Crítica “The Wicker Man”
Cine.com en el festival de cine de Sitges en el pase de Wicker Man.
Se ha estrenó en cines de toda España el 17 de Octubre.
SINOPSIS
Patrullando por una autopista californiana, el agente de policía Edward Malus (Nicolas Cage) detiene un coche para devolverle a una niña su muñeca extraviada. Instantes después, un camión descontrolado colisiona brutalmente con el coche, provocando un violento incendio que atrapa en el interior de su vehículo a madre e hija. Edward no consigue salvarlas antes de que explote… pasando los meses siguientes de su vida tomando pastillas para borrar de su cabeza los rostros de ambas pidiéndole auxilio.
Una carta desesperada de su antigua prometida, Willow (Kate Beahan), llega a su domicilio sin matasellos. Willow llegó a su vida años atrás, y lo abandonó misteriosamente. Pero ahora, su hija Rowan ha desaparecido, y Edward es la única persona en la que ella confía para poder encontrar a la pequeña. Su antigua prometida le ruega que viaje hasta donde ella vive, una isla privada -Summersisle- con tradiciones muy particulares y arraigadas, donde sus habitantes llevan un modo de vida arcaico. Edward intenta redimir su culpa y enderezar su vida, y por ello no duda en subirse un hidroavión hasta ese remoto archipiélago del Pacífico Noroeste.
Pero nada es lo que parece en la aislada Summersisle, cuya cultura, dominada por la matriarca Hermana Summersilse (Ellen Burstyn), se basa en tradiciones arcaicas y un festival pagano conocido como “El Día de la Muerte y la Resurrección.” La huraña población de Summersisle ridiculiza a Edward y su misión, insistiendo en que nunca ha existido una niña llamada Rowan… o que si así fue alguna vez, ya no está entre los vivos.
CRITICA DE CINE.COM
Remake de la película del mismo título del año 73, esta primera dirigida por y en el papel de líder del grupo de la isla por Christopher Lee, no siendo como en este caso presente un matriarcado.
Si bien no he visto la obra original, esta no me ha gustado demasiado. Floja en muchos aspectos.
Puntuación de cine.com: ** de 5
EQUIPO ARTÍSTICO
NICOLAS CAGE Edward Malus/Productor
ELLEN BURSTYN’s Lady Summersisle
KATE BEAHAN Willow
FRANCES CONROY Dra. Moss
MOLLY PARKER Rose
LEELEE SOBIESKI Hermana Honey
DIANE DELANO Beech
EQUIPO TÉCNICO
NEIL LaBUTE Guionista, Director
ANTHONY SHAFFER Guionista de la versión original de THE WICKER MAN
NICOLAS CAGE Productor
NORM GOLIGHTLY Productor
AVI LERNER Productor Ejecutivo
RANDALL EMMETT Productor
JOHN THOMPSON Productor
BOAZ DAVIDSON Productor
GEORGE FURLA Productor Ejecutivo
TREVOR SHORT Productor Ejecutivo
ANDREAS THIESMEYER Productor ejecutivo
JOSEF LAUTENSCHLAGER Productor ejecutivo
DANNY DIMBORT Productor Ejecutivo
ELISA SALINAS Productora Ejecutiva
ZYGI KAMASA Co-productor
SIMON FRANKS Co-productor
SHAWN WILLIAMSON Co-productor
BRAD VAN ARRAGON Line Producer
JOEL PLOTCH Montador
PHILLIP BARKER Diseño de producción
PAUL SAROSSY Director de fotografía
LYNETTE MEYER Diseñadora de vestuario
ANGELO BADALAMENTI Compositor
SOBRE LA PRODUCCIÓN
El ganador de un Oscar Nicolas Cage y el aclamado director Neil LaButte comparten una pasión por la película británica The Wicker Man (estrenada en España como El hombre de mimbre). Esta producción de 1973 estuvo protagonizada por Edward Woodward, Christopher Lee y Britt Ekland, y dirigida por Robin Hardy. Aunque no tuvo un gran éxito durante su estreno, el film ha visto como con los años incrementaba su número de admiradores, hasta convertirse en una película de culto.
Nicolas Cage vio por primera vez The Wicker Man en casa de la legendaria estrella del Punk-Rock Johnny Ramone. Cage recuerda, “No se parecía a ninguna película que hubiera visto hasta entonces. La encontré tremendamente inquietante; me causó una honda impresión”.
Norm Golightly añade que Wicker Man es una película muy interesante para un remake ya que, “Está reverenciada por un pequeño grupo de gente. Quizás muchos conozcan el título, pero no habrán visto el film original. En este caso, son muchos, pero dentro de una comunidad pequeña, los que conocen The Wicker Man y la adoran.”
“Tiene esa atmósfera siniestra, terrorífica, que en mi opinión no ha sido igualada,” apunta el productor Boaz Davison.
En 1980, el guionista y director Neil LaBute trabajaba en una sala de cine de arte y ensayo cuando vio el trailer y el poster original de la película original, que se estrenó en los EEUU varios años más tarde que en el Reino Unido. “Era una de esas películas que la gente ama y conoce en profundidad, o por el contrario desconocen absolutamente,” recuerda. “Me encantó la historia; y cómo termina.”
Cineasta que ha destacado también en el mundo del teatro, la sensibilidad de LaBute resultó proverbial para una revisión contemporánea de la historia de “The Wicker Man”. “Neil es muy conocido como dramaturgo y también por sus películas de arte y ensayo,” comenta el productor Randall Emmett, “Yo pensé, WOW, podremos tener una película de género con, además, una gran integridad artística.”
“Neil adora a los actores y le encanta la dinámica que se produce entre la dirección, la interpretación y la escritura del guión. Es muy dedicado y disfruta con el proceso creativo. Ha sido un gran placer poder trabajar con él en este proyecto.”
LaBute, elogiado por público y crítica por sus cáusticos retratos de las relaciones entre sexos en películas como “En compañía de hombres” y “Amigos y vecinos”, aceptó gustosamente la oportunidad de explorar las áreas grises de esas relaciones, aunque desde una perspectiva poco convencional. “Con esta película, he penetrado en un mundo que estaba más cercano a algunos de mis trabajos anteriores, investigando cómo hombres y mujeres se relacionan y el tipo de poder diferencial que existe entre ellos,” afirma.
Al rehacer The Wicker Man más de tres décadas después del estreno de la original, LaBute ha dado la vuelta al rol de cada sexo de un modo que posiblemente será mejor aceptado por el público actual que el de antaño. Los hombres, en lugar de tener un papel preponderante en la sociedad, están sometidos al poder matriarcal que rige los destinos de esa misteriosa isla conocida como Summersisle.
Aunque LaBute no había escrito ningún papel para un actor concreto, estuvo encantado de ver con qué facilidad Cage se introducía en el papel de Edward Malus. “Al salir de su boca, los diálogos sonaban adecuados, como hechos a medida, pero nunca los concebí exactamente así,” asegura. “Nicolas Cage hace de Edward un personaje muy humano.”
Cage protagoniza la película en el papel de Edward Malus, un policía motorizado que patrulla las carreteras de un área solitaria de la California interior. “Es esa clase de persona que disfruta con su trabajo,” afirma Cage. “Tiene sus creencias, y sobretodo una gran fe en la ley.”
La vida de Edward da un vuelco debido a un terrible suceso, la muerte de una madre y su hija, del que se culpa a sí mismo. “El accidente le coloca en un estado mental fracturado,” explica Cage. “Su psique es muy frágil; muestra un cuadro de ansiedad, padece ataques de pánico cada vez que rememora los acontecimientos; decide medicarse para superar el trauma.”
Todo cambia cuando, como salida de la nada, recibe una carta de su antigua prometida cuya hija, Rowan, ha desaparecido. “Willow fue el amor de su vida, y lo perdió,” comenta Cage. “Nunca llegó a comprender porqué le abandonó. Un buen día se marchó, y ese el último recuerdo que tiene de ella. La herida de su corazón todavía está baierta.”
Ansioso por ver de nuevo a Willow y animado ante la perspectiva de dar un nuevo rumbo a su vida, Edward parte hacia la isla de Summersisle. “La madre de esa niña es alguien a quien él ha conocido; una persona de su pasado que desapareció súbitamente,” apunta LaBute. “Él tiene muchas ganas de verla de nuevo y saber qué ocurrió realmente para que s separaran.”
Edward atraviesa el Puget Sound desde la costa del estado de Washington hasta la remota isla privada de Summersisle, a la que no se puede acceder por medios convencionales. La isla está habitada por una sociedad agraria con una economía sustentada en la producción de miel de abejas y está liderada por la figura matriarcal de la Hermana Summersisle, personaje interpretado por la ganadora de un Oscar Ellen Burstyn. “Llevan viviendo en la isla muchos años, alejados de la civilización,” describe Davidson. “No ha coches, aparatos de televisión, ni medios de comunicación. Viven aislados y creen en una religión de cuño local que se asemeja vagamente a algún tipo de paganismo.”
Este es el ambiente que se encuentra Malus, un policía americano corriente. “Edward es alguien que procede de una sociedad tradicional, donde es hombre y policía,” comenta LaBute. “Pero su arma y todas las cosas que simbolizan su poder en el mundo exterior significan bien poco para los lugareños de Summersisle. Por ello, su misión, que se va haciendo cada vez más ardua e intensa, no les interesa. El tiempo no parece moverse para las gentes de la isla, y eso frustra sobremanera a Malus, que ve cómo su investigación conduce a un callejón sin salida. Aunque cree tener la fuerza de la ley y la razón de su lado, no tiene modo de salir de la isla, por lo que sus opciones se van haciendo más limitadas a medida que avanza la película”.
En el centro de todo este misterio está la madre de la niña desaparecida, y el amor perdido de Edward, Willow Woodward, interpretada por Kate Beahan. “Hay algo muy enigmático en Kate Beahn,” admite Cage. “Nunca sabes qué está pensando. Se muestra misteriosa ante la cámara. Su personaje, Willow, es impredecible, y Kate somatiza esa característica de un modo natural.”
“Los dos personajes no se han visto en mucho tiempo, por lo que es comprensible la reacción de Edward,” comenta Beahan. “Y resulta evidente que todavía sienten algo el uno por el otro. Eso queda claro por el lado de Malus en que ha hecho un largo viaje sólo para ayudarla, y con la única prueba de su palabra.”
“Es casi la atracción de polos opuestos,” afirma Cage. “No se parecen, pero hay una especie de atracción exótica. Aunque han pasado ocho años desde que ella le abandonó, la llama del amor continúa viva en él.”
Pero la isla es una fuerza formidable a la que Edward debe enfrentarse. Sus gentes no le auxiliarán, y la misma relación de Willow con los lugareños parece tensa. “En su primer día en la isla, Edward tiene que oír que Rowan ni siquiera existe; después escuchará de soslayo que ha muerto; y después que su madre está loca;” explica LaBute. “Él no sabe en quién confiar, y creo que ese sentimiento se transmite perfectamente al público de la película. Todos parecen ocultar algo.”
Su única pista para llegar a Rowan, la niña desaparecida, es confiar en lo que Willow le diga. “Aunque cuanto más desvele de la trama, cuanto más descubra sobre la comunidad que habita la isla, más peligroso y quebradizo se irá haciendo el suelo que pisa,” afirma Beahan.
Durante tres días, Edward investiga todas y cada una de las pistas que podrían conducirle hasta Rowan: visita la escuela en la que debería estudiar la niña; se reúne con el único doctor de la isla, que es además el fotógrafo de la comunidad; se acerca a los muelles, e incluso visita el cementerio. La dificultad que comporta el que una persona ande buscando durante tres días a alguien que nunca ha visto se resume en la imagen de Edward corriendo por los boques de un lado a otro. “En realidad no tiene la entidad ni la fuerza policial necesaria para iniciar la búsqueda de una persona desaparecida. Aunque se trata de un buen policía, uno decente además,” apunta LaBute. “Hay algo gracioso en su frustración, porque esas personas están constantemente levantado muros ante él, y creo que el innato sentido del humor de Nic permite que este juego contenga un punto de humor que no se daría en otras circunstancias y con otro actor. Me encanta jugar con el público, subvertir sus prejuicios mezclando momentos de humor con instantes de puro terror.”
A medida que Malus va deshaciendo la madeja de la trama, se ve inevitablemente atraído hacia la mansión en la que habita la matriarca de Summersisle, la Hermana Summersisle, figura que encarna el espíritu de la propia isla. “Es la cabeza visible esa misteriosa colonia, poseedores de un sistema de creencias cercano al paganismo pre-cristiano,” apunta la aclamada actriz Ellen Burstyn, que interpreta el papel de la líder de la isla. “Es una sociedad aislada del mundo, por lo que podría seguir así para siempre. Carecen de tecnología avanzada, lo que da a todo un aspecto de otros tiempos.”
Nicolas Cage llevaba tiempo queriendo trabajar con Burstyn. “Toda su carrera es remarcable, habiéndonos regalado durante años interpretaciones fenomenales e inspiradoras,” afirma Cage. “En El Exorcista aportó a su papel una gran dosis de realismo y sensación de peligro, y aquí emana fuerza, carácter y carisma de líder.”
Admiradora confesa de la versión de 1973 de The Wicker Man, Burstyn comenta, “He visto la película una docena de veces. Adoro el film original.” Revela que en su momento le impresionó especialmente la versión masculina de su personaje, interpretada por Christopher Lee.
“Ellen es una excelente elección para la Reina Abeja de esta comunidad,” considera LaBute. “Es una actriz de gran carácter e increíblemente buena a la hora de interpretar ese tipo de papeles fuertes y enigmáticos, que no enseñan mucho de su auténtica naturaleza. Puedes interpretar lo que dice de cuatro maneras distintas y, en una escena, es algo así como el juego del ratón y el gato para ver quién dice la verdad y quién está al mando en realidad.”
La situación se complica sobremanera cuando Edward descubre que Rowan es producto de la corta pero intensa relación que mantuvo con Willow en el pasado. Ella es su hija. Entonces, la situación pasa a ser, “me une un lazo de sangre con esta persona y no voy a permitir que le pase nada, incluso si debo dar mi vida por ello,” asegura LaBute. “Las probabilidades de encontrar a la niña son ahora mayores. Es un arco de evolución del personaje muy interesante para Nic como actor - pasar de ser alguien que se ve inmerso en una situación de la que conoce muy poco, para convertirse en un personaje implicado por una motivación pura y primaria.”
Alrededor del reparto principal hay un elenco de talentos proverbiales como Leelee Sobieski, Molly Parker, Frances Conroy y Diane Delano. “El casting fue una ardua tarea,” confiesa Randall Emmett. “La película da miedo y genera tensión debido sobretodo a sus intérpretes. Tuvimos mucha suerte al poder juntar semejante reparto.”
“Uno de los efectos colaterales más interesantes de tener que lidiar con una sociedad matriarcal es el sorprendente número de mujeres en el set de rodaje,” añade Beahan.
“Todas tuvimos que trabajar juntas y en unión, lo que fue una experiencia única, ya que es bastante poco usual.” Señala Burstyn. “El equipo de casting consiguió reunir a un equipo fantástico. Fue muy divertido trabajar con un grupo tan interesante, creativo y dotado de tanto talento.”
Leelee Sobieski tenía tantas ganas de trabajar en este proyecto que accedió trabajr en él mientras actuaba simultáneamente en otra película en Vancouver. “Neil es un guionista increíble. Encontré el guión emocionante, siniestro y hasta sádico, y cada escena me atrapaba por sorpresa. Me gustan las películas que te mantienen en vilo.”
Wicker Man se rodó durante 45 días durante el verano de 2005 en Vancouver, British Columbia, Canadá, y sus alrededores. Además de otras muchas localizaciones, Bowen Island, al Oeste de Vancouver, hace las veces de la bucólica Summersisle.
Mientras que la acción de la película original transcurre en una remota isla escocesa, la nueva traslada la acción a los Estados Unidos. Los productores y cineastas viajaron en busca de localizaciones en la Costa Este, en Georgia, y otros lugares con archipiélagos. Finalmente, se decidieron por la región del Pacífico Noroeste.
“La búsqueda de localizaciones fue un trabajo duro,” afirma Randall Emmett. “Viajamos en hidroaviones y helicópteros - parecíamos de National Geographic. Fuimos de isla en isla, preguntándonos ¿Cómo vamos a traer al equipo hasta aquí cada día?”. Entonces encontramos Bowen Island, preciosa y espectacular.
Encontrar la isla adecuada fue algo más complicado de lo que los productores creyeron en un principio porque, con algunas excepciones, la isla estaba en unas condiciones similares a las de hace un siglo. Aunque Summersisle disfruta de electricidad, agua corriente y alcantarillado, no hay en ella coches, ni lanchas, ni siquiera línea telefónica terrestre. Es por ello que, aunque la acción está ubicada en 2005, la cultura de la isla es bastante primitiva.
Golightly comenta, “Tuvimos que encontrar una serie de localizaciones que nos permitieran colar esa idea de atraso e incomunicación, y esa tarea fue algo más difícil de lo que creíamos, ya que incluso en áreas remotas te encuentras carreteras asfaltadas… y los personajes de nuestra película no necesitarían carreteras asfaltadas para nada.”
Algunas localizaciones halladas por el equipo de producción parecían adecuadas, pero estaban a varias horas de vuelo desde Vancouver. Otras carecían de los alojamientos apropiados para el equipo y el reparto. Bowen Island, a 20 minutos en ferry desde Vancouver, era ideal. Algunos se instalaron en la propia isla, otros tomaron hidroaviones o helicópteros para venir a trabajar, y algunos otros se mudaron a embarcaciones amarradas en el pequeño puerto de Summersisle.
Un día, durante el rodaje en la isla, una cierva y su cervatillo se acercaron sigilosamente al set. “Esta isla es como el Paraíso,” afirma Frances Conroy, que interpreta a la Dra. Moss. Sobre la naturaleza siniestra de la historia, comenta: “Me pareció adecuado que se bendijera la tierra después del rodaje. Algunas escenas terroríficas se han filmado allí, y creo que deberíamos haber dado gracias que el cielo no cayera sobre nuestras cabezas.”
Por su parte, Leelee Sobieski comenta, “En ocasiones, el paisaje te da la pauta anímica para trabajar. En este caso, era exactamente igual que como lo había imaginado al leer el guión.”
El Summersisle de la ficción está recreado a partir de 40 localizaciones diferentes, algunas en el continente, algunas en islas, y el truco está en que todo parezca el mismo lugar. Parte de ello vino de la idea de aislar a Edward, más que centrarlo todo en un pueblo por el que correría todo el rato. Como hace 150 años, la gente vivía en agrupaciones aisladas de casas, y no tenía que haber porqué haber una plaza mayor.”
El producto que alimenta la primitiva economía de la isla es la miel de abejas. “Lo interesante sobre las abejas es que si eres alérgico a su picada, una sola de ellas puede arruinarte el día, sino la vida. Cuando se me ocurrió la idea, empecé a explorar las analogías entre la sociedad humana y las colmenas, y eso lo acabé trasladando al diseño de producción y a toda la historia. De ahí que tuviéramos una reina abeja y todas las mujeres a su alrededor fueran poderosas abejas obreras, mientras los hombres eran como los zánganos, más débiles y apocados. La analogía se me antojó más y más adecuada para toda la película. Y, como he dicho, el diseño de vestuario, de producción y todo lo demás empezó a desarrollarse alrededor de ese concepto central.”
Las referencias visuales van desde las pinturas pre-Rafaelitas y Victorianas, hasta los recientes trabajos de Matthew Barney, pasando por clásicos del cine de horror, incluido Narciso Negro de Emeric Pressburger y Michael Powell.
Mientras que LaBute ya había trabajado extensamente con la diseñadora de vestuario Lynette Meyer (Posesión, Persiguiendo a Betty, Por amor al arte), Wicker Man significó su primera colaboración con el diseñador de producción Phillip Barrer y el director de fotografía Paul Sarossy. Tanto Barker como Sarossy habían trabajado juntos en películas del aclamado director canadiense Atom Egoyan como Where the Truth Lies y El dulce porvenir.
“Creo que fue muy divertido para todos ellos dejarse llevar en este mundo de fantasía ya que nos lo inventamos de la nada,” afirma LaBute. Centrándose en el mundo animal, “Crearon un universo que no existía, por lo que no había limitaciones. No tenían que ser rigurosos con el Egipto de hace 1000 años, o con los rasgos de una comunidad Amish de los EEUU. Esto es Summersisle, y como no existe, podemos jugar.”
El director de fotografía Paul Sarossy se vio especialmente atraído ante el desafío de tener que crear una atmósfera de terror a plena luz del día. “Neil ha escogido el difícil camino de demostrar que cosas escalofriantes también pueden ocurrir bajo la luz del Sol,” afirma. “En cierto modo, ciertas cosas pueden ser aún más terroríficas a plena luz del día, y a medida que Edward va pelando las capas de la inquietante trama, todo aquello que estaba oculto se irá revelando, y siempre seremos testigos de ellas durante el día. Creo que es el fascinante reverso del cliché cinematográfico de que todo lo que da miedo sucede en la oscuridad.”
Sarossy iluminó de un modo muy natural para mantener la atmósfera orgánica y pre-tecnológica de la isla. También jugó con los elementos más audaces del fantástico imaginario del guión. “He introducido imágenes extrañas y misteriosas en la narración,” describe. “Hay una escena en la que el personaje de Nicolas Cage escapa de un enjambre de abejas, a cuya picadura es alérgico; mientras corre, la cámara se va elevando más y más hasta revelar que el propio campo está labrado formando la estructura de un panal, creando la impresión de que en realidad, por más que corra, jamás podrá escapar de las abejas. Gracias a ese cambio de perspectiva, lo que parecía algo natural y benigno, se transforma en una amenaza latente.”
Uno de los conceptos más interesantes para la producción y el diseño de vestuario fueron las máscaras portadas por más de 150 actores y extras durante la celebración religiosa que transcurre al final de la película. Lynette Meyer investigó el paganismo y la tradición céltica y descubrió que los animales eran muy simbólicos. También se documentó sobre el significado de varios animales: “Molly Parker con su pelo negro es el cuervo, una criatura muy importante. Frances es el carnero, un animal muy digno.”
Aisladas de la sociedad moderna, las mujeres de Summersisle confeccionan sus vestidos, que son naturales, orgánicos y muy femeninos, idea que impregnó constantemente la paleta de colores del guardarropía. “Creo que físicamente, es un film extremadamente bello,” apunta Ellen Burstyn.
A Kate Beahan le encantó la vestimenta. “Me recuerdan a cuentos como ‘La princesa y el guisante’ o ‘La bella durmiente’. Tienen reminiscencias de la corte medieval.”
Pero quizás el elemento más importante a diseñar era el mismo “Wicker Man” (Hombre de Mimbre) - una figura imponente que representa los miedos más exóticos y primarios del hombre. “Pienso que cualquiera daría un paso atrás ante su sola visión,” asegura Cage. “No tiene nada que ver con cualquier cosa que hayas visto antes. Es extremo y fuera de control y, en realidad, toda la historia nos acaba conduciendo a él.”
Con The Wicker Man, LaBute espera capturar ese sentimiento de terror subyacente, heredero de los trabajos de Poe y la tradición del cine de terror gótico en general. “Nic y yo hablamos mucho sobre lo grande que era Poe como escritor y cómo apreciábamos su sensibilidad gótica,” señala LaBute. “Intentamos rodar en esa dirección, más que en la onda del cine de terror contemporáneo, el cual se apoya a menudo en los excesos de sangre y sustos fáciles. Queríamos impregnarlo todo de un sentimiento escalofriante y de amenaza latente, en aumento a medida que el film avanza. No hay modo de detenerlo, hasta el último momento. Es una experiencia descontrolada y espero que lo sea para el público en la misma medida que para el personaje de Nic.”
“Un buen puñetazo en el estómago de vez en cuando viene muy bien,” sentencia.
EL REPARTO
NICOLAS CAGE (Edward Malus/Productor): Ganó en 1995 el Oscar al Mejor Actor por su trabajo en el drama Leaving las Vegas e Mike Figgis. Dicho film le valió también un Globo de Oro y premios al Mejor Actor de parte del New York Film Critics Circle, Los Angeles Film Critics Association, the Chicago Film Critics y el National Board of Review.
Su último éxito ha sido como protagonista de World Trade Center, el drama de Oliver Stone basado en la historia real de los dos únicos supervivientes de la Zona Cero. Entre sus próximos estrenos cabe destacar Ghost Rider, en la que interpreta a un especialista que se transforma en el siniestro superhéroe “El motorista fantasma”, y la película de acción y ciencia-ficción Next, dirigida por Lee Tamahori y con Julianne Moore como compañera de reparto. Next trata sobre un hombre capaz de ver su propio futuro.
Cage ha podido ser visto recientemente junto a Michael Caine en el film de Gore Verbinski, El hombre del tiempo, y en El señor de la guerra, thriller dramático de Andrew Niccol. En 2004, Cage protagonizó La búsqueda, una producción de acción y aventuras producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Jon Turteltaub. Anteriormente había destacado su trabajo en la comedia dramática de Riddley Scott Los Impostores, el film bélico de John Woo Windtalkers, y el film romántico ambientado en la 2ª Guerra Mundial, La mandolina del Capitán Corelli.
A finales de 2002, Cage debutó como director con Sonny, protagonizada por Mena Suvari, Brenda Blethyn y Harry Dean Stanton. También en 2002, Saturn Films produjo para Universal Pictures, La vida de David Gale. Fue protagonizada por Kevin Spacey en el papel de un asesino convicto en el corredor de la muerte, Kate Winslet, interpretando a una periodista, y Laura Linney encarnando a una activista contra la pena de muerte. Saturn Films fue también responsable de la aclamada producción para Lion’s Gate, La sombra del vampiro, película que le valió a Willem Dafoe una nominación al Oscar.
En 2000, Cage regresó a la comedia romántica al lado de Tea Leoni en Family Man, dirigida por Brett Ratner (Rush Hour), así como el remake de Jerry Bruckheimer de 60 Segundos, y la aclamada Al límite (Bringing out the Dead), de Martin Scorsese. Entre sus trabajos más destacados de la década de los 90 se encuentran , 8 Milimetros, Snake Eyes, de Brian De Plama, así como City of Angels, de Brad Silberling, el thriller de acción de John Woo Cara a Cara, Con-Air, película que le reunió con el productor Jerry Bruckheimer, y que protagonizó junto a John Cusack y John Malkovich. Cage también protagonizó al lado de Sean Connery y Ed Harris el bombazo de taquilla La Rocapara Simpson-Bruckheimer Productions y Hollywood Pictures. Cage fue a su vez protagonista, junto a Shirley MacLaine, del gran éxito Tess y su guardaespaldas, así como de la aclamada película film-noir Red Rock West, que consiguió un público entusiasta a pesar de su distribución limitada. En It Could Happen to You, volvió a reunirse con el realizador Andrew Bergman. El reparto de la película contó con Bridget Fonda y Rosie Pérez. Justo antes, Cage acababa de protagonizar El sabor de la muerte, un excelente thriller de Barbert Schroeder, con David Caruso compartiendo cabeza de cartel.
En 1984, Cage compuso de un atormentado veterano de Vietnam en Birdy, el punto de inflexión en la carrera del actor, ya que desde entonces se le consideraría un intérprete serio. Dirigida por Alan Parker, Birdy ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes. Cage fue nominado entonces a un Globo de Oro al Mejor Actor por su papel de amante de Cher en Hechizo de Luna. Corazón Salvaje de David Lynch, con Nicolas Cage y Laura Dern como pareja protagonista se hizo con la palma de Oro en la edición de 1990 del Festival de Cannes.
Cage recibió otra nominación al Globo de Oro por su trabajo en la comedia romántica de 1992, Luna de miel para tres, dirigida por Andrew Bergman y que contó con Sarah Jessica Parker y James Caan como compañeros de reparto de Nic Cage. En Agosto de 1996, Cage fue premiado con el prestigioso Premio a Toda Una Carrera que concede el Montreal World Film Festival.
Cage ha sido receptor además del primer Distinguished Decade in Film Award de la ShoWest. A su vez, en 2001 Cage pudo dejar sus huellas en el popular Paseo de la Fama de Hollywood Boulevard en una ceremonia llevada a cabo frente al Grauman’s Chinese Theater.
Entre otros créditos cinematográficos de Nicolas Cage destacan: Valley Girl, Cotton Club, Adios a la inocencia, The Boy in Blue, Peggy Sue se casó, Arizona Baby de Joel y Ethan Cohen, El beso del vampiro y Pájaros de fuego.
Nicolas Cage se crió en Long Beach, California, y vivió allí hasta que su familia se mudó a San Francisco cuando él tenía 12 años. Empezó a actuar a los 15, cuando se matriculó en el San Francisco’s American Conservatory Theatre, donde llegó a aparecer en una representación escolar de la obra Golden Boy. Más tarde, se mudaría a Los Angeles y, todavía cursando bachillerato, consiguió un papel en la TV-movie The Best of Times. Su debut cinematográfico fue en la extraordinaria película de Francis Ford Coppola, Rumble Fish (La ley de la calle).
ELLEN BURSTYN’s (Lady Summersisle) es una de las pocas actrices que ha ganado un Premio Tony y el oscar de la Academia el mismo año, concretamente por su trabajo en Same Time, Next Year de Bernard Slade, en Broadway, y en Alicia ya no vive aquí, de Martin Scorsese, por la que también recibió un Globo de Oro y un BAFTA a la Mejor Actriz. Burstyn ha sido nominada al Oscar por su trabajo en otras cinco películas: La última película (1971); El exorcista (1973); Same Time, Next Year (1978); Resurrection (1980); y, más recientemente, Requiem por un sueño (1999). Recientemente ha protagonizado la esperada película de Darren Aronofsky The Fountain, protagonizada por Hugh Jackman y Rachel Weisz. Su larga lista de créditos cinematográficos incluye films como El fabuloso mundo de Alex (1970), The King of Marvin Gardens (1972), Harry and Tonto (1974), Providence (1976), Gritos de passión (1978), Silence of the North (1980), Dos veces en una vida (1986), Elegir un amor (1990), The Cemetery Club (1993), Roommates (1995), Donde reside el amor (1995), The Babysitter’s Club (1995), The Spitfire Grill (1996), Jugando con el corazón (1998), La otra cara del crimen (The Yards) (1998), Walking Across Egypt (1999), y Clan Ya-ya (2002).
Por su trabajo en televisión, Ellen Burstyn fue nominada a un Emmy por su papel homónimo en The People vs. Jean Harris. Su segunda nominación llegó merced a su aparición en Pack of Lies, una producción de Hallmark Hall of Fame Television de 1987; y la tercera en 2001 al coprotagonizar la serie de CBS That’s Life.
Entre los inacabables créditos teatrales de Ms. Burstyn se incluyen el éxito en Broadway de 1982 84 Charing Cross Road y Park Your Car in Harvard Yard, en la que tuvo a Burgess Meredith como pareja protagonista. También se la pudo ver en Broadway en el aclamado monólogo, Shirley Valentine, apareciendo a continuación en Shimada (1992) y Sacrilege (1995). A mediados de los 90, protagonizó dos obras de Horton Foote: The Trip to Bountiful y Death of Papa. Más recientemente, encabezó el reparto de Long Days Journey Into Night de Eugene O’Neill en el Alley Theatre de Houston y el Hartford Stage en Connecticut.
Ellen Burstyn fue la primera mujer en ser elegida Presidente de la Actor’s Equity Association (1982-85), y ejerció funciones de directora artística del Actors Studio durante seis años, donde había estudiado con Lee Strasberg. Actualmente continúa en activo en esa institución como Co-Presidente al lado de Al Pacino y Harvey Keitel. Ms. Burstyn recibió un Premio a Toda una Carrera en la edición de 2000 del Boston Film Festival, y en 2001 de parte del National Board of Review.
Burstyn se encuentra actualmente escribiendo sus memorias, titluladas Lessons in Becoming Myself, que serán publicadas por Riverhead Press en 2007.
KATE BEAHAN (Willow) ha podido ser vista recientemente junto a Jodie Foster en Plan de vuelo: desaparecida, y pronto estrenará, Revolver, un thriller sobrenatural de Asif Kapadia. Anteriormente ha compartido cartel con Eric Bana en drama autobiográfico Chopper, que le valió una nominación al Premio a la Mejor Actriz de Reparto del Film Critics Circle de Austyralia; también destaca su trabajo en la comedia romántica Strange Planet, protagonizada por Naomi Watts.
Entre los créditos de Beahan para la pequeña pantalla se incluyen la mini-serie australiana After the Deluge, y el gran éxito televisivo Love is a Four-Letter Word.
Con muchas tablas como actriz de teatro, ha aparecido en representaciones de Hamlet, La tempestad y The One Day of the Year, todas dirigidas por Ray Omodei en la sala Hole in the Wall de Perth. Entre otras obras interpretadas por Kate Beahan destacan Romeo y Julieta, Alicia en el país de las maravillas y Good Grief.
FRANCES CONROY (Dra. Moss) fue galardonada con un Globo de oro y un Screen Actors Guild Award por su papel de Ruth en la exitosa serie de Showtime A dos metros bajo tierra. También pudo hacerse con otros dos Screen Actors Guild Awards más compartidos con el resto del reparto de dicha serie. Además, ha sido nominada en dos ocasiones a un Emmy.
Tras graduarse en The Juilliard School’s Drama Division, el trabajo de Conroy ha incluido cine, teatro y televisión. A la serie A dos metros bajo tierra, hay que añadir otros trabajos televisivos como la miniserie de Alex Haley Queen, dirigida por by John Erman, Murder in a Small Town, con Gene Wilder como protagonista y co-guionista bajo la dirección de Joyce Chopra, y la película de Perry Miller-Adato sobre Eugene O’Neill y Carl Sandburg para la PBS.
Sobre los escenarios, ha participado en representaciones producidas por el prestigioso Lincoln Center como Our Town, con Spalding Gray y Eric Stoltz. Fue ‘Desdemona’ en el Othello de Raul Julia y Richard Dreyfuss en el New York Shakespeare Festival, una de las numerosas producciones del New York Public Theatre en las que ha participado.
Entre la larga lista de créditos teatrales de Conroy se cuentan The Lady from Dubuque y Three Tall Women de Edward Albee. Recibió un Premio Obie por su trabajo en The Last Yankee de Arthur Miller, y una nominación al Tony por The Ride Down Mt. Morgan. En el pasado fue nominada en cuatro ocasiones al Drama Desk Award, y consiguió por fin hacerse con el premio merced a su trabajo en The Secret Rapture, de David Hare. Durante dos años estuvo de gira con The Acting Company, la compañía de John Houseman.
Conroy ha aparecido en numerosas películas, tanto de grandes estudios comko independientes; entre ellas Otra Mujer, de Woody Allen; El Aviador, de Martin Scorsese; The Neon Bible, de Terence Davies; el film de Tina Rathborne The Joy That Kills; Esencia de mujer, de Martin Brest; Un par de seductores, Catwoman del director francés Pitof; y Shopgirl de Steve Martin, dirigida por Anand Tucker. Ms. Conroy ha podido ser vista recientemente en Flores rotas, de Jim Jarmsch.
MOLLY PARKER (Rose) es Alma Garret en Deadwood, serie de HBO nominada a varios Emmy.
Tras The Wicker Man podrá ser vista en Hollywoodland, junto a Ben Affleck, Adrien Brody y Diane Lane; el film es un drama sobre la misteriosa muerte del Superman televisivo George Reeves. También acaba de rodar el film de Matt Bissonnette Who Loves the Sun, una historia sobre la rivalidad entre dos amigos de la infancia que ahora compiten por el amor de una mujer. La película está protagonizada por Lukas Haas y Adam Scout.
Ha podido ser vista recientemente en los festivales de Sundance y Cannes merced a su participación en el nuevo proyecto de Rodrigo García Nine Lives. Otro personaje memorable que añadir a su repertorio es el de la joven sufraguista de Iron Jawed Angels, película en la que comparte cartel con Hillary Swank y Angelica Houston.
En 2004, Parker fue nominada a un Genie Award a la Mejor Actriz por su trabajo en Marion Bridge. Entre otras menciones previas se incluyen una nominación a un Independent Spirit Award a la Mejor Actriz protagonista por su papel principal en Center of the World, de Wayne Wang, un Genie Award a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en el film de Bruce Sweeney Last Wedding, así como un Genie Award a la mejor Actriz por su debut cinematográfico en la internacionalmente aclamada Kissed. En 2002, tres películas suyas se estrenaron en el Festival de Toronto Film: Pure dirigida por Gillies MacKinnon, en añadidura a Marion Bridge y Max. También encabezó el reparto de la aclamada Wonderland, de Michael Winterbottom, e interpretó a la esposa de Ralph Fiennes en Sunshine, el film de Istvan Szabo nominado a un Globo de Oro.
Parker apareció también en Rare Birds, con William Hurt, así como en Suspicious River, Men With Brooms, y The Five Senses. Además, fue productora ejecutiva en Looking for Leonard, estrenada en Canadá.
Parker comenzó su relación con HBO al aparecer en Seis metros bajo tierra en el papel de “Rabbi Ari.”Entre otros créditos televisivos se incluyen Twitch City, Intensity, y el telefilm Serving in Silence, con Glenn Close.
LEELEE SOBIESKI (Hermana Honey): es ya una de las actrices más interesantes y valientes de su generación. Acaba de protagonizar el thriller independiente 88 Minutes, junto a Al Pacino, y también In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale, una adaptación al cine del videojuego de espada y brujería con estreno previst para principios de 2007.
Este mismo año ha completado la producción independiente Heaven’s Fall, con Timothy Hutton y David Strathairn, proyectada en el SXSW Film Festival; Lying con Chloe Sevigny, vista en la última edición del Festival de Cannes; In a Dark Place, la moderna adaptación de la celebérrima obra de Henry James ‘Otra vuelta de tuerca’; y la comedia romántica The Optimist, película en la que tiene a Shane West como pareja.
Antes de matricularse a tiempo completo en una universidad Brown para estudiar bellas artes y literatura, Sobieski protagonizó para John Dahl el aclamado thriller psicológico Nunca juegues con extraños; así como Última sospecha, el thriller de Neil Moritz junto a Albert Brooks, y en el papel de chica siniestra incomprendida en My First Mister, dirigida por Christine Lahti. Más recientemente, Sobieski ha protagonizado junto a John Cusack Max, producción de Lion’s Gate que narra la historia de un marchante de arte que traba amistad con un aspirante a artista llamado Adolf Hitler. El proyecto fue rodado en localizaciones de Budapest. Sobieski viajó hasta París para protagonizar L’Idole. Algo antes, ese mismo año, protagonizó al lado de Catherine Deneuve y Rupert Everett una adaptación de Las amistades peligrosas rodada francés e inglés.
Sobieski fue nominada al Globo de oro por Uprising, la miniserie de la NBC dirigida por el cineasta Jon Avnet, que la obligó a trabajar el acento polaco. Su anterior éxito en televisón le había granjeado nominaciones al Globo de Oro y al Emmy por su retrato de Juana de Arco en la miniserie homónima de CBS con un presupuesto de 20 millones de Dólares.
Leelee Sobieski había deleitado a los espectadores con todo tipo de interpretaciones. Fue la nimfa que tentó a Tom Cruise en Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, y consiguió excelentes críticas por su trabajo junto a Drew Barrymore en Nunca me han besado. También encabezaría la producción de Merchant-Ivory, La hija de un soldado nunca llora.
Descubierta por un director de casting que le sugirió que debería dedicarse a la interpretación tras verla en la cafetería de su colegio en Nueva York, muy pronto aterrizaría en papeles televisivos como los de Reunion, con Marlo Thomas y Peter Strauss, y A Horse For Danny, con Robert Urich. A las anteriores les seguiría la serie Charlie Grace, en la que encarnaba a la hija de Mark Harmon.
Su debut en la gran pantalla fue en el papel de la hija de Martin Short en la película protagonizada por Tim Allen Jungle 2 Jungle. También se la pudo ver junto a Elijah Wood en el thriller de acción de Mimi Leder Deep Impact.
DIANE DELANO (Beech), debutó en el cine con el drama deportivo de Jonathan Kaplan Heart like a Wheel. Entre sus créditos más destacados se encuentran La milla verde, dirigida por Steve DeJarnatt, The River Wild, de Curtis Hanson, Death to the Supermodels y Surf School de John Silverman, así como The Lady Killers, de Joel y Ethan Cohen. También protagonizará muy pronto Midnight Clear, al lado de Stephen Baldwin, y Chose Corner.
Delano ha aparecido recientemente en varias series de televisión de gran éxito como A dos metros bajo tierra, Everwood, Monk, Joan of Arcadia, Coach y Matrimonio con hijos. También en la pequeña pantalla, ha salido en Mujeres desesperadas, Urgencias, The Elen Show, Norteen Exposure, y en su popular papel fijo en Popular.
LOS CREADORES
NEIL LaBUTE (Guionista, Director) es un multigalardonado cineasta, guionista y dramaturgo. Graduado en la Brigham Young University, la University of Kansas, y la New York University. Mientras estudiaba un programa de guión teatral en la Universidad de Nueva York, consiguió una beca para cursar estudios complementarios en el Royal Court Theatre de London. Más tarde se matricularía también en el Sundance Institute’s Playwrights Lab.
Su primera película, En compañía de hombres, ganó el Filmmakers Trophy en la edición de 1997 de Festival de Sundance así como el Premio a la Mejor Película que concede el New York Film Critics Circle. El guión le valió también el Premio al Mejor Guión Novel en los Independent Spirit Awards de 1998.La segunda película de LaBute, Amigos y vecinos, debutó en 1998 y obtuvo un gran éxito de público y crítica. La película contó con un reparto compuesto por Amy Brenneman, Aaron Eckhart, Catherine Keener, Nastassja Kinski, Jason Patric y Ben Stiller. Su tercer largometraje fue Persiguiendo a Betty, cuyo estreno mundial tuvo lugar en la edición de 2000 del Festival de Cannes, donde acabó haciéndose con el Premio al mejor Guión. Gracias también a esta película, Renée Zellweger ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz por su papel protagonista en dicha película.
La cuarta película de LaBute, Posesión, fue una adaptación a la gran pantalla del best-seller de A.S. Byatt, ganador de un Booker Prize, estrenándose en Agosto de 2003. LaBute co-escribió y dirigió la película, protagonizada por Gwyneth Paltrow, Aaron Eckhart, Jeremy Northam y Jennifer Ehle.
Tras rodar Posesión en Inglaterra, LaBute dirigió su propia obra teatral Por amor al arte, protagonizada por Gretchen Mol, Paul Rudd, Rachel Weisz y Frederick Welle, representada durante la primavera y verano de 2001 por la Almeida Theater Co. De ahí pasó en otoño de 2001 al Promenade Theater de Nueva York. La versión cinematográfica sería su siguiente proyecto, distribuida por Focus Features en la primavera de 2003 y con el mismo reparto que la versión sobre los escenarios.
LaBute es socio del productor Gail Mutrux en la productora cinematográfica Pretty Pictures, ubicada en los estudios Universal.
En Mayo de este año, la última obra teatral de LaBute, Some Girl(s), se estrenó en el West End londinense bajo la dirección de David Grindley. Esta representación supuso del debut de David Schwimmer en el West End.
Este pasado mes de Marzo, This Is How It Goes, con Ben Stiller, Jeffrey Wright y Amanda Peet, fue estrenada en el New York’s Public Theater con dirección de George C. Wolfe. En Mayo, esta misma obra debutará en el The Donmar Warehouse de London, bajo la dirección de Moises Kauffman.
En otoño de 2004, el MCC Theatre presentó Fat Pig, otra obra teatral de LaBute, dirigida por Jo Bonney, con un reparto compuesto por Keri Russell, Jeremy Piven y Andrew McCarthy. Durante la primavera de ese mismo año, el MCC estrenó cinco de sus obras de un solo acto, tituladas colectivamente Autobahn.
La obra de LaBute The Mercy Seat fue estrenada el otoño de 2003 en el Almeida Theater Company de London, con Michael Attenborough como director. LaBute dirigió por su lado The Mercy Seat para la Manhattan Class Company, con Sigourney Weaver y Liev Schreiber de protagonistas, a finales de 2002. También participó en la serie Brave New World el 9 y el 11 de Septiembre de 2002, una maratón teatral de tres días destinada a conmemorar el la catástrofe del 11 de Septiembre. Su obra, The Distance From Here, fue dirigida por David Leveaux para la Almeida Theater Co. de London en verano de 2002. Dicha obra fue representada en Nueva York en la Manhattan Class Company en la primavera de 2004.
En Noviembre de 2005, LaBute dirigió a Ed Harris en su nueva obra, Wrecks, estrenada en Irlanda. LaBute y Harris se reunirán en Septiembre para presentar Wrecks en el Public Theatre de Nueva York. LaBute tiene sus esperanzas puestas ahora en llevar Fat Pig al West End londinense en Noviembre de este año.
ANTHONY SHAFFER (guionista de la versión original de THE WICKER MAN) estudió en las universidades de St. Paul y Cambridge. Entre 1951 y 1955, ejerció la abogacía, y después, hasta 1969, fue socio en una productora de éxito, escribiendo, dirigiendo y produciendo spots televisivos.
En 1969, dimitió para dedicarse de pleno a la escritura de guiones, y en 1970 acabó el guión de la versión teatral de La huella. Dicha obra se convirtió en uno de los mayores éxitos teatrales de todos los tiempos en Londres y en Broadway, cosechando para su autor un Premio Tony a la Mejor Obra del Año. Entre otros créditos teatrales de Shaffenr destacan This Savage Parade, Murderer, Widow’s Weed, y The Case of Oil Levantine, que se representó en Nueva York bajo el título Whodunnit.
En 1972, escribió el guión de Forbush and the Penguins, protagonizada por John Hurt y Harvey Mills, y en 1974 adaptó La Huella para la gran pantalla, película que sería protagonizada por Laurence Olivier y Michael Caine. Ese mismo año, escribió el guión de Frenesí de Alfred Hitchcock. Entre otros de sus excelentes guiones destacan Absolución, con Rihard Burton como protagonista principal, y tres adaptaciones de novelas de Ágata Christie, Muerte en el Nilo, Muerte bajo el Sol y Cita con la Muerte, todas protagonizadas por Peter Ustinov en el papel del detective Hercules Poirot. Shaffer también fue autor de la historia original en que se basó el film Sommersby, protagonizado por Jodie Foster y Richard Gere.
Shaffer falleció el 6 de Noviembre de 2001. En Noviembre de 2004, su obra Murderer fue representada en el Menier Chocolate Factory de Londres. Su autobiografía, So What Did You Expect? Fue publicada por Picador en la Primavera de 2002.
ANGELO BADALAMENTI (Compositor) es conocido en todo el mundo por sus trabajos para el cine y la televisión, y especialmente, por sus colaboraciones con el director de culto David Lynch. Además, ha trabajado con David Bowie, Paul McCartney, Pet Shop Boys, Ántrax y Michael Jackson.
Badalamenti empezó a trabajar en el mundo de la música para películas en 1973 componiendo la banda sonora de Gordon’s War, siendo su primer éxito mundial en 1986 con Blue Velvet, cuando David Lynch le contrató como “coach” para las inflexiones vocales de Isabella Rossellini y acabó componiendo la banda sonora del film, llegando incluso a aparecer en un cameo como pianista.
Su trabajo en la archifamosa serie Twin Peaks le valió a Badalamenti un Grammy por el tema principal y una nominación po la banda sonora completa, 3 nominaciones al Emmy a Mejor Serie de Televisión, y la banda sonora fue disco de oro en ventas en 15 países. Por Mulholland Drive, Badalamenti recibió nominaciones al BAFTA, al Globo de Oro, y al Premio AFI.
Entre otros aclamados créditos de Badalamenti como compositor de bandas sonoras destacan Un largo domingo de noviazgo, La ciudad de los niños perdidos y Una historia verdadera.