consigue irritar al personaje de Pacino. Es un tipo insoportable”.

  Unger concluye: “Jon ha inspirado y creado un ambiente de reparto coral que disfruta pasando el tiempo junto. Se ayudan los unos a los otros y están siempre disponibles fuera del rodaje, en momentos en que no se requiere su presencia. Entre Al y Jon construyeron una atmósfera de pura colaboración, y esto es lo mejor del tiempo que pasamos con 88 minutos”.
El rodaje principal de 88 minutos se completó el 7 de diciembre de 2005, a falta de un día para completar los 40 de filmación. “Nuestro final es un verdadero final”, comenta Michael P. Flannigan. “Nunca había trabajado en Canadá, y realmente ha sido fenomenal, me encantaría volver. Sería fantástico. ¡Quizá la próxima vez hagamos 166 minutos!”, bromea.

Puntuación:

Sinopsis

Año 1926. Cuando el famoso mago Harry Houdini llega a Edimburgo en su gira mundial, ofrece una gran recompensa a la persona capaz de contactar con su madre recientemente fallecida. Mary, una atractiva médium, acepta el desafío atraída por el dinero. Houdini hará todo lo posible por desenmascarar a la misteriosa mujer, pero no podrá evitar sentirse cada vez más atraído por ella.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

Esta película posee a priori elementos que la podrían haber destacado de otras producciones similares. Desde la figura legendaria de Harry Houdini, hasta el atractivo de la ambientación de época, muchos son los componentes que podrían haberla hecho brillar. Con todo ello, se queda a mitad de camino. Si bien Guy Pearce consigue momentos muy interesantes en su interpretación del ilusionista más famoso de la historia, la inmensidad que posee el personaje se ve afectada por la recurrencia a enfatizar su complejo de Edipo, y su inserción en una historia romántica que, previsiblemente, pasa a constituirse en la línea argumental principal, lo cual convierte a la película en una viñeta edulcorada de la legendaria vida de Houdini. Sumado a esto tenemos a Catherine Zeta Jones personificando el interés amoroso de turno, un papel por momentos atractivo pero que no logra ocultar la notoria pérdida de magnetismo que ha sufrido Zeta Jones con el paso de los años (y su agotador esfuerzo por mostrar cierta ductilidad interpretativa en una amplia gama de acentos). A la joven Saoirse Ronan le toca el papel de la hija embustera de Zeta Jones, quizás el personaje más trabajado desde el guión y la interpretación. Sin embargo, es inevitable asociarla con su personaje en la película Expiación: Deseo y pecado. Desde su corte de cabello, hasta el hecho de ser la voz narradora de la historia, todo nos lleva a pensar que, lejos de haber construido el personaje a su medida, han optado por imitar el registro de algunos pasajes de aquel film. La vida y el mito del gran Houdini han sido merecedores de un gran número de versiones televisivas y cinematográficas. Sin ir más lejos, si entramos en IMDB, encontramos cinco películas centradas en la figura de Houdini, incluyendo esta. Esto no representa una cifra más. Habla, en todo caso, de la importancia que ha adquirido la atrapante leyenda de Houdini para el público mundial. Desde esta perspectiva, El último gran mago, lejos de captar todo el brillo del mito, se queda en la mera anécdota romántica y pasteurizada “para todo público”, desperdiciando el verdadero potencial que un personaje de su talla podría haber aportado a la historia.

Dirección: Gillian Armstrong.
Países: Reino Unido y Australia.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Drama, thriller, romance.
Interpretación: Guy Pearce (Harry Houdini), Catherine Zeta-Jones (Mary), Saoirse Ronan (Benji), Timothy Spall (Sr. Sugarman).
Guión: Tony Grisoni y Brian Ward.
Producción: Marian Macgowan y Chris Curling.
Música: Cezary Skubiszewski.
Fotografía: Haris Zambarloukos.
Montaje: Nicholas Beauman.
Diseño de producción: Gemma Jackson.
Vestuario: Susannah Buxton.

Biofilmografía de Gillian Armstrong

Gillian Armstrong nació en Melbourne y descubrió su pasión por el cine en la Escuela de Arte de Swinburne, de donde se licenció en 1971. Después de trabajar un año en Sydney como ayudante de montaje, fue seleccionada, con otras once personas como Phillip Noyce y Chris Noonan, para acceder al curso inaugural de la AFTRS (Escuela de Radio, Cine y Televisión Australiana).
Gillian se convirtió rápidamente en parte integrante de la nueva ola australiana de los años 70. En 1979 Gillian se convirtió en la primera mujer australiana en dirigir una película. En 1984, Armstrong dirige su primera película en EEUU, Mrs Soffel, una historia real, protagonizada por Mel Gibson y Diane Keaton y producida por Edgar Scherick y Scott Rudin. Fue nominada al Globo de Oro a la Mejor Actriz y al Oso de Oro en la Berlinale de 1985.
En 1993 recibió un reconocimiento de la Orden de Australia por sus servicios a la Industria Cinematográfica Australiana, ha recibido el premio Dorothy Azner de Dirección en los premios Crystal de Mujeres en el Cine de Los Ángeles, el premio Chauvel por su contribución a la Industria Cinematográfica Australiana, y el premio Icon a las Mujeres en Hollywood en reconocimiento a su contribución a la industria cinematográfica.

Filmografía

* Death defying acts (2008)

* Unfolding Florence: The Many Lives of Florence Broadhurst (2005)

* Charlotte Gray (2001)

* Oscar and Lucinda (1997)

* Not Fourteen Again (1996)

* Little Women (1994)

* The Last Days of Chez Nous (1992)

* Fires Within (1991)

* Bingo, Bridesmaids & Braces (1988)

* High Tide (1987)

* Hard to Handle (1986)

* Mrs. Soffel, una historia real (1984)

* Having a Go (1983)

* Starstruck (1982)

* Fourteen’s Good, Eighteen’s Better (1980)

* Touch Wood (1980)

* My Brilliant Career (1979)

* The Singer and the Dancer (1977)

* Clean Straw for Nothing (1976)

* Smokes and Lollies (1975)

* Gretel (1973)

* One Hundred a Day (1973)

* Satdee Night (1973)

* Roof Needs Mowing (1971)

* Old Man and Dog (1970)

CÓMO SE HIZO “EL ÚLTIMO GRAN MAGO”

Los co-guionistas Tony Grisoni y Brian Ward se tomaron su tiempo con el guión y la historia evolucionó lentamente. De hecho, la película inicialmente no se basaba en la historia de Houdini. Según Tony Grisoni: “Partimos de la idea de que todo acto mágico está sostenido por un público que desea con todas sus fuerzas que la magia sea real. El público quiere que lo que está viendo sea algo extraordinario. La gente no quiere ver algo corriente ni cotidiano. Empezamos trabajando con una relación madre-hija –Mary y Benji– y Houdini no entró a formar parte de la historia hasta mucho después”. “Cuando empezamos a escribir, situamos a los personajes principales en un circo ambulante, no en un teatro de variedades, hasta el día en que Houdini entró en la historia. A partir de ahí desarrollamos una trama sobre gente que sublima el amor, de hecho Houdini es el caso más extremo, que llega a atarse literalmente con cuerdas y cadenas. En realidad, Harry no creía en el amor, de hecho lo negaba, algo que encajaba perfectamente con el guión. Por otro lado, tuvimos claro desde un principio que la película transmite que la magia siempre existe si uno quiere creer en ella”, añade Brian Ward. El guión llegó a manos del productor ejecutivo Dan Lupovitz hace un par de años: “Toni Grisoni y Brian Ward me enviaron su guión con vistas a que produjera la película. Me pareció fantástico, pero finalmente se decidió que sería rodada como una película escocesa de bajo presupuesto y, por tanto, necesitaría un productor escocés. Al ser estadounidense, yo quedaba descartado. Fue una decepción, pero tuve que olvidarme de la historia. Por casualidad, como por arte de magia, dos años más tarde un agente me envió el mismo guión. Leí un par de líneas y dije ‘Me acuerdo de este guión, me encantó’. Al final no habían conseguido rodar la película en Escocia y ahora intentaban llevarla a la pantalla como un largo más internacional. Fue genial porque eso me permitía poder trabajar en ella”. El guión de Tony Grisoni y Brian Ward ha sido dirigido por Gillian Armstrong. Según Lupovitz, Armstrong era la opción perfecta para llevar la película a buen puerto: “He seguido de cerca el trabajo de Gillian desde My Brilliant Career y me encanta. Tiene voz propia, un estilo visual muy potente y sabe contar una buena historia; además es buena directora de actores y se le dan muy bien los escenarios de época porque consigue llenarlos de vida utilizando interesantes detalles, sin caer en el cliché. Asimismo, sus películas siempre están interpretadas por personajes fuertes como en el caso de este guión, donde los personajes son fuertes, complejos e interesantes”.

La productora Marian Macgowan añade: “Gillian tiene gran sensibilidad visual, pero, por encima de todo, le interesa el drama humano, y eso le permite contar una historia emocionalmente potente de manera muy visual”.

Por su parte, no hizo falta presionar mucho a Armstrong: “Me enamoré del guión en cuanto lo leí porque presentaba una visión completamente nueva de un icono muy famoso. Lo único que sabía sobre Harry Houdini es que formaba parte de nuestra cultura general por algo relacionado con las cadenas, las cuerdas y el escapismo. Eso sí, ¡he aprendido muchísimo sobre Harry! Era un hombre increíble y este filme me ha permitido enterarme de lo que pasa entre bambalinas y me ha enseñado mucho sobre la magia, la ilusión y el espectáculo; elementos que a todos nos gustan. También me pareció muy interesante su relación de amor/odio con las creencias parapsicológicas y con la vida después de la muerte”.

Otro de los elementos de la historia que captó la atención de Armstrong fue la relevancia contemporánea de la gran fama de Houdini: “Cuando actuaba, conseguía atraer a miles de personas que abarrotaban ansiosas las calles o los puentes. Lo que me interesó de Harry no fue sólo su espectáculo, sino cómo vendía ese espectáculo. Era totalmente consciente de la importancia de promocionarse a sí mismo y de trabajarse a la prensa. Supo cómo sobresalir por encima de todos los demás utilizando conceptos ocurrentes e inteligentes y llamó la atención de todo el mundo con su gran imaginación. Fue la primera superestrella del mundo, pero detrás de la estrella y de la fama había un hombre complicado y atribulado”.

El actor australiano Guy Pearce fue escogido para interpretar al personaje principal. Lupovitz explica por qué era el actor perfecto para el papel: “Fue una gran suerte poder contar con Guy Pearce para el personaje de Houdini porque tiene ese estilo interpretativo visceral y físico que encaja muy bien con quién era Houdini como persona y como artista. Asimismo Guy Pearce combina de manera única el carácter del personaje principal con la diversidad del actor de personajes”.

“La historia tiene muchas capas con las poder trabajar como intérprete, pero además Guy le ha añadido mucha emoción física. Cuando actúa, lo hace desde la comprensión física de su personaje”, añade Marian Macgowan.

Para Armstrong la clave estaba en la capacidad de Pearce para meterse en el papel: “Es un actor increíble. Me encanta que sea tan camaleónico; sabe transformarse por completo. También es un intérprete profundo e inteligente. Sabía que Guy se esforzaría al máximo por estar en forma y retratar a un Houdini que resultara creíble. Dio clases de magia y se entrenó durante meses en el gimnasio para coger la forma física que hubiera tenido Houdini. Cuando filmamos las escenas subacuáticas era capaz de aguantar la respiración más tiempo que nuestro especialista. También aprendió a escaparse de una chaqueta de fuerza colgado bocabajo. Eso demuestra su entrega con el personaje. ¡Desde luego que ha salido ganando porque ahora podrá encandilar a sus amigos con los trucos del espectáculo de Houdini!”.

Al principio Pearce se mostró un poco reacio: “Acababa de interpretar a Andy Warhol en una película que daba gran importancia a la veracidad de los hechos históricos, así que por una parte pensaba, ‘¿Realmente quiero ponerme ahora en la piel de una megaestrella que promocionaba su propia imagen?’”

Pearce acabó aceptando, pero se propuso acercarse al personaje desde una perspectiva totalmente diferente a como interpretó a Warhol. “A pesar de que vuelvo a interpretar a un personaje real, como esta historia se centra más en el “y si”, pude jugar un poco más con la trama sin ceñirme tanto a la realidad histórica y trabajar con el mundo creado en el guión. El lado físico fue el gran reto: tuve que entrenarme a fondo, aprender a aguantar la respiración durante mucho tiempo y acostumbrarme a estar colgado bocabajo. Me sorprendió muchísimo todo lo que podemos hacer para transformarnos. Tenía una tabla de entrenamiento físico bastante dura”.

La aclamada actriz Catherine Zeta-Jones encarna a Mary, un personaje de ficción. A Lupovitz le llamó la atención la similitud existente entre Zeta-Jones y su personaje en la película: “El pasado de Catherine se parece al de nuestro personaje porque ambas han trabajado en el teatro, y nuestro personaje, Mary, es muy carismática, espabilada, lista, misteriosa y muy atractiva; una intérprete nata”.

“Cuando nos pusimos a barajar posibilidades para Mary, Catherine nos pareció la mejor opción porque además de ser una gran actriz, tiene mucho en común con Mary. También es muy divertida y con este papel transmite una vulnerabilidad que le va como anillo al dedo. Para ella fue una vuelta a sus inicios, y de hecho rodamos una escena en Covent Garden enfrente de un viejo teatro y nos contó que fue bailarina en un espectáculo en la calle 42 o por ahí durante dos años. Cuando leyó el guión pensó, ésta soy yo, tengo que hacer este personaje”, añade Armstrong.

“En cuanto lo leí pensé, ‘Éste es un personaje increíble’; me atrajo por sus diferentes capas y porque era totalmente diferente al papel que estaba interpretando en ese momento”, comenta Zeta-Jones. “También me pareció una oportunidad fantástica para trabajar con una directora tan maravillosa como Gillian. Nunca había trabajado bajo las órdenes de una directora así que estaba intrigada por ver cómo funcionaría la dinámica. En cuanto nos conocimos me cayó genial y supe que iba a ser un rodaje magnífico”.

Los dos actores principales nunca habían trabajado juntos. “Juntar a Guy y a Catherine fue como provocar una reacción química, han hecho que saltaran chispas en la pantalla”, dice Lupovitz.

“Había oído que Guy era muy concienzudo y que le gustaba mucho ensayar”, comenta Zeta-Jones, “y esa metodología me viene como anillo al dedo porque me encanta ensayar y pasar las líneas y dar con formas diferentes de hacer las cosas. Nos llevamos fenomenal. Hemos trabajado muchísimo, pero nos lo hemos pasado genial, nos hemos reído y nos hemos divertido”.

Pearce coincide en que tuvieron una relación laboral buenísima: “Trabajar con Catherine ha sido un placer. Es una gran profesional y es muy buena en lo que hace. Además es tremendamente cercana y tiene un sentido del humor genial, con lo que nos lo hemos pasado muy bien”.

Saoirse Ronan, de 12 años, interpreta a la hija de Mary: “Antes de empezar, pensaba ‘Genial, ¡voy a trabajar con Catherine Zeta-Jones!’. Me ha encantado trabajar con ella porque además de ser una gran persona, es una actriz de grandísimo talento”.

A pesar de haber entrevistado a miles de jóvenes actrices, Armstrong no tuvo ninguna duda de que Ronan era la actriz que buscaban: “Saoirse nos dejó boquiabiertos en su primera prueba. Vimos a un montón de jóvenes actrices de gran talento, pero ella sobresalía por encima de todas ellas. Su papel es fundamental y, ciertamente, casi está en pantalla tanto como Catherine y Guy, con lo que sabíamos lo importante que era dar con una chica que pudiera sobrellevar esa carga y combinarla con la inteligencia y sensibilidad que requería un papel tan emotivo como éste. Es una chica muy especial”.

Lupovitz coincide totalmente con ella, “Saoirse Ronan es una joven actriz muy madura, y encajaba perfectamente con lo que buscábamos porque necesitábamos una actriz que, a esa joven edad, pudiera combinar cualidades de adulta y de niña. Es una actriz muy lograda, sobre todo teniendo en cuenta que sólo tiene doce años. Entiende muy bien su profesión y es capaz de repetir lo que ha hecho toma tras toma. Tiene presencia para llenar la pantalla y es un placer trabajar con ella. Enamora a la cámara”.

Pero no sólo a la cámara… también encandiló a sus compañeros de reparto. Catherine Zeta-Jones se quedó impresionada con su talento: “A esta joven intérprete no hay que quitarle el ojo, de hecho yo la compararía con una joven Jodie Foster. Terminó de rodar una película y en cuanto llegó se metió de lleno en el papel. Todos los días llegaba y nos daba abrazos a todos. Forjó a una Benji maravillosa, combinando elementos de pillo, de chicazo y un lado muy tierno que ha quedado precioso en pantalla. Es una estrella”. Guy Pearce añade: “Ha sido maravilloso trabajar con ella, es una niña impresionante que espiritualmente es mucho mayor de lo que aparenta físicamente. Todos los días decía algo que te dejaba alucinado al ver lo enterada que está de todo”.

Timothy Spall fue la última pieza del rompecabezas, como el manager y amigo de Houdini, el Sr Sugarman. “Me gustó mucho el guión y la historia me atrajo. Al leer el guión, fue como escuchar una canción que no había oído antes… Me pareció muy sugerente porque es una idea original. Los cuatro personajes principales me parecieron muy interesantes y hay una especie de triángulo en el que luchan por ver quién va a quedarse con Houdini. Un guión como éste no se recibe todos los días”. También le atrajo saber que el proyecto sería dirigido por Armstrong: “Sigo el trabajo de Gillian y me parece una de las mejores directoras del momento. Es muy inteligente, conoce bien de lo que habla, crea unas imágenes visuales preciosas y sabe llegar hasta el núcleo emocional de la trama. Ha sido un placer trabajar con ella”.

A Lupovitz le fascinó especialmente ver cómo Spall daba vida a su personaje: “El Sr Sugarman y Houdini tienen una amistad muy estrecha, comparten muchos secretos y tienen una historia muy larga, forjada durante sus viajes por el mundo en la gira.

Los dos personajes tienen una relación de amor que se manifiesta de una manera muy inteligente en el guión, que los retrata como una pareja que está siempre discutiendo. Nos pareció muy importante dar con un actor que pudiera hacerlo de una manera encantadora y positiva, así que nos sentimos muy afortunados al enterarnos de que Timothy Spall estaba disponible. He de decir que al trabajar juntos, él y Guy Pearce, siendo los grandísimos actores que son, han sabido llevar a la pantalla de una manera muy creíble la relación que tienen ambos personajes en el guión”.

El equipo técnico, sobre todo la directora Armstrong, sabía que dar vida a un personaje tan icónico sería una tarea peliaguda: “Cuando se realiza una historia sobre personajes reales, y más en el caso de un icono como Houdini, siempre hay seguidores devotos que se saben todos y cada uno de los detalles de su vida, y eso complica enormemente las cosas. En nuestro caso, los guionistas se basaron en la ficción histórica para imaginarse cómo se hubiera comportado Houdini. Hemos dedicado mucho esfuerzo a realizar labores de investigación y espero que hayamos logrado una obra que se mantiene fiel al espíritu de Harry. Eso sí, no hay que olvidar que, al fin y al cabo, es ficción”.

Houdini fue el artista más reconocido del mundo en vida, y su atractivo sigue presente hoy en día. La productora ejecutiva Marcia Nasatir sugiere que en la actualidad quizá sea más famoso de lo que haya sido jamás: “El año pasado salió otra biografía de Houdini que decía que había sido espía durante la I Guerra Mundial. Este año, uno de sus bis-sobrinos anunció que tiene intención de exhumar el cadáver dado que piensan que su muerte estuvo rodeada de circunstancias extrañas que podrían ser esclarecidas gracias a la ciencia moderna. Ochenta años tras su muerte, el gran escapista sigue siendo objeto de conversación y controversia en millones de sitios de Internet, y el nombre Houdini sigue siendo sinónimo de magia”.

La película está ambientada en Edimburgo, en 1926, y se rodó principalmente en lugares reales, todo un reto para la diseñadora de producción Gemma Jackson, “Tuvimos que rodar en escenarios naturales con lo que dichos escenarios tenían que parecer lugares reales, y además teníamos que poder trabajar con ellos y embellecerlos”.

Por ejemplo, convertimos el RAF Halton en un elegante hotel escocés. El edificio es de Rothschild, pero lleva años en desuso y estaba bastante destartalado. Tuvimos que esforzarnos al máximo para devolverle su gloria pasada. Simplificamos un poco la decoración, quitamos las horribles alfombras, trajimos el mobiliario adecuado, pusimos ascensores, y, en resumidas cuentas, le dimos un poco de clase”.

Algunos sitios, como el Teatro de Variedades de Wilton, no requirieron tanto trabajo para recrear el aspecto que buscaban: “A pesar de que está un poco feo y se está cayendo a trozos, es un lugar extraordinario con una atmósfera increíble. En cuanto pusimos la cortina roja, todo encajó. Los edificios de aquella época son maravillosos, y realmente no es tan difícil hacer que se adapten perfectamente a nuestra película”, dice Jackson.

Aparte de crear el escenario de época adecuado, Jackson contribuyó al aspecto visual característico de la cámara de Armstrong: “Tanto Gill como yo somos personas muy visuales. No tuvimos que sentamos a hablar sobre el aspecto de la película, todo fluyó de manera natural al rodar las escenas y ver qué necesitábamos. A Gill le encantan las formas alargadas y redondas, así que partimos de esa base. Yo traía pantallas, cristales y superficies reflectantes y ella trabajaba con las diferentes capas. Eso nos permitió lograr el aspecto particular de este filme”.

“Al crear el vestuario, Susanna Buxton se ha ceñido a la época, aunque al ser una historia de ficción, ambientada alrededor de 1926, no nos hemos dejado dominar por esa idea”, añade Jackson.

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Puntuación:

Sinopsis

Lars (Ryan Gosling), un joven enormemente tímido y dulce que vive en una pequeña localidad junto a su hermano (Paul Schneider) y su cuñada (Emily Mortimer), lleva por fin a casa a Bianca, la chica de sus sueños. El problema es que Bianca es una muñeca que encargó por Internet, aunque Lars la trata como si fuera una persona real. Alentados por una doctora (Patricia Clarkson) y en un esfuerzo por comprenderle, su familia decide seguir con la fantasía de Lars, de la que pronto acabará participando todo el pueblo.

Crítica de Cine.com
por Leo Aquiba Senderovsky

A Ryan Gosling recuerdo haberlo visto por primera vez en The believer, una pésima película independiente que intentaba generar debate con un caso de supuesta ambigüedad ideológica, y lo malograba con una mala dirección y un abordaje excesivamente superficial e irresponsable del asunto. Gosling hacía lo posible para sostener su personaje, sometido a un guión que no lo beneficiaba. Su primer protagónico de relevancia lo obtuvo con la cinta independiente Half Nelson, con la cual obtuvo varios premios, y luego participó en Fracture, enfrentándose en un arriesgado duelo actoral con Anthony Hopkins. Ahora lo vemos en un papel de aristas infinitamente mayores a sus anteriores personajes, como el solitario Lars, quien imagina estar compartiendo su vida con Bianca, una joven que supuestamente conoció en internet, y que no es más que una muñeca de plástico. Gosling, si bien tiende a enfatizar los tics nerviosos que ha acumulado Lars, sabe condensar esos recursos actorales en un envase que brilla al mostrarse contenido, más cerca del autista Raymond que interpretó Dustin Hoffman en Rain man, que de otros personajes “freaks” o enfermos, usualmente exacerbados, y siempre mimados por Hollywood. A su alrededor, un pueblo que lo acompaña en su fantasía, provocando situaciones cargadas de ternura. Craig Gillespie, director de la comedia Cuestión de pelotas, deja de lado los gags para aprovechar la intensidad dramática de una historia que fácilmente (y torpemente) podría haberse inclinado hacia el patetismo y el ridículo, aprovechando también el enorme talento interpretativo de Ryan Gosling, y dando vida a un personaje que genera tanta intriga como cariño.

Dirección: Craig Gillespie.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 106 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Ryan Gosling (Lars Lindstrom), Emily Mortimer (Karin), Paul Schneider (Gus), Patricia Clarkson (doctora Dagmar), R.D. Reid (reverendo Bock), Kelli Garner (Margo), Nancy Beatty (Sra. Gruner), Doug Lennox (Sr. Hofstedtler), Joe Bostick (Sr. Shaw), Liz Gordon (Sra. Schindler), Nicky Guadagni (Sra. Petersen).
Guión: Nancy Oliver.
Producción: Sidney Kimmel, John Cameron y Sarah Aubrey.
Música: David Torn.
Fotografía: Adam Kimmel.
Montaje: Tatiana S. Riegel.
Diseño de producción: Arv Grewal.
Vestuario: Kirston Mann.
Estreno en USA: 12 Octubre 2007.